Ramón Monedero

Tabernas Hammer

2012-01-12T20:43:00.005+01:00

A finales de la década de los cincuenta y hasta bien entrados los años setenta, una pequeña productora británica convulsionó el cine de terror de la época. Hasta ese momento, las películas de terror que hacían temblar de miedo a medio mundo eran producciones de serie B, filmadas en blanco y negro en la RKO y auspiciadas por el legendario productor Val Lewton que buceaban en los recovecos de la mente humana a través de sutiles y complejas disertaciones de la mecánica de los fantasmas, sobre todo, de los fantasmas interiores. Lo que los estudios ingleses Hammer Films hicieron en los cincuenta, sesenta y parte de los setenta fue popularizar el género a través del cine en color y utilizando a los monstruos clásicos de la literatura universal como reclamo popular. Primero fue La maldición de Frankenstein (The Curse of Frankenstein; 1957), a ésta le siguió Drácula (Horror of Dracula; 1957) y después vinieron La momia (The Mummy; 1959), Las dos caras del doctor Jekyll (The Two Faces of Dr. Jekyll; 1960 ) La maldición del hombre lobo (The Curse of the Werewolf; 1961), El fantasma de la ópera (The Phantom of the Opera; 1962) –no por casualidad todas del director Terence Fisher- y un sinfín de secuelas y sucedáneos –del propio Fisher y otros cineastas en nómina de la Hammer- que marcaron a toda una generación y que con el paso de los años, han ido creando auténticas legiones de fans en todo el mundo.

Aquellas películas eran en su superficie sencillas. Utilizaban los grandes clásicos como resortes para hablar de cosas más complejas pero nadie se perdía ante sus simplificadas situaciones y sus tipificados personajes. Insisto, todo en la superficie, porque lo cierto es que hoy es de dominio público que la Hammer trastocó el género y muy especialmente a los monstruos clásicos del terror desarrollando sus esencias y en ocasiones, hasta explotando caminos sólo apuntados en las obras literarias que las originaron.

En aquellas películas de terror clásico y a la vez, de fondo vanguardista, había un elemento que película tras película hacía acto de presencia en todas y cada una de sus tramas. A veces era un mero punto de transición, otras un punto de inflexión, pero en todos lo casos un significativo lugar de encuentro entre personajes; las tabernas. Posiblemente no existe un cine de terror que más y de forma más repetida haya dependido de un entorno tan específico como una taberna. Como siempre en la Hammer, con un presupuesto muy ajustado, las tabernas de las películas de la productora británica eran lugares sospechosamente parecidos, en esencia fríos, con muy pocos adornos y escaso ornamento y sí en cambio repletos de gente, por lo general, con una pinta de cerveza en la mano, una copa de vino o un coñac. Como hemos aprendido todos los amantes del cine, no hay nada mejor para el frío que un coñac, y más frío que en una aislada campiña inglesa debe ser difícil encontrar por debajo de los círculos polares.

En las tabernas de la Hammer era muy extraño encontrar algo de comida, como buena productora inglesa que era, la cuestión gastronómica era un asunto a tratar en otros entornos, un restaurante, un buffet tal vez, pero no en una taberna. Como aquellas películas se desarrollaban, por lo general, en pequeños pueblecillos casi anacrónicos situados en lugares indeterminados de una hipotética Europa impregnada por los temores de la superstición, las tabernas de la Hammer solían ser lugares estrechos, no muy grandes, pero lo suficientemente amplios como para dar cabida a una decena de lugareños sedientos, fundamentalmente de cerveza. A veces también, aquellas tabernas servían de trascendentales puntos de encuentro social como en Las novias de Drácula (The Brides of Dracula; Terence Fisher, 1960), en cuya taberna se sitúa el féretro y tiene lugar el velatorio de una de las víctimas de un temible y seductor vampiro (en la imagen). Pero por lo general las tabernas Hammer eran lugares en los que los personajes se encontraban con otros que los conducían al siguiente nivel dramático del film. Una de esas tabernas podía ser perfectamente el lugar idóneo para que un aguerrido Abraham Van Helsing, encontrara la información necesaria para acercarse un poco más al temido conde Drácula.

Y si las tabernas eran unos lugares de inusitado interés en las películas de terror de la Hammer, los taberneros y especialmente, las taberneras lo eran todavía más. Generalmente, el tabernero solía ser un tipo con problemas de peso o demasiado viejo como para llamar la atención de ningún vampiro, solían ser personajes idóneos para sonsacar y sacar algo de información o directamente sobornar. Cosa bien distinta era sin duda, las taberneras. Por lo general se trataba de chicas jóvenes, con escotes importantes, que se movían con soltura entre la jauría de clientes que pasaban el tiempo entre pinta y pinta e insisto, sin rastro de un miserable chusco de pan sobre la mesa. Estas profesionales de la barra y la cerveza era una cuestión bien distinta. No ha sido la primera tabernera que ha caído bajo las fauces de Drácula o que, como en Drácula vuelve de la tumba (Dracula Has Risen form the Graven; Freddie Francis, 1968), utiliza su bodega como refugio para el vampiro y la propia tabernera como apoyo para sus maléficos planes de horror y sangre.

Hay en este sentido un caso curioso de tabernera singular, la que aparece en Frankenstein creó a la mujer (Frankenstein Created Woman; Terence Fisher, 1967), una camarera con el rostro parcialmente desfigurado que es ocultada por su padre en la cocina del bar para no espantar a los visitantes que acuden allí con el gaznate seco. Hay de hecho en esa misma película un momento crucial en la taberna, cuando un engreído aristócrata descubre a la hija desfigurada y se ríe de ella, el amante de la joven se enfrentará a él y éste caerá sobre una mesa con varias copas de vino, derramándolas y creando la impresión visual de sangre que brota del pecho del personaje, anticipando así su muerte, como de hecho ocurrirá poco después.

Resulta obvio por tanto que sin las tabernas, el cine de terror de culto de la Hammer no sería el que hoy conocemos, admiramos y perseguimos como coleccionistas. Sin las tabernas, Van Helsing no habría tenido a quien sobornar, Drácula hubiera gozado sin duda, de un menú mucho menos variado y Frankenstein no hubiera tenido demasiada materia prima de la que partir. Pocos se han percatado de este detalle, pero el cine de terror hecho en la Hammer Films en los cincuenta y sesenta, no hubiera sido el mismo sin el calor de una taberna cargada de humo y el sabor de una rebosante pinta de cerveza.

"Detrás de las paredes" de Jim Sheridan. 2011

2011-11-22T20:40:00.005+01:00

Detrás de las paredes no es que sea una película especialmente mala. Sus actores están correctos, su guión está bien construido, su realización también es correcta y su factura técnica es impecable. Lo que ocurre con Detrás de las paredes es sencillamente que es aburridísima, sobre todo, porque tiene un guión que pese a su magnífica estructura e incluso alguna que otra buena idea suelta, es previsible hasta el hartazgo y está trufado de tópicos hasta el extremo. Según parece, el asunto se veía venir de lejos.

"La cosa" de Matthijs van Heijiningen Jr. (2011)

2011-10-26T23:33:00.004+02:00

Llama la atención que Hollywood, en su desenfrenada carrera por volver a exprimir los éxitos de la década de los 80, se haya fijado en una película como La cosa (John Carpenter; 1982). En primer lugar porque el film de Carpenter fue una auténtica anomalía dentro de aquella década dominada por el cine adolescente de Spielberg y Lucas. Y en segundo lugar, y tal vez más importante, porque La cosa de John Carpenter fue un fracaso bastante importante de taquilla y su director se las tuvo que ver y desear con el estudio para sacar adelante la película que él quería, la misma que el público de la época no quiso o no puedo entender. Ahora, como si con ellos no fuera la cosa, la propia Universal echa mano de la película que en su día maldijo para poner en marcha una nueva aproximación, más que nada porque sabe que la película de Carpenter es hoy, con toda justicia, un film de culto.

"Mientras duermes" de Jaume Balagueró. 2011

2011-10-19T11:14:00.003+02:00

A todos les llega el momento de madurar y parece que el de Jaume Balagueró ya está aquí. Aún tiene que pulir su nueva postura, si es que decide prolongarla, pero salta a la vista que las intenciones y las obsesiones del director catalán han sufrido una sensible transformación. El que fuera, tal vez, el director español que más y mejor representaba el posmodernismo, parece estar haciéndose otra preguntas, o por lo menos, parece estar planteándoselas de otra forma. Tras haber hecho templar las taquillas de media España con [REC] y [REC]2, Jaume Balagueró parece haber abandonado, por el momento, el cine fantástico para tratar de aproximarse un poco más a la realidad.

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IMAGINARIO 2011

2011-10-04T20:22:00.004+02:00

Ya está en la calle una apuesta única en España, un anuario sobre lo audiovisual en el que he tenido el honor de participar coordinando la sección dedicada a la televisión y escribiendo algunos artículos sobre cine. Se trata de una apuesta nueva y diferente que necesita de la atención de los amantes del cine, la televisión, los videojuegos e Internet. En breve imagino que habrá diferentes presentaciones en distintos puntos de España, porque apunto, en IMAGINARIO han participado críticos, profesores, expertos, ensayistas y profesionales de lo audiovisual de toda España. Tenemos una página en facebook a la que os podéis sumar y desde luego darle toda la publicidad que podáis a través de vuestros amigos en la red. Ahora estamos con el tema de la distribución pero en esta web ya se puede adquirir. Contamos con vosotros.

ScifWorld (Septiembre 2011)

2011-09-21T19:39:00.002+02:00

Nuevo número, y esta vez especial, de ScifiWorld con una de esas portadas de escándalo. Un nutrido y completísimo dossier especial sobre el festival de Sitges copa la mayoría del espacio con entrevistas a sus directores, un recorrido por su historia y una breve aproximación a algunos de los títulos más emblemáticos que han pasado por Sitges desde su nacimiento. Para la ocasión, mi pequeña y humilde aportación se ha ceñido a unas breves reseñas sobre El baile de los vampiros, El fotógrafo del pánico, Posesión infernal, Cube, Europa y Dracula. Pages From a Virgin´s Diary. Además, este número ofrece una interesante aproximación a uno de los grandes de la literatura fantástica, Richard Matheson y un interesante comentario sobre uno de los videjuegos con uno de los trailers más perturbadores que se han filmado jamás, como botón de muestra, ahí va este enlace.

"Noche de miedo" de Graig Gillespie. 2011

2011-09-17T14:21:00.002+02:00

Nueva vuelta de tuerca a esa década, hoy tan vanagloriada, y en su día tan discutida como fueron los 80. En aquellos años de escapismo desaforado y de retorno a los modelos clásicos de Hollywood, surgió una simpática película que como otros largometrajes de terror de su generación, se acercaban al género sin demasiada crudeza, para así poder incrementar considerablemente a su público potencial. “Noche de miedo” era la primera película de Tom Holland, un avispado ayudante de dirección, productor, editor y guionista que había conseguido hacerse un hueco en esto del cine con el singular guión de “Psicosis 2. El regreso de Norman”. “Noche de miedo” fue un inesperado éxito, entre otras razones porque se mantenía fiel a los cánones de la factoría Spielberg de la época; estos es, adolescentes en un entorno mundano que de forma también mundana se tropiezan con lo extraordinario. O dicho de otro modo, qué hacer cuando tu vecino es un vampiro.

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A propósito de drogas, sangre y sexo

2011-09-05T11:40:00.003+02:00

La capacidad adictiva y narcótica de la sangre no se puso de manifiesto en el cine hasta 1958, año en el que se estrenó Drácula de Terence Fisher, lo cual no deja de resultar curioso. La sangre ha tenido desde que el hombre es hombre una capacidad regeneradora y unas características lindantes con lo legendario que ha salpicado la práctica totalidad de las culturas que han proliferado a lo largo y ancho de planeta. Desde los Mayas y más atrás aún, el hombre ha visto en la sangre el fluido vital por excelencia, el aditivo perfecto para la consecución de fuerza, vitalidad, juventud y hasta inmortalidad. Atila se bebía la sangre de sus enemigos convencido de que así recogía su fuerza y no son pocas las tribus que hacían lo mismo con los animales que cazaban para así heredar su valor, su fuerza y su destreza.

"Paul" de Greg Mottola. 2011

2011-08-25T21:17:00.002+02:00

El moderado interés que puede suscitar una película como Paul no viene tanto de su director, Greg Mottola, responsable de comedias más o menos indigestas tipo Supersalidos, sino de su guionista y actor principal, Simon Pegg. Este británico de más de cuarenta años pero de aspecto juvenil saltó a la fama internacional de la mano de sus amigos y colaboradores Nick Frost y Edgar Wright, quienes pusieron en pie la simpática Zombies Party. Como consecuencia de aquella hilarante aproximación al universo de George A. Romero, Pegg, Wright y Frost hicieron lo propio con el cine de acción y filmaron la película Arma fatal. A partir de entonces, Pegg (guionista y actor protagonista), Wright (director y guionista) y Frost (actor secundario) han seguido caminos diferentes. Nick Frost ha sido sin duda el menos afortunado. Desde Arma fatal sus apariciones en el cine o la televisión no han pasado de pequeñas intervenciones secundarias de las que nadie parece acordarse. Edgar Wright probó suerte en solitario y filmó Scott Pilgrim contra el mundo, una cinta que no disgustó a casi nadie pero que tampoco despertó demasiado entusiasmo. Simon Pegg en cambio, ha sido el más afortunado. Escribió la simpática comedia Corredor de fondo y protagonizó Nueva York para principiantes y además se ha procurado una modesta aunque significativa presencia en superproducciones de Hollywood como Star Treck, La edad de hielo 3. El origen de los dinosaurios, Mission: Impossible 3, Mission: Impossible. Ghost Protocol y Tintín. El secreto del unicornio. No resulta, por tanto extraño, que Paul sea una iniciativa de Nick Frost, quien por primera vez en su carrera se ha puesto a escribir un guión y a la que Simon Pegg (también coguionista) se ha sumado consciente de que probablemente sin él detrás del proyecto, poco o nada se iba a poder hacer con una propuesta como esta.

Así las cosas, lo cierto es que Paul tiene mucho de película entre amigos, centrada en sus intereses y articulada en torno a un humor muy particular que mantiene cierta distancia con el público mayoritario. Tal vez por esto, se requirió la presencia de Greg Mottola, un director llano sin picos de interés personal acostumbrado a manufacturar películas con el único propósito de llegar a la mayor cantidad de público. Y a grandes rasgos eso es Paul, una cinta con chistes personales enfocados a los amantes del cine, muy especialmente el cine de ciencia ficción, que se combinan con una serie de chistes bastante zafios y de gusto discutible que supongo, están pensados para agradar a los jóvenes de todo el mundo. Sin embargo, lo cierto es que los mejores momentos de Paul salen precisamente de su arquitectura referencial hacia los clásicos -modernos- del cine de ciencia ficción. Hay referencias a E.T., Mi amigo Mac, En busca del arca perdida, La guerra de las galaxias y Alien´s el regreso por citar solo unas pocas. De hecho, esto es así hasta tal punto, que para poder disfrutar plenamente de Paul uno debe de estar al tanto de cuáles son los granes clásicos de los setenta y ochenta y cuáles son sus singularidades para poder cazar al huelo, el constante goteo de chistes, referencias y alusiones directas e indirectas que se hacen a lo largo de todo el metraje.

Por lo demás Paul no pasa de película simpática y poco más. Sus personajes protagonistas son dos descerebrados, pero son conscientes de ello, y por eso no caen mal. Otra cuestión es el extraterrestre, el tal Paul, que va de graciosillo a lo largo de todo el film y al final resulta ser el más descerebrado de todos, eso sí, sin ser consciente de ello, razón por la que termina resultando el personaje menos interesante de la película, una pena, tratándose del rol, a priori, más estimulante.

De este modo Paul se deja ver. Al final todo termina bien y los personajes, los más trabajados y los menos, lo más simpáticos y los menos, todos caen bien. Se trataba en suma de eso. Cine de buena voluntad que no moleste a nadie y que recaude la mayor cantidad de dinero posible. Nada más, aunque los amantes de género puedan recibir un plus adicional.

"La muerte y la doncella" de Roman Polanski. 1994

2011-08-18T19:43:00.002+02:00

Sería muy complicado tratar de comprender el cine de Roman Polanski si no nos situáramos dentro de uno de sus habituales espacios cerrados de atmósferas asfixiantes. Sus películas, por lo menos las mejores, o al menos las más íntimamente ligadas al mundo de Roman Polanksi, suelen ser largometrajes opresivos, encerrados en la laberíntica psicología de sus personajes, una psicología que suele encontrar su traslación a la realidad en los decorados que los envuelve, escurridizos, ambivalentes, esquivos y extraños. Y todo esto está en La muerte y la doncella, una de esas historias tan del gusto del director de El cuchillo en el agua en las que pocos personajes y un decorado que parece plegarse sobre ellos, nos conduce a lo mas hondo del alma humana para remover el avispero que generalmente supone la mente del hombre.

"Almas condenadas" de Wes Craven. 2010

2011-07-27T09:43:00.003+02:00

A propósito del estreno de su última película, Sin identidad, su director, el español Jean Cullet-Serra, declaró que en Hollywood existen ciertas películas en las que antes de que se haya rodado un solo plano, sus responsables ya saben cuanto se va a recaudar. Son películas baratas, sin riesgos y con ganacias garantizadas. Eso es lo que fue el primer film de Cullet-Serra, La casa de cera, y eso es también lo que viene haciendo ya demasiados años Wes Craven, películas baratas, sin riesgos y con unas ganancias mínimas garantizadas...

ScifiWorld (Junio 2010)

2011-06-22T08:19:00.003+02:00

Con esta excelente portada (que hace referencia a un jugoso artículo de Christian Aguilera sobre Roy Ward Baker) se presenta este mes el último número de SciFiWolrd, después de unos números sin publicar nada -mas que nada porque he estado escribiendo para números que finalmente se irán publicando más adelante- se publica en este número un articulo de un servidor acerca de la singular relación que ha mantenido el cine con los fantasmas. Centrándome en el cine de terror más contemporáneo, me ha gustado comprobar como hablar de fantasmas modernos, siempre implica también hablar de fantasmas pasados. Así, un poco como le ocurre a las almas en pena, este artículo se centra en el cine de terror (variante fantasmal) pero con un pie siempre en el pasado. Así, le invitó a un breve repaso por algunos de los títulos más significativos del cine de fantasmas pasados aunque eso sí, insisto, sin perder nunca de vista el pasado.

En bandeja de plata. Billy Wilder. 1966

2011-06-18T19:30:00.002+02:00

Billy Wilder y Walter Matthau se conocieron tarde, aunque eso no es lo que hubiera querido el director de Fedora. Wilder hubiera preferido darle a Matthau el papel protagonista para La tentación vive arriba (1955), pero los productores prefirieron a Tom Ewell que era más popular por aquel entonces. De haber conseguido Matthau el papel que finalmente interpretó Ewell quien sabe si hubiéramos podido disfrutar de este excelente actor en otras delirantes ocurrencias de Billy Wilder como Testigo de cargo (1958), Con faldas y a lo loco (1959), El apartamento (1960) o Uno, dos, tres (1960).

"Perversidad" de Fritz Lang. 1945

2011-06-17T08:15:00.002+02:00

En 1945 lo más sensato que un director de cine podía hacer era amoldarse a los códigos de la censura del cine de Estados Unidos. No valía la pena enzarzarse en una inútil disputa con los ejecutivos de un estudio de Hollywood y mucho menos con los topos que el gobierno norteamericano tenía allí infiltrados. No, lo mejor era hacer ver que uno les seguía el juego. Lo paradójico del caso es que un director podía llega a ser tan o más trasgresor en el Hollywood clásico que el más irreverente de los directores independientes porque podía decir lo que a uno le viniera en gana sin respetar ningún límite, siempre y cuando, eso sí, lo dijera en voz baja. Tal vez por esto, Perversidad (Scarlet Street; Fritz Lang, 1945) es una película bastante más cruel que el film de Renoir en la que se inspira, La golfa (La chienne; Jean Renoir, 1931), fundamentalmente porque a todos los males a lo que Fritz Lang somete a su protagonista, además el director de origen austriaco le añade uno más; la soledad. Hay de hecho en Perversidad un plano fundamental y verdaderamente lapidario en este sentido, en su última imagen vemos a Criss Cross (Edward G. Robinson) deambulando cabizbajo por una calle repleta de gente que a través de un fundido encadenado se torna una calzada desierta en la que sólo está Cross, soportando en total y absoluta soledad sus propios pecados, sus propias traiciones y sus propios errores. Verdadero fatalismo langliano.

Fritz Lang rodó Perversidad inmediatamente después de otra monumental película, La mujer del cuadro (The Woman in the Window; Fritz Lang, 1944), con prácticamente el mismo equipo y con el mismo trío protagonista, Edward G. Robinson, Joan Bennet y Dan Duryea. Pero lo verdaderamente curioso no es que Lang exprimiera a una serie de colaboradores con lo que en definitiva había conseguido unos magníficos resultados, lo verdaderamente curioso de Perversidad con respecto a La mujer del cuadro es que ambas son películas casi complementarias. Desde cierto punto de vista, la primera, La mujer del cuadro, sería un ensayo, un prólogo dramáticamente descafeinado –que no formal- de lo que vendría a ser una obra en su fondo tan rematadamente cruel como Perversidad. La mujer del cuadro al final del relato dejaba el asunto en un goloso retrato onírico que daba pié a muchas e interesantes lecturas pero Perversidad sólo permite que el espectador se zambulla en una pesadilla en la que no hay punto de fuga posible.

Y todo esto se lo debe Perversidad a una popular figura vieja amiga del cine clásico de Hollywood, la mujer fatal. La femme fatale siempre ha dado mucho juego en el cine, sobre todo en el cine clásico que fue donde se fraguó la figura de la maliciosa hembra capaz de todo por sus maléficos planes. Aquí, en Perversidad, la mujer fatal que interpreta Joan Bennet se distancia bastante de la femme fatale que popularizó un año antes Barbara Stanwyck en la portentosa Perdición (Double Indemnity; Billy Wilder, 1944), fundamentalmente porque en esencia, la femme fatale de Perversidad no es tan maliciosa en si misma como sí la era el personaje de la Stanwyck en el film de Billy Wilder. Un poco como sucedía en el Otelo de Shakespeare, en Perversidad hay un moro en forma de amante (Johnny, interpretado por Danyear) que será quien envenené los oídos, y de paso las intenciones del personaje de Bennet, Kitty. En Perversidad, Kitty tiene un punto ingenuo y es Johnny quien la anima y por momentos, casi la fuerza a que se aproveche de la ingenuidad de Cross, un tipo gris, con una vida gris y una mujer gris. En cierto modo Perversidad es una película que parte de un engaño por acumulación, todos los personajes parten de una mentira; Chris dice ser un pintor, Kitty dice estar soltera y su amante Johnny, dice ser la pareja de su compañera de piso.

Y las mentiras, salvo que uno sea el Diablo, tienen fecha de caducidad y al final suelen tener la inoportuna costumbre de explotarnos en las narices. En Perversidad, también ocurre algo de esto y todos los personajes terminan merendándose una buena dosis de honestidad y todos por mentirosos y por no admitir públicamente qué clase de persona son. Claro que no debe de resultar fácil admitir que uno es un marido y un pintor frustrado, ni tampoco debe ser fácil asumir delante de un desconocido que una flirtea con la prostitucion y que convive con un tipo que la maltrata cada vez que le viene en gana y tampoco debe de ser fácil ir por el mundo admitiendo que uno vive de las triquiñuelas sexuales de su pareja en su piso compartido. Al final todos reciben su dosis de verdad, incontestable, indiscutible y férrea como una losa de plomo que cae sobre sus cabezas. Pero como decíamos al principio, el que peor nota recibe es sin duda Chris Cross, porque está sólo, no tiene a nadie y si lo pensamos un poco eso debe de ser muy duro.

Fritz Lang, tuvo el buen gusto y la sana fortuna de conservar la esencia de ese expresionismo que él mismo ayudó, de algún modo a inventar. Lang sabía que detrás de su película había unos productores con unas ideas muy claras que más valía respetar. Así Lang, a lo largo de su carrera en Estados Unidos supo como dar a los productores lo que querían ver en un film de estudio sin que por otro lado dejara de tender constantes lazos con su fondo expresionista y con su poso dramático tan particular en la obra del director de M. El vampiro de Düsseldorf (M.; Fritz Lang, 1931). En este sentido, Lang nos presenta al personaje principal de espaldas a la cámara, casi en penumbra, no titubea a la hora de describirlo como un personaje con el que no resulta nada fácil sentir empatía, pero sobre todo, cuando Lang explota es cuando Chris Cross explota también y el peso de la culpa lo acorrala en forma de amenazantes luces y sombras que parecen brotar de cada esquina recordándole que ya nunca estará sólo en su interior y que tendrá un fiel y perpetuo compañero de viaje, la culpa.

"El fin del mundo en 35 mm." de John Carpenter. 2005

2011-06-13T23:55:00.002+02:00

John Carpenter o gusta o disgusta. No suele tener término medio, y cuando lo tiene, es que es una película mediocre. Un film como Memorias de un hombre invisible no gustó, o no disgustó del todo porque se trataba de un film de encargo manufacturado para unos grandes estudios con escasa posibilidad de movimiento y con una márgenes muy estrechos para la libertad creativa. Pero cuando John Carpenter hace de John Carpenter, no hay medias tintas que valgan. Su cine siempre me ha parecido una desconcertante lección de narrativa clásica, lo que suele contrastar con las temáticas que generalmente suele elegir el director. Carpenter puede rodar sin aspavientos y sin grandes ejercicios de virtuosismo visual la más atroz de las ocurrencias pero es que Carpenter es así. No tiene inconveniente a la hora de poner en imágenes una aberración dramática y hacerlo además desde los ojos de un clásico.

"Sin identidad" de Jaume Collet-Serra. 2011

2011-05-31T23:56:00.003+02:00

Da la impresión de que las buenas críticas que le han llovido a una película como Sin identidad tienen su razón de ser más en el hecho de que su director, Jaume Collet-Serra sea un director español que a la concreta cuestión de que, en efecto, el film sea un efectivo largometraje de suspense. Y todo esto sin dejar de admitir que Sin identidad es una película correcta aunque eso sí, diste mucho de Alfred Hitchcock y Roman Polanski con los que se le viene comprado últimamente de forma insistentemente. Porque la verdad sea dicha, Sin identidad, ni tiene el dominio de la puesta en escena del director de Con la muerte en los talones (1959) ni el enrarecido dominio de los espacios del firmante de Frenético (1988). Sin identidad es una película entretenida, correcta como mucho y eso si desistimos en la idea de que se tenga un mínimo de conciencia dramática a la hora de rodar una escena y si olvidamos la teoría de que el cine, es también el montaje.

No hay que olvidar que Sin identidad es una película producida por el temible Joel Silver, uno de los productores más iracundos de Hollywood y con fama de metomentodo. De hecho, ha sido bajo el sospechoso paraguas de Silver donde Jaume Cullet-Serra ha desarrollado hasta la fecha la práctica totalidad de su filmografía (su fugaz idilio británico con ¡Goool 2! Viviendo un sueño (2007) todavía está tratando de olvidarlo) con La casa de cera (2005), La huérfana (2009) y ahora el título que nos ocupa. No se le puede reprochar a Collet-Serra un sabio dominio de cómo funciona Hollywood por dentro y sobre cómo hacer las cosas que uno quiere hacer cuando puede y debe hacerlas. Por ejemplo, La casa de cera era una película que tal y como estaba planteada a Collet-Serra le interesaba lo mínimo, pero salvó los muebles con dignidad y eso le sirvió para poder sacar adelante una película algo más personal como fue La huérfana.

El problema es que da la impresión de que ya es demasiado tarde y que Jaume Collet-Serra se ha dejado empapar más allá de lo tolerable por la particular óptica cinematográfica de su mentor, Joel Silver. Porque aún dando por supuesto que Sin identidad haya sido un film donde el director de origen catalán haya podido gozar de una moderada libertad, ésta solo parece atisbarse en escenas sueltas repartidas muy sutilmente a lo largo de un metraje al que al final le sobran unos minutos.

Porque lo cierto es que si somos sinceros, el mejor y mayor mérito de una película como Sin identidad es que su guión cumple con los mínimos para que después de un arranque tan intrigante, el relato no decaiga pese a la peligrosa acumulación de tópicos y giros de guión más o menos previsibles. Desde luego, a todo esto no es ajeno Jaume Collet-Serra, un cineasta que arrancó su carrera profesional directamente en Estados Unidos saltándose el paso previo que muchos deben de dar antes: llamar la atención de Hollywood desde su país de origen. Collet-Serra no, el director de La huérfana decidió desde el principio asimilar la maquinaría hollywoodiense desde dentro y así convertirse en un perfecto profesional de la Tierra de los Sueños que trabaja para la Tierra de los Sueños y que ejecuta para la Tierra de los Sueños con mano firme las exigencias de las majors sin ningún complejo y con conocimiento de causa.

En cualquier caso, probablemente lo más estimulante de Sin identidad sea comprobar como todavía en Hollywood se fabrican películas a la antigua usanza, es decir, construidas en torno a suspensos dramáticos, a situaciones de guión cogidas con hilos que exigen del espectador una considerable porción de eso que se ha venido a llamar “suspensión de la incredulidad” o “pacto de ficción”. Es decir, cuando un acontecimiento acontece aún sabiendo que tiene una credibilidad cogida por los pelos y que lo normal en la vida de cada uno de nosotros habría sido no actuar así. Pero el público decide creérselo y gracias a esto, muchas obras maestras siguen siendo obras maestras y gracias a esto también, Sin identidad arranca y se sostiene dramáticamente muy bien.

Después, el conglomerado de intrigas y traiciones que salpican el film no son más que un elaborado McGuffing diseñado para poner en los aprietos más rocambolescos a nuestro protagonista que deambula por la ciudad de Berlín sin saber quién es ni a dónde va. Aún así, que nadie se engañe, la película de Collet-Serra no es ninguna digresión sobre el sentido último de la existencia y la angustia de vivir sin saber a dónde vamos ni de dónde venimos y bien es verdad, que tampoco era esa su intención. Sin identidad funciona como un producto de suspense, correcto, mejorable, sin ninguna duda y demasiado esclavo de las exigencias de producción del puñetazo visual y el montaje atolondrado con poca o muy poca capacidad de sugerencia, pero en última instancia, de lo mejor que nos ha ofrecido Hollywood en los últimos meses. Lo que no es poco y todo, con sabor hispano.

"El gran carnaval" de Billy Wilder. 1951

2011-05-21T13:44:00.002+02:00

El gran carnaval se sitúa en un momento muy singular de la carrera de Billy Wilder. En primer lugar, por lo que atañe a su guión. Es bien sabido que Billy Wilder, por incisivo y creativo que fuera, había nacido en Austria y se había formado en Alemania y que su conocimiento del inglés, sus matices y sus peculiaridades debían de tener por necesidad, un alcance limitado. Para trabajar en Hollywood Wilder siempre necesitó de un escritor nativo, a ser preferible, un buen escritor, que apoyara, animara y estimulara sus hilarantes propuestas. Dos grandes guionistas complementaron y ampliaron el genio de Wilder: Charles Brackett y I. A. L. Diamond. Pues bien, El gran carnaval se sitúa más o menos en medio...

"Scream 4" de Wes Craven. 2010

2011-05-08T13:29:00.003+02:00

La saga de Scream es un buen ejemplo de cómo entienden el cine independiente los hermanos Harvey y Bob Weinstein, detrás del evento en cuestión a través de su productora Dimension Film. Scream comenzó costando unos 14 millones de dólares y recaudó en todo el mundo más de 170. Todo un negocio, no hay duda. Scream 2 alcanzó los 24 millones de dólares y recaudó más o menos lo mismo habiendo costado bastante más. Scream 3 llegó a la friolera cifra de 40 millones de dólares y su recaudación, a efectos prácticos, no varió, cerca de 162 millones de dólares en todo el mundo. Es más, siendo exactos, descendió más de 10 millones.

Sidney Lumet (1957-2011)

2011-04-11T22:06:00.003+02:00

Sidney Lumet se ha ido y no ha dicho adios. Su última película, al menos, fue uno de los mejores ejemplos de thriller adulto alejado de los convencionalismos de Hollywood. Hace ya unos meses escribí un artículo sobre "El príncipe de la ciudad", una de sus películas más interesantes y por razones que se me escapan, aún no se ha publicado en determinada página web. De modo que aquí os lo dejo, por el honor de Lumet, que no es poco...

Cine de ciudad

Aunque El príncipe de la ciudad (Prince of the City; Sydney Lumet, 1981) sea un film cuya acción transcurre en una metrópolis como Nueva York, la película de Sydney Lumet es en realidad un largometraje cerrado, asfixiante, acorralado entre sus personajes y sobre todo, sus conflictos. Hay una anécdota curiosa pero muy significativa a cerca de El príncipe de la ciudad. Cuentan que a lo largo de sus tres horas de metraje a penas si se ve el cielo. Podemos atisbarlo únicamente cuando la cámara de Lumet sale de la ciudad y su protagonista, Daniel Cellio (Treat Williams) puede relajarse un poco lejos de la peligrosa ficción en la que se ha convertido su vida profesional. Es allí también donde Lumet imprime una puesta en escena más abierta con planos más abiertos, con un cielo de fondo, y también incluso con mar. Pero cuando la acción tiene lugar en Nueva York, la planificación de Sydney Lumet está construida en torno a paredes de ladrillos y calles desamparadas. Esto es importante porque aunque El príncipe de la ciudad tenga lugar en la Gran Manzana nunca vemos grandes avenidas, ni populosas calles atiborradas de gente porque la película de Lumet aunque pueda parecer lo contrario es un film que empieza como un relato –moralmente- asfixiante para convertirse en una historia -moralmente- abigarrada, casi claustrofóbica.

En este sentido hay un momento particularmente importante. Cuando Daniel Cellio decide tomar parte en la arriesgada misión que le proponen, Lumet filma al personaje en penumbra, flanqueado por los dos oficiales que lo están tentando a delatar a policías corruptos. Es un único plano, pero resulta muy elocuente porque pese a tener lugar en un balcón con la gran ciudad de fondo, el tono y el color de la imagen es lúgubre y premeditadamente oscuro, casi siniestro. Con ese plano Lumet nos está diciendo cual es la naturaleza de la situación en la que está a punto de embarcarse Cellio, una situación en la que nada va a estar claro, donde todo van a ser sombras amenazantes y donde nadie será lo que parece.

El príncipe de la ciudad es una película redonda pues incide en cuestiones de índole moral bajo un esquema tipificado y perfectamente reconocible para el gran público, el cine policiaco. Es quizá por esta razón que Sydney Lumet, uno de los ilustres miembros de la no suficientemente valorada generación de la televisión, logre imprimir a la película que nos ocupa un aire cercano al documental aunque no haya cámaras en mano ni imágenes borrosas que pretendan acercarnos falsamente a la realidad. En su lugar Lumet consigue destilar una impresión de cierta inmediatez a la película que por definición genera un largometraje más realista y también más áspero, más cercano antes que realista, por su planificación, por su montaje y en suma por su puesta en escena.

En un primer momento la realización de El príncipe de la ciudad se le ofreció a Brian De Palma quien por aquel entonces se había hecho con una merecida reputación de cineasta coherente y muy cercano a los parámetros estilísticos y dramáticos que sugería un proyecto como el que nos ocupa. A De Palma le atrajo la idea y propuso a Al Pacino como protagonista de la cinta pero el conocido actor declinó la oferta argumentando y no sin razón, que la película se parecía demasiado a Sérpico (Serpico; Sydney Lumet, 1973) que acaba de rodar precisamente con Lumet tras la cámara. Lo curioso del caso es cuando Sydney Lumet entró en escena y pese al reconocido éxito de la anterior colaboración entre el director y Al Pacino, el cineasta norteamericano se inclinó por un actor mucho menos conocido y dicho sea de paso, también mucho más arriesgado, Treat Williams. Por aquel entonces Treat Williams era un joven actor que había conseguido colarse en películas como Hair (Milos Forman; 1979), 1941 (Steven Spielberg; 1979) e incluso una fugaz aparición no acreditada en El imperio contraataca (The Empire Strike Back; Irvin Kershner, 1980) pero cuya desmedida afición por la cocaína probablemente lo llevó a no terminar nunca de despegar.

El caso es que con un actor como Treat Williams, en principio una película como El príncipe de la ciudad parece que se quedaría corta ante las innegables actitudes de un intérprete como Al Pacino pero lo cierto es que esto no llega a ocurrir. Williams está soberbio, quizá en el mejor papel de su carrera lo cual demuestra o bien que Treat Williams era un actor de primera magnitud que nunca fue explotado lo suficiente o que Sydney Lumet era un director de actores que nunca ha sido lo suficientemente reconocido. En cualquier caso la labor de Williams y el trabajo de Lumet se revelan lo mejor de un film verdaderamente compacto pese a su alargado metraje y a la ausencia de estrellas en su reparto. Quizá podría haber durado un poco menos pero lo cierto es que nadie le puede negar a El príncipe de la ciudad una coherencia dramática y argumental de primera fila.

A su modo, El príncipe de la ciudad es una especie de épica del heroísmo rugoso y áspero, un heroísmo verosímil alejado de las portadas de los periódicos, la fama y el dinero. Un relato de valor y lealtad que se enfrenta a la doble moral de sus personajes así como al peso moral de sus acciones. Nadie está limpio en El príncipe de la ciudad ni siquiera el mismo Daniel Cellio, quien lleva de forma verdaderamente admirable el peso de toda la película en un largometraje, sin duda lastrado por haber sido filmado en un momento demasiado frívolo como el inicio de la década de los 80 donde entre Luke Skywalker e Indiana Jones no parecía haber demasiado espacio para un personaje como Daniel Cellio, difícil de empatizar y muy lejos de la idealizada visión que por aquel entonces habían patentado el tandém Lucas-Spielberg.

SciFiWorld Magazine (Marzo 2011)

2011-04-03T20:25:00.003+02:00

Bueno, pues aquí está la segunda entrega de mi humilde artículo sobre Steven Spielberg. En este número hablo de la última etapa del director de "Tiburón", desde "Parque Jurásico" a "Indiana Jones y la calavera de cristal", lo que a mi modo de ver resulta un cierra bastante triste para un artículo como este. La revista también ofrece, además de una merecida editorial en defensa del Ángel Salas, que como es sabido quieren llevarlo a los tribunales por haber exhibido "A Serbian Film" en el Festival de Sitges y golosos artículos de los colaboradores habituales además de las consabidas secciones al mundo de los videojuegos, los libros y la música. Muy recomendable.

"Piraña 3D". Alexandre Aja. 2011

2011-04-01T11:25:00.002+02:00

Cuentan por Hollywood que los hermanos Harvey y Bob Weinstein son dos verdaderos tiranos, dos volcanes de imprevisible erupción de lengua viperina capaces de llegar a las manos con la estrella más rutilante del momento. Tal vez por esto, Harvey y Bob Weinstein sean dos de los productores más exitosos de Hollywood. Vieron como su empresa, Miramax, fue fagocitada por Disney y ahora se han visto en la disyuntiva de tener que partir de cero –más o menos- con su nueva compañía, The Weinstein Company.

Cien miradas de cine

2011-03-15T19:52:00.003+01:00

Los colegas de Miradas.net han decidido celebrar su centenario en la red de redes con la publicación de un libro; Cien miradas de cine, un mastodóntico proyecto en el que he tenido el placer de formar parte. Los colaboradores y amigos de Miradas, previa votación, seleccionamos a los cien directores más importantes de la historia del cine. No están todos los que son, ni son todos los que están, entre otras cosas porque la premisa que se puso a la hora de elegir a nuestros directores predilectos no fue tanto cuales eran los mejores cineastas de la historia sino cuales fueron los directores que más nos habían influido a nosotros, de modo que Cien miradas de cine creo sinceramente que es una aproximación fresca, renovadora y que hasta cierto punto reivindica viejos clásicos y rescata a jóvenes y prometedores directores de actual cine. No todos estuvieron -estuvimos- de a cuerdo con la selección de directores que resultó de la votación, pero creo que ahí precisamente reside el valor de este extraño y valioso ejemplar.

En lo que a mi respecta he tenido el placer de colaborar en la redacción de tres artículos sobre Brian de Palma, M. Night Shyamalan y Peter Weir, codeándome con amigos y colegas como José Antonio Planes, Tonio L. Alarcón, Enrique Pérez, Israel Paredes, Israel de Francisco o Sergio Vargas entre los más de cuarenta escritores que hemos puesto nuestro granito de arena en este libro. Pero sobre todo, bien merece la pena destacar la inconmensurable labor de Manuel Ortega y José David Cáceres, almas y corazón de Miradas.net y verdaderos artífices de este magnífico fresco de la crítica más joven y prometedora del país. Tanto uno como otro, además de contagiar un cinefilia que dios se la guarde por muchos años, se da la circunstancia de que son un par de personas de lo más majas, de los que lo mismo uno puede charlar de Dreyer o Tarkovski, que de Michael Bay o Roland Emmerich. Lo dicho, dos raros ejemplares de la crítica cinematográfica que por si fuera poco, escriben y saben de cine, como nadie. Mis felicitaciones.

SciFiWorld (Febrero 2011)

2011-02-16T19:33:00.003+01:00

Tengo que admitir que me ruboricé al contemplar la portada de este número de SciFiWorld, en clara referencia a mi artículo (la primera parte) sobre Steven Spielberg. Ver el cartel de "Tiburón" ocupando toda una revista no se ve todos los días y si además tú eres el responsable pues mejor me lo pones. En cualquier modo tengo que reconocer que este número de SciFiWorld viene particularmente cargado de contenidos, tantos, que tengo que admitir que me asombrar comprobar el grosor de este número.

Cómo decía, la revista incluye un artículo mío sobre Spielberg que un poco como le ocurría a Terence Fisher (de quien publiqué un texto en el número anterior) se ha dicho mucho y casi todo. De todos modos, sobre el director de "E.T." creo poder concluir que se ha escrito mucho, es cierto, pero casi siempre en la misma dirección (infancia, efectos especiales...) de modo que he tratado, en la medida de mis posibilidades, ofrecer algo sensiblemente distinto que sin dejar de hablar del Rey Midas de Hollywood, no sea una mera repetición de lo ya escrito y leído en multitud de ocasiones. Sinceramente, os lo recomiendo, el artículo, y la revista en su conjunto con jugosos artículos de ilustres colegas como Tomás Fernández Valentí y Tonio L. Alarcón.

"The Fighter" de David O. Russell

2011-02-15T19:42:00.003+01:00

El productor ejecutivo de The Fighter es el director de El luchador (2008), efímera huella de lo que fue su paso por el proyecto antes de abandonarlo por considerarlo demasiado cercano a El luchador. Había algo de verdad en el temor de Aronofsky. Sobre el papel, The Fighter y El luchador son películas centradas en deportes violentos como el boxeo y la lucha libre aunque en el fondo, ni una ni la otra sean estrictamente películasdeportivas. El film de Aronofsky era una historia de redención, la película de Russell es sobre todo una historia sobre dos hermanos.

"Monsters" de Gareth Edwards (2010)

2011-02-03T16:50:00.002+01:00

Vaya por delante y que quede bien claro. Quien vaya buscando una película de acción trepidante y espectaculares efectos especiales que se quede en casa. Monsters (2010) es una película independiente, un film indie hasta sus últimas consecuencias, por su forma, por su discurso y por su drama.Monsters no va de monstruos, o al menos no va de los monstruos tal cual los conocemos. Monsters no es un espectacular despliegue de efectos especiales y tampoco es un film de acción trepidante y sin embargo la película de Gareth Edwards comparte más de un punto en común con otra película de monstruos, estos sí, tal cual los conocemos y con espectaculares escenas de acción; District 9 (2009).

Las 10 mejores películas de 2010

2011-01-28T21:07:00.003+01:00

Los colegas de Miradas.net han elaborado una lista de las mejores películas del año pasado. Habrá quien le aburran estas historias de listas y rankings pero a un servidor siempre le ha parecido interesante y hasta curioso. Yo he colaborado con la lista de rigor y con un artículo sobre ese películón de Martin Scrsese que atiende al título de "Shutter Island". No obstante hay textos específicos y generales de un buen número de colaboradores de modo que no será una visita en balde. Que lo disfrutéis.

SciFiWorld (Enero 2011)

2011-01-16T21:13:00.003+01:00

Tengo el placer de dar a conocer que a partir de este momento entró a colaborar en la revista dedicada el cine fantástico SciFiWorld. Mi primer e inaugural artículo para esta atractiva publicación ha estado dedicada al maestro del cine de terror Terence Fisher, un cineasta del que se ha dicho casi todo y se ha escrito mucho y al que desde mi humilde punto de vista he tratado de ofrecer un texto al menos, interesante. Espero que os guste.

"La parada de los monstruos" Tod Browning. 1932

2011-01-12T18:37:00.003+01:00

"La parada de los monstruos" es una película extraña. Tod Browning aprovechó el revival del cine de terror de finales de los años 20 y principios de los 30 para hacerle llegar a la Metro Goldwyn Mayer un guión basado en un extraño relato de Tod Robbins titulado "Spurs". Irving Thalberg, por aquel entonces al frente de la MGM, recibió el guión de "La parada de los monstruos", estaba interesado en hacer un film de terror, es más, quería hacer el film de terror definitivo, y a sus manos llegó "La parada de los monstruos". Cuenta la leyenda que cuando Thalberg leyó el guión, apoyó la cabeza sobre sus manos y dijo "En fin, pedí una historia de terror, y supongo que ya la tengo".

"La parada de los monstruos" contó con una serie de actores no profesionales, o semiprofesionales con anomalías físicas que interpretaron a los "monstruos" que parecen en el film. Todos, desde "el hombre oruga" hasta la "mujer barbuda", eran lo que vemos pantalla. Personas víctima de una generosa cantidad de imperfecciones físicas y hasta mentales.

"La parada de los monstruos" fue un fracaso descomunal y nadie en su reparto se enorgulleció de haber participado en el film de Browning. Es más, según parece, los peculiares intérpretes de la película eran personas con un ego muy grande, chocaban entre sí y no se respiró un ambiente particularmente agradable durante el rodaje. De hecho, todos o casi todos los intérpretes de la película repudiaron haber participado en la película de Browning.

"La parada de los monstruos" no es una película redonda, pero a la vez es una película imprescindible. Es una forma de horror que todavía hoy sigue sin haber sido desarrollada o explotada. De una forma similar a "Vampyr" de Dreyer, que todavía hoy sigue siendo cine de vanguardia, "La parada de los monstruos" sigo siendo un tipo de horror en la vanguardia. Se trata de un film extraño y enrarecido como pocos. La película habla de monstruos a dos bandas, de los monstruos que nos aterran o que simplemente nos inquietan porque sencillamente son diferentes y de aquellos monstruos que tienen apariencia humana pero que en en su interior son verdaderas atrocidades morales.

La película de Browning es un film imprescindible porque consigue algo muy raro en el cine -sea de terror o no-, hacer sentir incómodo al espectador. Se adivina en el film de Browning cierta compasión por los "monstruos" pero a la vez se percibe cierto asombro, cierta atención por lo que son, por cómo sobreviven a lo que son y en cómo lo hacen.

Yo recomiendo sinceramente a todo aquel que no haya visto "La parada de los monstruos" que la vea, sobre todo porque experimentará un tipo de terror absolutamente distinto, diferente, que le hará entender que el horror en el cine no sólo es un susto, ni si quiera un concepto abstracto que implique una detonación moral, sino que el horror también es sentirse incómodo con lo que uno ve y sobre todo poner en tela de juicio lo que entendemos como moral.

Paternidad

2010-12-21T18:45:00.004+01:00

El pasado 18 de diciembre, cumpleaños de Steven Spielberg, fui padre. Lucía nació a las diez y cuarto de la mañana del sábado, después de doce horas de hacerse de rogar. Tras doce horas esperando en una sala de espera completamente sólo tuve tiempo de hacer un par de amistades fugaces con las que probablemente no me vuelva a encontrar y si me los encuentro será el típico rostro de de qué diablos me suena esa cara.

En fin, que todos muy bien, la niña, la madre y bueno, el que menos importa, yo también. De momento el balance es de 2-1; dos noches sin pegar ojos (pero sin pegar ojo literalmente) y otra de sueños intermitentes pero lo cierto es que sin pretender ser tópico, vale la pena.

Leslie Nielsen (1926-2010)

2010-11-30T16:11:00.006+01:00

¡Dios lo que me he reído con ese hombre!. Puede que muchos consideren que exagero pero humildemente creo que Leslie Nielsen hubiera podido ser un nuevo Peter Seller. No gozó de los proyectos más indicados y se dejó llevar por una agenda que al fin y al cabo le daba un trabajo regular. Lo sorprendente de Nielsen es que tocó el éxito en 1988 con más de sesenta años gracias a "Agárralo como puedas". Atrás quedaban entorno a las cuatrocientas películas y series de televisión en las que Nielsen había intervenido pero nadie se acordaba de él, salvo entre los fans del cine fantástico gracias a su papel en "El planeta prohibido". No obstante entre la década de los 60 y la de los 70 no hubo serie de televisión, exitosa o no, en la que no hiciera acto de presencia este intérprete canadiense. Su rostro se pudo ver en series como "Los intocables" (1960), Alfred Hitchcock Presenta" (1958-1961), "El fugitivo" (1963-1964), "Bonanza" (1967), "Night Galery" (1971), "M.A.S.H." (1973), "Las calles de San Francisco" (1973-1974), "Kojak" (1974), "Kung Fu" (1975), "Colombo" (1971-975), "Los hombres de Harrelson" (1075-1976), "Vacaciones en el mar" (1977-1979), "Se ha escrito un crimen" (1985-1986) y "Autopista hacia el cielo" (1987) entre otras muchísimas apariciones en multitud de series más. Quizá su trabajo más recordado en aquella época fuera en "El planeta prohibido" pero Nielsen también se dejó ver en películas como "La aventura del Poseidón" (Ronald Neame, 1972) interpretando al capitán del barco (¡no sabían a quien le había dejado el barco!), "Made in USA" (John Landis. 1977) "Creepshow" (George A. Romero. 1982) o "Loca " (Martin Ritt. 1987) pero Nielsen era sobre todo un actor de televisión al que le daba igual ocho que ochenta porque todo parecía hacerlo bien.

Su encuentro definitivo vino con los Zucker-Abrahams-Zucker o lo que es lo mismo Jerry Zucker (después director en solitario de películas como "Ghost" o "El primer caballero"), Jim Abrahams y Davi Zucker, los tres hilarantes responsables de películas como "Top Secret" y "Aterriza como puedas", allí Nielsen hizo un pequeño papel secundario, nada serio, pero a todo el mundo le hizo gracia y lo que es más, fraguó una amista decisiva para su futuro.

Nielse destacó por su cara de poker, por ese gesto desencajado que solía poner cuando se percataba de que la cosa no iba con él, que se había dejado caer en el decorado equivocado, casi, casi como se de vez en cuando sus personajes se colaran en los guiones de otras películas con los que no tenía nada que ver. Nadie como él para ponerle rostro a una situación embarazosa o a un equívoco babilónico. Leslie Nielsen sabía mejor que nadie como estar donde no debía estar. Era algo así como el tipo equivocado para la situación equivocada y para ello, nada mejor que la apariencia de Nielsen. Además sabía poner cara de pan, de buenazo, de no haber roto un plato y también era único para poner cara de serio y que nadie se lo tomara en serio. Eso era lo que mejor sabía hacer.

Me hubiera gustado saber que hubiera sido de Leslie Nielsen si lo hubiera cogido cualquiera con ganas de sacarle jugo al asunto y hubiera hecho como Kenneth Branagh con John Cleese que consiguió que nadie esbozara una sonrisa al verlo como profesor Waldman en "Frankenstein de Mary Shelley", o como hizo Hal Ashby con Peter Seller en "Bienvenido Mr. Chance". No se si Leslie Nielsen hubiera sido capaz de ofrecer algo distinto que no fuera poner cara de equívoco, tampoco importa demasiado porque como cómico fue de los grandes de finales de siglo, tal vez el más grande porque ya se sabe que el cine de humor no ha gozado estas últimas década de su mejor estado de salud.

Fue una pena, eso sí, que sólo se dejara ver en película que fluctuaban entre la mala y la nefasta calidad. Siendo muy, muy, muy benevolentes quizá su última película de cierta dignidad fuera "Drácula. Un muerto muy contento y feliz" más porque detrás estaba Mel Brooks que por otra cosa la verdad. Pero lo cierto es que esto tampoco importaba demasiado porque lo bueno que tenía Leslie Nielsen era él mismo porque su sola aparición podía ser capaz de arreglar el mayor despropósito cinematográfico, con esa cara de poker Nielsen se paseó por películas abominables, creo que consciente de las insensateces en las que estaba tomando parte por esto encajaba tan bien y por esto también salvó más de una deleznable película o al menos, más de una deleznable escena. Como el propio Nielsen dijo una vez, puede que a nadie le importe un comino esto de que haya muerto Leslie Nielsen, "pero es nuestro comino".

Al menos algo es seguro, aquí abajo nos seguiremos riendo con él cada vez que volvamos a ver una de sus películas. Y allí arriba, los muy cabrones, se lo van a pasar bomba.

"Paranormal Activity 2" de Tod Williams

2010-11-11T20:40:00.002+01:00

La mera existencia de una película como Paranormal Activity 2 (Paranormal Activity 2; Tod Williams, 2010) puede ser tanto motivo de alegría para aquellos que amamos el buen cine de género hecho en Hollywood como de hastío para los que detestan la tendencia casi patológica de la Tierra de los Sueños de exprimir los éxitos hasta más allá de lo tolerable. Motivo de alegría porque, al fin y al cabo,Paranormal Activity 2 es una consecuencia directa de un éxito tan inesperado como fresco y revitalizante para el cine de terror. Contando la misma historia de siempre, el director de origen israelí Oren Peli consiguió insuflarle aires nuevos a un relato que hemos visto un millón de veces, retorciendo un poco más si cabe la mala uva que por lo general suele impregnar este tipo de películas. Y de hastío porque la única razón de ser de una película como la que nos ocupa es la taquilla, el dinero.

"Ga´Hoole. La leyenda de los guardianes" de Zack Snyder. (2010)

2010-11-04T09:18:00.002+01:00

Cuenta la leyenda que Peter Jackson dirigió la trilogía de El señor de los anillos(Lord of the Rings, 2001) subido en una bicicleta dando instrucciones desde unwalkie-talkie y corriendo de un set a otro, de modo que no me extraña en absoluto que Zack Snyder haya dirigido Ga'Hoole. La leyenda de los guardianes (Legend of the Guardians. The Owls of Ga'Hoole, 2010) desde Los Ángeles mientras la producción en sí se llevaba a cabo en Australia. Tal vez por esto Snyder ha enfatizado a lo largo del periodo de promoción del film que Ga´Hoole es una película absolutamente suya desde el ámbito visual.

"La red social" de David Fincher. (2010)

2010-10-28T13:14:00.003+02:00

La última película de David Fincher se parece mucho al último largometraje de Oliver Stone. La red social (The Social Network; David Fincher, 2010), como Wall Street. El dinero nunca duerme (Wall Street. The Money Never Sleep; Oliver Stone, 2010), es una película que aborda, aunque sólo sea como telón de fondo, una cuestión de capital importancia para la década que ahora se acaba. En el caso del film de Fincher, la película del director de Alien³ (Alien³; David Fincher, 1992) desentraña la personalidad de Mark Zuckerberg a través de la creación de la red social más famosa del mundo, Facebook. Por su parte, la película de Stone aborda una complicada relación entre un padre y una hija hundidos en los pilares que se resquebrajaron cuando la tristemente célebre burbuja inmobiliaria saltó por los aires y medio occidente vio tambalear sus economías.

"Buried. Enterrado" de Rodrigo Cortés (2010)

2010-10-04T20:24:00.003+02:00

Quiero actualizar el blog y no veo el momento, de modo que para los interesados aquí os dejo una crítica que he escrito hace poco sobre el estreno de la temporada "Buried (Enterrado)" para un web amiga.

Un abrazo a todos.

"The Broken" de Sean Ellis (2008)

2010-09-14T20:57:00.006+02:00

A mis 33 años he visto casi de todo en esto del cine. Como leí el otro día por ahí, he visto películas de miedo y películas de asco y tal vez lo único que me falte por ver sea una snuff movie y la verdad, tampoco tengo mucho interés. He visto películas prohibidas en medio mundo, atrocidades, inquietudes varias y verdaderas abominaciones y sin embargo, hacía mucho, pero que mucho tiempo, que no tenía pesadillas después de ver una película de terror. Pues bien, el otro día, cuando vi "The Broken", tuve pesadillas.

La película la verdad es que es la perfecta personificación de lo que podríamos decir que es un film inquietante; atmósfera opresora, un entorno gris y un punto de partida intrigante como pocos. Un día Gina (Lena Headey), mientras llama por teléfono desde una cabina contempla el que parecer ser su mismo coche conducido por... ¡¡ella misma!!. A partir de entonces Gina empieza a hacerse determinadas preguntas pero tranquilos, "The Broken" no es la típica película de terror con investigación de fondo y por tanto, con explicaciones aclaratorias que nos indican cómo y por qué debemos digerir esta película. No, "The Broken" es una película mucho más extraña, no se aún si ambigua, pero sí que, desde luego, extraña. Para que nos entendamos, "The Broken" es un poco como "El maquinista", aunque con una atmósfera menos asfixiante y en definitiva, menos aclaratoria.

"The Broken" se adentra sin complejos en el cine fantástico plateando una hipótesis tan extraña como intrigante, por decirlo sin complejos, ¿qué hay al otro lado de los espejos? "The Broken" recuerda remotamente a otra película de terror de serie B que pasó sin pena ni gloria y que pese a su aglomeración de tópicos a un servidor de hizo su gracia, "They" sólo que aquí la película está pensada para un público bastante más exigente.

El caso es que "The Broken" tiene su punto. El film se sostiene a la perfección, mantiene el interés y la intriga en cada plano, no está nada mal rodado y por si fuera poco tiene a Richard Jenkins entre sus actores. Rechina algún que otro efectismo, pero tampoco hay que ponerse exquisito cuando una película genera un interés tan apasionante. Obviamente, "The Borken" tiene sus trucos y por tanto, sus pegas. No creo que haya que enterrar la película de Ellis por una serie de tendencias tan extendidas y habituales en el cine actual que ya ni casi las vemos; efectos sonoros, cámaras lentas, golpes de música...

En suma, conviene no perderle la pista a Sean Ellis. Antes hizo "Cashback" que también goza de buena prensa, así que ya saben -y sabemos-.

"Especial" de Hal Haberman y Jeremy Passmore (2006)

2010-09-10T22:13:00.005+02:00

Curiosísima película escrita y dirigida por la pareja de -antes guionistas- directores Hal Haberman y Jeremy Passmore que además viene protagonizada por uno de esos secundarios que cuando le dan un papel protagonista se desbordan. Atención a la propuesta argumental de "Especial" porque no tiene desperdicio. Michael Rapaport interpreta a Les, un tipo bastante gris del que se ríen con bastante facilidad que no tiene pareja y lo más parecido a unos amigos son un par de amiguetes que regenta una tienda de cómics. En efecto, Les es un apasionado de los comics que empieza a tomar una nueva medicación debido a su tendencia a la depresión. Pero entonces, Les comienza a experimentar cosas extrañas, escucha lo que otros piensan, puede atravesar paredes y si se lo propone puede hasta volar. En ese momento Les decide que lo mejor que puede hacer es convertirse en un superhéroe. Ahora bien, la gracia viene dada por el hecho de que en realidad Les no tiene ningún poder extraordinario. Muy al contrario, la susodicha medicación de marras no es que le haya dado superpoderes a Les, es que le hace creer cosas que no son.

La idea, de brillante, era muy complicado sostenerla y aprovecharla en todo su potencial. La intención de "Especial" es utilizar una premisa como la antes citada como el detonante dramático sobre la patética existencia del personaje protagonista. Y en este sentido, el film funciona a la perfección. Esbozando alguna que otra sonrisa, el espectador asiste al declive vital de un personaje perdido en su propia locura fruto de una total carencia de horizonte vital. Es cierto que Haberman y Passmore estiran demasiado algunas situaciones que hace tambalear el drama -la intervención de los "trajeados"-, pero en su conjunto "Especial" es una película muy coherente. Es por esta razón que al contrario de lo que he leído por ahí, "Especial" sea la mejor película que sobre cómics se ha hecho en Estados Unidos (ese papel es, hasta nuevo aviso es para "El protegido"), porque en el film de Haberman y Passmore utiliza la mitología del cómic muy por encima, únicamente como detonante, como excusa para escarbar en la conciencia de un patético personaje.

Pero lo que también es innegablemente cierto es que cuando uno ve "Especial" resulta imposible no acordarse de Kevin Smith y pensar que hubiera hecho el hilarante director y guionista norteamericano con una propuesta argumental como ésta. Porque no nos engañemos, la idea inicial de "Especial" y hasta su publicidad en el cartel de la película ("Leslie cree que es un superhéroe. El resto del mundo simplemente cree que es un superimbecil") apuntan a una dirección equivocada. "Especial" no es una comedia, es un dramón. Tiene algunos momentos, pero su interés no reside en explotar la particular visión del mundo que tiene Les, sino en explorar su interior. Cometido justo, loable y admirable donde los haya, no cabe duda. Pero después de ver "Especial" uno se queda con la frustrante sensación de haberse perdido una comedia endiabladamente divertida a la que "Especial" apunta, pero sólo apunta.

Es curioso porque la película está muy bien, pero sus intenciones, su puesta en escena, su música, sus formas en suma, se alejan lo máximo posible del hilarante potencial que como digo tiene su propuesta inicial. Tal vez por esto, las opiniones en general sobre "Especial" flirteen entre la decepción y la innegable brillantez que se puede apreciar sin demasiado esfuerzo en su metraje. O dicho de otro modo, vean "Especial" sí, pero esperen un drama y obtendrán alguna que otra inesperada carcajada que salpicará un producto muy prometedor.

"Bienvenido Mr. Chance" de Hal Ashby (1979)

2010-08-31T21:23:00.005+02:00

"Bienvenido Mr. Chance" viene firmada por Hal Ashby, aunque la magia, el encanto y la grandeza de la película es de su actor protagonista, Peter Sellers. Tampoco digo nada nuevo lo se, pero es que las cosas son así. En aquella película Sellers hizo una cosa a la que estamos muy mal acostumbrados hoy idea; interpretar. Sospecho que desde la era De Niro-Al Pacino-Nicholson, nos cuesta trabajo ver una interpretación de gigante si alguien no grita, arquea la ceja o contorsiona los rasgos de su cara (que conste que yo de los tres siempre me quedaré con De Niro, que creo que era el más contenido, pero pienso que el mensaje se entiende...). Peter Sellers -que también coqueteó con la sobreactuación en "Teléfono rojo. Volamos hacia Moscú", aunque bien pensado, era muy complicado interpretar a tantos personajes y tan disparatados sin coquetear con la sobreactuación...- en "Bienvenido Mr. Chance" lo que hace es dar una lección de actor como no recordaba yo. Es inevitable acordarse de "Forrest Gump" y de Tom Hanks y ciertamente, el asunto juega en su contra, fundamentalmente en contra de Hanks.

Pero es que además, "Bienvenido Mr. Chance" es un raro -o por lo menos curioso- ejemplo de los esbozos originales de ese nuevo Hollywood que estalló en los 70 y se hizo con Hollywood en los 80. Hal Ashby, como Robert Altman con "M.A.S.H." (1970) y hasta como Warren Beatty como principal impulsor de "Bonnie and Clyde" (Arthur Pen; 1967), fue uno de esos cineastas que ya llevaban consigo el virus de la renovación cinematográfica. Empezó casi antes que nadie con "El casero" (1970) y llevó una carrera comercial bastante desigual sin llamar la atención de demasiada gente y sin provocar demasiados altercados intelectuales. Salvo en todo caso "Shampoo", Ashby pasará a la historia como uno de los primeros integrantes del Nuevo Hollywood, uno de los que puso su grano de arena para que Hollywood se reinventara, pero nada más allá.

Esa excepción de ese más allá en el que Ashby ni pinchó ni cortó del todo -y todo sin ser un mal director- es sin duda "Bienvenido Mr. Chance". El problema de film es que está rodado con tanta corrección que muy poca cosa destaca del conjunto más allá de una historia que está contada de forma impecable, todo hay que decirlo. Pero no hay casi nada más allá de esa impecable corrección. Ashby se pierde en anacronismos formales -atención a su BSO- y se alimenta de su apetito cinéfilo centrado de forma muy especial en su actor protagonista, Peter Sellers a quien adora, dramática y narrativamente hablando.

Pero el caso es que Ashby, además de contar con un actor que además de bueno, estaba en estado de gracia, contó también con una novela original de Jerzy Kosinski y un guión -adaptado por el propio Kosinski- fuera de lo común. Ka historia avanza sin prisa pero sin pausa. Sellers hace con nos deleitemos con casi cada plano en el que interviene, que son la mayoría y Shirley MacLaine pone la guinda a un film en su fondo, muy curioso.

Lo que "Bienvenido Mr. Chance" nos viene a proponer es la historia de una hombre más bien "corto" que se desenvuelve en un extraño mundo real en el que nadie percibe la deficiencia intelectual de Chance. Asumiendo por tanto este extraño milagro de la ficción cinematográfica que nos propone Ashby, Mr. Chance se convertirá en poco menos que un gurú de la política nacional a un paso, eso nos indica el final del film, de convertirse en presidente de los Estados Unidos. Los equívocos se suceden detrás de otros y el público debe de pasar por la prueba de creer, de asumir, que ése mundo que no sabe que está hablando con un retrasado mental existe. Así, el humor y el drama -la escena de la masturbación del personaje de MacLaine es impresionante- sostiene un film, seguramente irrepetible, con un final, también irrepetible; ese plano de Mr. Chance, caminando sobre las aguas de un lago, como ese extraño milagro que de forma inexplicable ha brotado y germinado en un mundo cruel monopolizado por la televisión y las política de los embaucadores del poder.

"El equipo A" de Joe Carnahan. (2010)

2010-08-29T20:16:00.005+02:00

Hace poco leí una entrevista al director de "El equipo A" en la que el entrevistador le decía algo así como que si uno toleraba una frase como "¡están tratando de pilotar un tanque!", lo más probable es que al final terminara pasando un rato de lo más entretenido con la película. Y creo que tiene mucha razón. "El equipo A" es lo que en mis años mozos llamábamos una "americanada" o una "fantasmada", o lo que es lo mismo, un disparate de tras de otro, una disparatada sucesión de escenas cada cual más hilarante que la interior con el sentido mínimo y la coherencia justa para que de la sensación de que hay una historia entre tanto tiroteo, explosión y abracadabra.

De entrada, lo más admirable de un film como "El equipo A" es algo que suelo decir muy a menudo, la película tiene conciencia de sí misma, es decir, sabe qué es lo que es, es decir, sabe que no es más que un entretenimiento vacío, escandaloso sí, pero hueco. Esto como digo, no tiene nada de malo si la película no se toma en serio a sí misma y sabe hasta donde puede llevar el dramatismo de determinadas escenas o la definición de los personajes. Así, el dramatismo en "El equipo A" es nulo, los personajes están descritos a base de brochazos rápidos y sin dar pie a ambigüedades; el líder, el guapo, el loco y el fuerte, y muy poco más.

Y vista así, lo cierto es que "El equipo A" es una película de lo más entretenida. Su historia se sostiene lo justo como para no aburrir y su complejidad es absolutamente nula, con la excepción de su trama, rocambolesca y rebuscada plagada de agentes dobles, traidores e infiltrados que supongo yo, explicará la presencia en los títulos del film de tres guionistas. El film salta de localización en localización (en realidad, y aunque en la película se diga lo contrario, sin salir de Canadá) sin dar un respiro al espectador que asiste patidifuso a una constante y repetitiva violación de las leyes de la física en las que el término "inverosímil" se queda corto.

Pero que nadie se acerque a "El equipo A" buscando nada más, y eso sí, nada menos. El film cumple con lo pactado. Acción rebosante de diversión, escenas hilvanadas para que nadie se pierda y el siguiente disparate tenga una razón de ser, al menos, argumental y nada más. Película de palomitas, sin más, pero insisto, tampoco sin menos.

"Origen" de Christopher Nolan. 2010

2010-08-10T22:10:00.005+02:00

Concebida, vendida y envuelta como el "2001" del siglo XXI, sería interesante que aquellos que no hayan visto "Origen" fueran rebajando expectativas. Que nadie se escandalice, "Origen" es una película muy interesante, pero se sabe compleja y densa y eso, le termina afectando a si misma. Porque en el fondo, la última película de Christopher Nolan no es más que un film de robos pero alterando su decorado, imponiendo nuevas reglas y de paso dejando se ver como el nuevo genio de cine norteamericano. Porque lo cierto es que si vamos al meollo de la cuestión, es bastante mejor película "El caballero oscuro" que "Origen", cuyas escenas de acción, al contrario que en el film de Batman, andan cogidas con hilos, extrañamente justificadas y a todas luces, excesivamente prolongadas.

Pero tal vez, lo menos bueno de "Origen" sea que el film de Nolan no aporta, culturalmente, nada nuevo (de ahí que ande lejos de ser el "2001" del siglo XXI). La última película del director de "El caballero oscuro" no hace otra cosa que sumarse a la corriente posmodernista popularizada (que no inaugurada) por la terriblemente sobre valorada "Matrix". Porque al fin y al cabo lo que hace "Origen" no es más que incidir en la idea de que la realidad no existe, de que todo es un sueño y que de hecho, en última instancia, cabe la posibilidad de que todo lo que consideramos realidad, sea precisamente, un sueño. Ósea, nada nuevo. De hecho, me irrita profundamente que algunos críticos y buena parte del público aplauda y llene de laureles a una película, no cabe duda que buena, pero lejos, o al menos, a cierta distancia de remover los cimientos del cine de ciencia ficción. Caballeros, no nos dejemos llevar. A mi juicio "El caballero oscuro" sí que trastocó los pilares de cine de superhéroes, tanto, que casi resultaría imposible imitarlo. Pero "Origen", pese a su parafernalia, es un film mucho más simple.

Dicho esto, vuelvo a lo que decía al empezar. "Origen" está muy bien. Exige una atención por encima de la media en el espectador, propone una trama rocambolesca e imaginativa y tiene algunas referencias cinematográficas -"La espía que me amó", por ir a lo más claro- que harán las delicias del cinéfilo. Además, Nolan parece confirmar la contención narrativa de la que ya hiciera gala en "El caballero oscuro", sino lejos, si que al menos a una moderada distancia de los excesos escénicos, fundamentalmente de montaje, de "Batman Begins", "Insomnio" e incluso "Memento".

En cualquier caso, "Origen" es, a todas luces, una película muy recomendable. No gustará por igual a todo el mundo, pero sí que desde luego, confirma a Crhistopher Nolan como uno de los cineastas más interesante e inquietos del actual panorama cinematográfico. Pero sin duda, lo mejor de todo esto es que un film como "Origen· nos invita a pensar que un día de estos, dentro de unos años (Nolan "sólo" tiene 40), el director de "Memento" hará un peliculón que seguramente, esa sí, sea el "2001" del siglo XXI, porque hay una cosa que tengo muy clara y es que Nolan puede, no, debe ir más allá de las modas culturales más facilonas del momento. Un día, espero que no muy lejano, Christopher Nolan dejará a media platea boquiabierta, mutará la concepción cultural del respetable y el cine, o por lo menos, un género, tomará un nuevo camino. Yo, personalmente veo a Nolan con ese potencial.

"Airbender. El último guerrero" de M. Night Shyamalan. 2010

2010-08-10T15:12:00.007+02:00

Vaya por delante, "Airbender. El último guerrero" no es el pedazo de mierda que se ha empeñado determinado sector crítico, sobre todo, norteamericano. Atacar sistemáticamente a determinadas películas o a ciertos directores puede tener su gracia en función del contexto pero desmembrar airadamente cada una de las películas de M. Night Shyamalan hasta el extremo de desollar sin piedad y con ensañamiento casi patológico "Airbender" me parece un fenómeno ciertamente insólito. Así, ahora mismo, la verdad es que soy incapaz de recordar otro cineasta que fuera atacado con tanta voracidad por la crítica norteamericana. Cualquiera puede leer algunas de las perlas que se han dicho de "Airbender" en la web FilmAffinity, una tendencia que dicho sea de paso, parece haberse extendido, al menos, a cierto sector de la crítica española.

De todos modos, vayamos por partes.

"Airbender" no es la mejor película de M. Night Shyamalan desde luego, pero de ahí a ser el pedazo de estiércol que se empeñan algunos en extender hay un trecho bastante importante. "Airbender. El último guerrero" es una fantasía épica al uso (dato importante, hay que verla en 2-D porque el 3-D fue aplicado después y creo que resulta bastante molesto, una imposición de los estudios...) que nada tiene que envidiarle a, pongamos por caso, "Las crónicas de Narnia". El film de Shyamalan contiene algunos momentos ciertamente imponentes, destacados fundamentalmente por ese estilo tan propio de Night de rodar planos largos y tirando del montaje lo justo. Da gusto contemplar determinadas escenas de acción en las que la planificación no es un batiburrillo de planos mal montados y dispuestos de la menos mala forma posible. Se nota y mucho, que Shyamalan quería esforzarse por ofrecer algo distinto que meros planos aéreos de millones de soldados batallando patentados por Peter Jackson y su trilogía de "El señor de los anillos" que dicho sea de paso, en determinados momentos no hacía otra cosa. Pero además, "Airbender" sigue ofreciendo ciertas constantes intrínsecas del cine de Shyamalan, como su creencia acerca de lo ordinario y lo extraordinario, la importancia del punto de vista de un niño o la presencia o la ausencia de la fe en sus personajes.

A mi, personalmente, tengo que admitir, que este tipo de películas me gustan más bien lo justo. Nada me entusiasmó de "El señor de los anillos" y mucho menos de "Las crónicas de Narnia", porque ya era algo bastante obvio, pero "Airbender" no es más que eso, una mitología fantástica con un acabado técnico impecable (sus efectos especiales son de primera y no como se ha dicho en algunos medios) y poco más.

El principal problema que tiene una película como "Airbender. EL último guerrero" -que lo tiene- es precisamente su inseguridad. Tengo la sensación de que Shyamalan tenía mucho miedo de no ofrecer lo que se esperaba de una producción como "Airbender" y a la vez, no traicionarse así mismo. Creo que hay un cierto equilibrio en este sentido, el film se sostiene sin problemas como producción de Hollywood para el verano y además contiene suficientes elementos técnicos, dramáticos y narrativos, como para identificar la película como un trabajo de M. Night Shyamalan, pero sin duda también es cierto que existe cierta inestabilidad en el conjunto, cierta inseguridad en su trama, en sus motivos y hasta en sus formas. Hay algo en el conjunto que distorsiona el resto, no lo destruye, pero sí que se ve afectado.

De todos modos, para aquellos que vayan buscando una recomendación o no, el asunto es muy sencillo. ¿Fantasía épica para toda la familia sazonada con artes marciales y efectos especiales? Es tú película. ¿Te aburren las fantasía épicas pero eres un fan incondicional de "El señor de los anillos? Saldrás defraudado porque a Shyamalan no es tan prepotente como Peter Jackson en aquella trilogía y además, tampoco buscaba ir mucho más allá de lo que se pueden ver en sus imágenes. ¿M. Night Shyamalan te cae como el culo? Ni te acerques. Vamos, ni mires el cartel de la película.

"Shutter Island". Martin Scorsese. 2010

2010-07-31T19:27:00.003+02:00

Tengo que admitir que me ha costado y en cierto modo, me sigue costando mucho comprender la extraña fascinación que al parecer siente Martin Scorsese por Leonardo Di Caprio. Puedo entender que un joven y prometedor actor como Di Caprio se fascine ante Scorsese pero lo contrario lo llevo un poco peor. Cuentan las malas lenguas que andaba Socorsese buscando a un actor que interpretara el papel de Amsterdam para "Gans of New York" y que en mitad de una conversación con Robert De Niro, éste le dijo, "llama a Leonardo Di Caprio, puede que tenga cara de tonto pero hará lo que le digas sin rechistar"....

Hasta hace unos días, de todas las colaboraciones entre Scorsese y Di Caprio yo me quedaba con "Infiltrados". No es el film que debería haber encumbrado a Scorsese a ganar un Oscar pero desde luego, era de lo mejor que había filmado el director ítaloamericano desde los tiempos de "Uno de los nuestros". Pero después de haber visto "Shutter Island" altero mi predilección y sin ningún genero de dudas me quedo con la última película hasta la fecha de Martin Scorsese. Entre otras cosas porque "Shutter Island" supone un desconcertante paso hacia adelante con una propuestas que sin perder de vista las raíces de la obra más scorsesiana consigue ofrecer algo diametralmente nuevo. "Shutter Island" es una apasionante mezcolanza de film noir salpicado con elementos del cine de terror envueltos en una endiablada trama repleta de giros y trampas que no dejarán absolutamente a nadie indiferente. Y esto, ya es muy bueno.

Las primeras imágenes de "Shutter Island" nos muestran a dos agentes federales que navegan hacia una extraña y apartada isla en la que un manicomio sirve de prisión para enfermos mentales que han cometido los peores crímenes. Scorsese filma a los agentes sobre el barco con una premeditada falsedad de decorados, es decir, el barco apenas se mueve, el fondo canta a la lega que es una transparencia. Pero esto lo hace el director de "Taxi Driver" porque su intención es precisamente esa, la de introducirnos en un universo barroco, falso, manipulable. Lo que Scorsese pretende con sus decorados, con la cinematográfica lluvia, sus rayos y sus truenos y su propia trama, es tejer una cinematográfica tela de araña capaz de atraparnos desde el primer minuto, sin soltarnos, sin darnos opción a respirar. Tal vez por esto muchos han tachado "Shutter Island" de ser un film demasiado comercial y previsible (lo cual no entiendo porque a la película se le puede tachar de cualquier cosa menos de previsible), pero lo cierto es que a mi modo de ver, "Shutter Island" es un juego de astucias filmado con verdadera maestría muy recomendable, sobre todo, para los muy cinéfilos. Para aquellos que no sólo disfrutan con una historia bien contado, sino para los que también valoran las interpretaciones (Di Caprio está mejor que nunca), los decorados, los efectos, la música, los giros y en suma, el cine en su conjunto.

"Paranormal Activity" de Oren Peli (2010)

2010-05-24T21:18:00.007+02:00

"Paranormal Activity" retoma esa cuestión tan de moda últimamente del falso documental. Yo, antes de entrar en si "Paranormal Activity" es buena o mala -creo que es más buena que mala-, creo que la cuestión de fondo es ¿qué nos ofrece este formato del falso documental? y ¿ hasta cuando nos seguirá sorprendiendo? Yo no soy ningún genio pero parece bastante evidente que esta variación ficticia de la realidad atrae al público. Y eso, siempre hay que tenerlo en cuenta. A efectos prácticos, de formato, yo diría que "La cuarta fase" es mejor película que "Paranormal Activity" aunque por una cuestión de base muy importante, porque la primera en el fondo, era menos arriesgada que la segunda. Ósea, que la primera se sostenía sobre un soporte ficticio, reconstruida , todo lo contrario que el film de Oren Peli, que juega a lo largo de todo el metraje con una historia aparentemente espontánea, intuitiva.... Ósea, más de lo mismo.

De todos modos, que nadie se engañe, el gran aliciente de "Panoramal Activity" como ya he dicho, no es tanto su formato de cámara "al hombro", sino su propuesta dramática, es decir, su guión, o mejor aún, su idea. Su guión, como buena parte de este tipo de películas que parecen haber sido rodadas como el que no quiere la cosa, suelen estar plagados de vacíos, de rellenos de paja. Y en este sentido, "Paranormal Activity" no es una excepción. El film está repleto de escenas prescindibles, de momentos aburridos, de situaciones que no aportan nada; definen a los personajes, dirán algunos, pero en realidad aportan muy poco.

Otra cosa es su idea, su planteamiento argumental. La mejor idea, de entrada, de "Paranormal Activity" es que "mete" la cámara en un dormitorio, y lo que es más, en un dormitorio mientras dormimos, mientras se supone que no pasa nada. La idea -en realidad muy "spielbergriana", dicho sea de paso, para los que no hayan reparado en el caso, el director de "E.T." está detrás del lanzamiento internacional del film- es introducir el espectador en un lugar donde todos, nos sentimos más seguros, más íntimos. Nuestros dormitorios son nuestras particulares burbujas que nos apartan de problemas con el banco, el trabajo o los recibos. Es lugar perfecto para relajarnos, de hecho, para dormir. Pues ahí precisamente, Oren Peli propone introducir una cámara y, eso no es todo, situar el epicentro de un inquietante drama sobrenatural.

Cuando Peli nos ha metido en el corazón de la intimidad de una pareja que no vive tranquila porque su seno hogareño se ve extrañamente alterado, el director y guionista va más allá y nos propone algo más que un mero espíritu revoltoso que quiere hacer justicia entre los vivos. No, "Paranormal Activity" juega un poco más alto y nos indica la presencia de lo que parece ser..., un demonio.

Lo mejor de todo es como el film de Oren Peli propone el asunto. Pequeños síntomas, pequeñas apreciaciones , pequeñas frases de guión nos hacen suponer que se trata de un demonio, pero nada se nos dice acerca de la naturaleza del ente, nada sobre sus intenciones, nada sobre el por qué de lo que ocurre. Esto también es bueno.

"Paranormal Activity" tiene un buen montón de defectos, pero se defiende bastante bien no, muy bien, como película "de miedo" con apariencia amateur. Vale la pena verla.

Antonio Ozores

2010-05-12T21:08:00.004+02:00

Es posible que algunos pensarán qué es lo que hace un personaje como Antonio Ozores en un blog de cine serio como este, pero lo cierto es que ya han pasado unos años y he ido aprendiendo a perder la vergüenza y admitir públicamente que Antonio Ozores me hace mucha, mucha gracia. Esto no quiere decir obviamente, que Ozores sea digno de admiración o de reivindicación, pero lo cierto es que también con el paso de los tiempos, creo haber entendido que Ozores, también tiene mucho de reivindicación. No voy a entrar ahora en aspectos de interés en su humor o en sus películas, pero no me negarán que había un hilo conductor y si aquí aplaudimos a Billy Cristal o a Adam Sandler, no se por qué hemos mantenido siempre a Ozores (a Antonio y a su hermano Mariano) en un acomplejado segundo plano.

A lo largo del día de hoy hemos visto como un buen número de personajes de la actualidad cinematográfica aplaudía a la figura de Antonio Ozores, alabando su genio, su surrealismo, su profesionalidad, su humor (que ahora por cierto, es genial) etc... El asunto contrasta claro está con el hecho de que nadie, salvo su hermano Mariano, lo contratara durante las últimas dos décadas, y que Ozores haya sobrevivido a base de obras de teatro que jamas aparecieron en los informativos. También llama la atención que nadie lo haya recuperado como actor, quien sabe si dramático, para haber intervenido en alguna película o como un actor cómico, lo que fue siempre, como ya ocurrió con el recuperado -fugazmente, eso si- Tony Leblanc por Santiago Segura, a quien por cierto, hemos podido ver acercarse al funeral. Yo he visto a José Sacristan alabarlo, pero no me lo creía. Si me he creído en cambio a Juanito Navarro, llorando desconsoladamente diciendo únicamente que nunca lo podrá olvidar y probablemente muchos con él. Pues bien Juanito, entre esos que nunca olvidarán a Ozores estoy yo.

Hace un par de años, una idea descabellada cruzó mi cabeza. Me propuse hacer un documental y para esto, tenía que ponerme en contacto con los Ozores. Lo conseguí, hablé con Mariano, con Emma y con Antonio Ozores, de quien conseguí su número de teléfono fijo. Tengo que decir, así de entrada, que su contestador automático es un verdadero disparate, una oda al humor absurdo y lo poco que hablé con él... Tachaba el actual cine español como "malo" sin tartamudear y siempre defendió la época de su época dorada de los 80. El prestó encantado al disparatado proyecto que pretendía poner en marcha y en esa motita de contacto que tuve con él, siempre lo recordaré, aunque siempre preferiré legendarios momentos como el de la báscula de "Yo hice a Roque III" que mi buen amigo Antonio Rentero reproduce en su blog del que yo me voy a permitir abusar. Me consta que mi buen amigo Antonio no tendrá inconveniente sobre todo, si es de Ozores de quien estamos hablando.

"Celda 211" de Daniel Monzón (2009)

2010-04-14T23:34:00.005+02:00

A mí siempre me ha caído bien Daniel Monzón. Incluso cuando hacía críticas de cine en "Días de cine". Todavía me acuerdo de él haciendo una crítica sobre "Héroe por accidente" en un croma que simulaba estar al borde de un edificio o de "El hombre invisible" en la que simple y llanamente, no se veía, por eso de ser invisible...

Pero en lo que a su trabajo como director se refiere, también me ha caído siempre bien el hombre. "El corazón del guerrero" es un film terriblemente irregular, pero con ideas interesantes, con propuestas interesantes y sobre todo, con unas intenciones muy interesantes, aunque no las lograra. "El robo más grande jamás contado" tampoco era la película perfecta, es más, insistía en muchos de los defectos de "El corazón del guerrero" y además caía en otros errores nuevos, pero seguía sosteniendo determinados intereses, intereses engranados fundamentalmente en el cine de género. Monzón era y es un agricultor de ese cine denominado, de género, es decir, un cine que se decanta abiertamente por los marcos dramáticos y visuales de los clásicos de Hollywood (donde se inventaron y se les dio forma definitiva a los géneros). Eso mismo -o más de los mismo, según se mire- vino a demostrar una película tan irregular como "La caja Kovak", buenas intenciones, buenos momentos, pero mal cohesionado el conjunto, mal equilibrado el asunto.

Todo esto demuestra una cosa, y es que por más que Monzón tuviera buenas miras y por más que Jorge Guerricaechevarría le echara una nada desdeñable mano a partir de "El robo más grande jamás contado" (porque a partir de aquí, el cine de Monzón mejoró) lo que este ex crítico de cine necesitaba era una buena regleta, una buena base que le diera un diamante en bruto. Esto ha demostrado al menos que Daniel Monzón sabe aprovechar un buen material, y que sabe de hecho, adecentar un material mediocre, pero es que había que ser muy bestia para desaprovechar un material como el que brindaba la novela de Francisco Pérez Gandul (su ópera prima, por cierto).

Lo cierto es que "Celad 211" tiene pulso, garra, tensión. Casi no decae su equilibrio, en todo caso, el elemento más frágil de todo el film sea la relación entre Juan Oliver (Alberto Amman) y Elena (Marta Etura) pero lo cierto es que poco importa, porque la conexión sentimental entre ambos personajes genera el combustible preciso para uno de los momentos más tensos del film. Monzón filma con brío, sabe donde poner la cámara y además lo hace con bastante honestidad. Además, "Celda 211" le permite al director de "La caja Kovak" alternar ese realismo extremo con el que ha flirteado en algunas ocasiones (los pasajes dedicados a la prostituta de "El corazón del guerrero" eran ciertamente desagradables) con la maquinaria del suspense que todo parece indicar, es el verdadero meollo del cine de Daniel Monzón.

Por lo demás, todo encaja en la película con una asombrosa precisión. La música del -murciano- Roque Baños aunque seguramente inaudible en solitario, cumple con su cometido sin estridencias y los actores están muy bien, desde el primero al último. Mención especial merece sin duda Luis Tosar, que simple y llanamente, clava su papel de delincuente habitual capaz de rajarte la garganta sin pensárselo dos veces, uno de esos tipos a los que da simplemente miedo acercarse. Pero precisamente por esto, "Celda 211" funciona tan bien, porque al final, uno se identifica con "Malamadre" (Tosar), porque al final lo compadece, se identifica, y lo sufre... La verdad es que, muy bien hecho señor Monzón.

"La cuarta fase" de Otulande Osunsanmi (2010)

2010-04-06T20:47:00.006+02:00

Yo siempre he defendido que es más saludable una buena polémica que la indiferencia. Y aunque sólo sea por eso, nada más empezar, chapeau por "La cuarta fase". Al parecer, la película de Otulande Osunsanmi ha montado un buen pollo en tanto se ha discutido mucho sobre qué hay de verdad en la película y qué es total ficción... Para los que no sepan demasiado sobre la película, les pongo en antecedentes. "La cuarta fase" es un film protagonizado por Milla Jovovich que nos cuenta la historia, supuestamente real, de la terapeuta Abbey Tyler quien al parecer, en un pequeño y remoto pueblecillo de Alaska llamado Nome, trató y experimentó en sus propias carnes lo que significa eso de ser abducido por un extraterrestre.

Hasta aquí el tema, más o menos normal. El asunto, por lo visto, empezó a ponerse peliagudo cuando los responsables de "La cuarta fase", incluyendo a sus distribuidores (la Universal y la Warner Bros. en Japón) vendieron y publicitaron la cinta como un relato documentado de hechos reales incuestionables hasta tal punto que el film de Osunsanmi llega a combinar escenas rodadas con actores en vídeos, teóricamente reales del hecho en sí. O dicho de otro modo, mientras vemos en la película como un personaje/actor es grabado con una cámara de vídeo, vemos al otro lado de la pantalla al supuesto personaje real que fue realmente grabado con esa cámara de vídeo que hemos visto colocar. Buena o mala la película no me negarán que la idea tiene su interés.

De entrada, me veo en la obligación moral de admitir que he sido el primero en caer en la red publicitaria de la película y en haber visto "La cuarta fase" pensando que había un soporte gráfico real indiscutible. Muy tonto por mi parte, aunque por otro lado pienso que no deja de ser un sentimiento maravillosamente ingenuo eso de ver una película como si fuera algo real, como un tonto... Ahora que lo pienso, espero seguir así muchos años...

Esto no quita, no obstante, que pasado el efecto inicial de embriaguez dramática, uno, tome posiciones, asiente los pies en la Tierra, y tome una determinación sobre lo que ha visto. Pues bien, para mi, lo que nos expone "La cuarta fase" es dramáticamente falso (sólo hace falta dedicarle una horilla a navegar por Internet para legar a esa conclusión), pero la verdad es que a mi eso me da francamente igual Lo que realmente me encandila de la película de Osunsanmi es que después de cosas como "Holocausto caníbal" o "El proyecto de la bruja de Blair", sigamos cayendo en la trampa de manejar la posibilidad de que lo que estamos viendo es real. A ver, caballeros, que en Hollywood no son idiotas y en el resto del mundo parece que cada vez los somos un poco más, (empezando por los propios diarios de Alaska que al parecer, llegaron a denunciar a la Universal por difamar la realidad de un entorno tan bello y rural, si es que esta misma información es cierta...).

Porque ya no se trata de cómo es posible de que ciertas imágenes hayan sido ocultadas hasta el estreno del film, o cómo puede ser que algo así esté pasando en un lugar como Alaska y nadie se haya percatado de ello, o de cómo es posible que el FBI haya visitado el lugar más de 200 veces y hayamos oído hablar más de Roswell que de Nome, en fin... De lo que se trata, insisto, es que hemos vuelto a caer. Hollywood, o en este caso, Otulande Osunsanmi (un director nacido en Estados Unidos pero que no debe esforzarse mucho en demostrar sus orígenes africanos...) nos ha vuelto a embaucar.

Por otro lado, la películas ha generado algunas críticas ciertamente feroces. Yo he llegado a leer que era la peor película de terror jamás filmada. A ver, caballeros, que hay mucho cine malo por ahí suelto y "La cuarta fase" no es uno de ellos... La película con defectos y todo, vale la pena admitirlo, y dejando incluso polémicas a un lado, consigue su propósito básico, inquietar y en última instancia, aterrorizar. Si, caballeros, "La cuarta fase", SI UNO ENTRA EN SU JUEGO, da miedo, es entretenida y aguanta en la memoria más de lo esperado. Mucho, para una película protagonizada por la Jovovich, que nos tiene demasiado acostumbrado a sus "Resident Evil" & Cia...

En fin..., a mi modo de ver, película a retener, o al menos, a tener en consideración y a no despreciar a la primera de cambio. La película, insisto, tiene defectos si, pero también virtudes (su nivel de efectismo es muy limitado, o al menos, singular, los extraterrestres por ejemplo, nunca se llegan a ver). Yo al menos pienso, que merece la pena intentarlo, y esto en el panorama actual es decir mucho. Pero desde luego, mala, mala de rasgarse las vestiduras, pues tampoco caballeros... Primero porque será el tiempo el encargado de indicarnos si esta película es un fiasco aunque yo sospecho que no y segundo, porque uno al fin y al cabo, insisto, si se deja llevar por el film, pasa miedo, y eso, eso siempre es bueno en el cine de terror.

"El hombre lobo" de Joe Johnston (2009)

2010-03-26T10:12:00.006+01:00

"El hombre lobo" es una película curiosa. Primero por tratarse de un film de encargo de cabo a rabo, es decir, una de esas películas de estudio en las que se percibe que tanto monta, monta tanto que su director hubiera o hubiese sido Joe Johnston o Perico el de los Palotes. Si la hipotética personalidad de un director tan llano como Johnston ya es de por si, eso, una hipótesis, en "El hombre lobo" no hay ni rastro de ella, de hecho y muy al contrario, hay demasiada sangre en la película para ser un film de Johnston. Segundo porque es bien sabido, la película debió de tener algún que otro problemilla de esos denominados, creativos, porque según parece a punto estuvo Johnston de mandar el film a hacer gárgaras para que lo firmara cualquier seudónimo razón por la que se montó y remontó hasta que todos quedaron relativamente contentos. Tercero por ser una película de terror de premeditado aroma clásico que surge en un momento en el que el género anda a la deriva. La Edad de Oro del cine de terror ya pasó, los éxitos como "Drácula de Bram Stoker", "Scream" o "El sexto sentido" ya forman parte de la historia, lo que por necesidad implicaba cierto riesgo a la ahora de producir un film sobre el hombre lobo que además no pretendía reinventar el mito ni nada de eso, más bien, a lo que aspiraba era a retroalimentarse de la mítica del título original de la Universal. Es cierto que en este sentido lo que "El hombre lobo" buscaba bien se podría equiparar a una película como "Drácula de Bram Stoker", aunque con la radical diferencia de que por desigual que fuera "Drácula", Joe Johnston no es Francis Ford Coppola, y eso siempre va a pesar y más aún ante un film de encargo como este en el que seguramente Johnston filmó bajo la amenazante presencia de un productor que no le quitaría el ojo de encima y que raudo se llevaría el material para montarlo él, o los suyos, a su manera.

Pero bueno, a lo que vamos, ¿qué tal está "El hombre lobo" según los parámetros del Hollywood del 2009?. Pues..., regular. Regular porque no es un espanto de película, lo cual, francamente, se agradece. Y regular porque el film de Johnston no aporta nada..., de nada. Ni en lo argumental, ni en lo dramático, ni en lo efectivo, por más que el equipo de diseño de efectos visuales viniera presidido por Rick Baker, el mago todopoderoso de los legendarios efectos de "Un hombre lobo americano en Londres". Pero ¡ay!, los tiempos han cambiado. ¡Cuando beneficio y a la vez, cuando daño ha hecho el ordenador en el cine!. Y "El hombre lobo" es un buen ejemplo. Por un lado, la película de Johnston se preocupa por conservar el modelo clásico del licántropo, en el que el hombre lobo es eso, un hombre con apariencia lobezna en contra de esa tendencia en la que en un hombre lobo se transformaba en un lobo..., humanazoidamente..., grande... Pero a la vez, el hombre lobo de Johnston resulta demasiado plastificado, demasiado digitalizado, de modo que pierde la carnalidad que sí poseían películas como "Un hombre lobo americano en Londres" o incluso "Aullidos" por discutidas que sean.

De modo que supongo que, una de cal y otra de arena, de forma de nos quedamos donde empezamos. Una vez uno sale de ver "El hombre lobo", según nos dicen lo créditos, de Joe Johnston, nada ha cambiado, todo sigue igual en el mundo y en el cine. De modo que la película con la misma facilidad que se ve, todo que hay decirlo. Yo, lo único que destacaría, para bien, de la película, es el personaje y el propio actor de Hugo Weaving. Primero porque Weaving es un actorazo de primera por reivindicar y segundo porque que actor interpreta nada menos que a Frederick Goerge Abberline, uno de los inspectores estrella del misterioso caso de Jack el Destripador (aún por resolver, por cierto...) que aquí es ficcionizado y lo que es más, maldecido por la maldición del hombre lobo, lo que abre interesantes vías a posibles secuelas.., lo que siempre es interesante, siempre cuando ande de por medio Hugo Weaving...

Star Wars in Concert

2010-03-21T19:32:00.004+01:00

No se me suele ver a mi en este tipo de concentraciones, más que nada porque en muchas ocasiones considero mucho más enriquecedor (y barato) ver una buena película, leer el periódico o seguir con el libro que tengo a medio. Pero se daban ciertas circunstancias que hacían una completa estupidez no haber ido. Primero el gesto que nunca olvidaré de mi buen amigo Antonio Rentero que me dijo más o menos tengo una entrada para Star Wars in Concert y está huérfana... ¡Para qué les voy a decir más! Segundo que ir a Madrid siempre es una buena idea y tercero, que escuchar a una orquesta tocando, no sólo los típicos temas de Star Wars, sino algunos que hemos repasado cientos de veces y que jamás hemos visto interpretar en director era una ocasión, probablemente única.

Cuando me acercaba al Palacio de los Deportes de Madrid lo primero que me llamó la atención no fue la kilométrica cola que me encontré, sino ¡¡las cuatro kilométricas colas que me encontré!! Por alguna razón no me esperaba tanta gente. Aunque como me dijo mi mujer si sumas a los cuatro freak de Murcia, los cuatro de Cuenca y así hasta llegar a los doce de Madrid.., pues eso, se juntan las 20.000 personas que allí nos congregamos. Quizá debería haberlo esperado, pero me hizo gracia ver, no ya a niños pequeños disfrazados de Darth Vader, Obi Wan o Luke Skywalker, sino a familias enteras disfrazadas de todos los personajes citados más la princesa Leia, Amidala, Han Solo, Qui-Gon Jinn, soldados de asalto, artilleros de la Estrella de la Muerte, soldados de asalto terrestres y hasta Cheewaka... Era todo un espectáculo la verdad.

Una vez dentro del edificio, las sorpresas continuaban. Resulta que habían tríado varios muñecos originales de las películas como el propio Cheewaka, Han Sólo congelado en carbonita, camisetas, llaveros, imanes, vamos de todo y todo, a precios muy poco populares. Me gusta el universo Star Wars pero no tanto...

Con diez minutos de retraso se apagaron las luces, el director hizo acto de presencia. Todo el mundo se olía lo que iba a pasar a continuación: la fanfarria de la 2th Century Fox y acto seguido, en una gigantesca pantalla aparece la leyenda Long ago, in a galaxy far, far away.... (con los cuatro puntos de rigor, no se crean, yo me enteré de esto hace poco) Y entonces la orquesta literalmente explotó en una de los temas más conocidos de la historia. No hubo mucho demasiado espacio para escuchar las primeras notas, porque el público explotó a aplaudir. Una vez terminado el tema, entró en escena la otra sorpresa de la noche, Anthony Daniels, el actor bajo lo metales de C3 PO. Con un ingles exquisito y formas de un actor formado en el teatro, Daniels hizo de oportuno presentador de cada uno de los temas.

Como era de esperar, y salvando Duel of the Fates, los temas de la última trilogía de Star Wars fueron digeridas por el público más que un aperitivo de lo que vendría después que otra cosa. Y es que no es lo mismo, ni las películas, ni la música (de esto ya hablaremos en otra ocasión). El auditorio casi se cae cuando terminó la pieza que presagiaba el que sería uno de los momentos álgidos de la tarde; la Marcha Imperial. Ahí sí que temblaron los cimientos del Pabellón...

Hubo entonces un inesperado descanso, habían tipos ahí con barriles a la espalda vendiendo cervezas y cubalibres de Ron (15 pavos, por cierto...). Ir al baño era inutil, había tanta cola como para entrar al concierto. Un botellín de agua costaba dos euros, en fin...

Según el discurrir de la música, los que estábamos allí sabíamos que ahora venía lo mejor. Y así fue; The Asteroid Field, Tie Fighter Attack o The Ewok Battle son sólo los ejemplos más espectaculares de esta segunda parte y de paso, la prueba irrefutable de que, por las razones que sean, John Williams estaba mucho más inspirado veinte años atrás que cuando la nueva trilogía se puso en marcha.

En suma, tarde memorable, música de primera, juegos de luces, una pantalla gigante con imágenes de las seis películas, un entorno disparatado, todas las franjas de edad disfrutando como enanos, más de uno marcando el ritmo con los pies, la cabeza, las manos, una copa! Irrepetible. Yo hubiera eliminado, es cierto las imágenes de la película y las hubiera sustituido por imágenes de la orquesta, que es al fin y al cabo lo que habíamos venido a ver. Ocurrió en un par de ocasiones, pero supo a poco. Pero por lo demás, apasionante.

De modo que ya para terminar esta fiesta freak os voy a dejar con un vídeo que me he tropezado por Youtube verdaderamente divertido. Se trata de un fan de John Williams que canta A capella algunos de los temas más populares de la obra de Williams con una letra inventada sacada directamente de La guerra de las galaxias. Sin desperdicio alguno, se lo aseguro. Pinchen aquí y disfruten.

"Sólo el cielo lo sabe" de Douglas Sirk (1955)

2010-02-17T12:15:00.004+01:00

Volver la mirada atrás para contemplar una película de Douglas Sirk es siempre una delicia. El director de origen alemán siempre ha sabido tratar con asombroso tacto y apreciable sentido del decoro tramas propias de folletín, pero que su formidable trabajo tras la cámara y un guión generalmente, de acero armado, han conseguido dignificar hasta el cisma de las obras maestras del Hollywood clásico. "Sólo el cielo lo sabe", como pasa hoy día, fue una consecuencia directa de un éxito anterior, el también melodrama de Douglas Sirk "Obsesión". Hollywood, que ya entonces sabía muy bien como agarrarse a un éxito cuasi seguro, tiró además de idéntica pareja protagonista, Rock Hudson y Jane Wayman.

La historia es muy sencilla, una adinerada viuda se enamora de su jardinero. Las habladurias de sus vecinas primero, y la hostilidad general de sus hijos después, obstaculizan una relación idílica. Ella es de la alta sociedad, pero disfruta rodeada de campesinos y agricultores mientras su amado, abre botellas de vino con los dientes. Él, no es más que un jardinero, endiabladamente guapo, eso es verdad, pero él tampoco está por la labor de abandonar su entorno y zambullirse en las exquisiteces de la burguesia. Ambos quieren conservar sus entornos, pero ambos, no se dan cuenta, estan siendo igual de egoístas.

Como digo, así visto sobre el papel, lo más lógico sería pensar que un film con semejante trama no puede ir más allá del soberano aburrimiento, pero es precismente por este tipo de películas, por las que amo profundamente al cine clásico. Douglas Sirk, no sólo consigue que el personal romance nos alcance como propio y que suframos, compadezcamos y nos irritemos ante la abigarrada sociedad norteamericana, sino que además, el director consigue envolvernos en un universo de bellísimas imágenes y cuidada puesta en escena en donde cada movimineto de cámara tiene su razón de ser y cada corte de plano su sentido.

Es con películas como estas, creo yo, con las que se pueden generar nuevos amantes de cine. Porque cuando uno se enamora del cine clásico, no olvidemos, se está enamorando del cine. Es lo bueno y lo sublime que tiene el cine clásico, que amar a John Ford, George Cuckor, Howard Hawks o Douglas Sirk, es amar a todo lo que vino después, y claro está, todo lo que vendrá después...

Goyas 2010

2010-02-17T09:42:00.004+01:00

Justicia. Y van dos años seguidos, ¡qué cosas! "Celda 211", que casualmente ha sido la película -íntegramente- española más taquillera del año, se llevó a casa ocho goyas. Me parece muy bien, porque Daniel Monzón es un tipo que me cae simpático. Aprecio pese a sus altibajos "El corazón del guerrero", me divertí con "El robo más grande jamás contado" y pase un rato entretenido con "La caja Kovak". Nada del otro mundo, es cierto, pero si que se dejaba sentir una importante tendencia hacia el cine de género, que es algo, de lo que está muy necesitada nuestra industria.
Otra cosa bien distinta es "Agora". Estoy seguro que más de uno de la gala de entrega de premios se debió de preguntar en qué clase de ceremonia española se encontraba cuando una buena parte de los Goyas técnicos al film de Amenábar eran recogidos por extranjeros... Era el gran hándicap de Amenábar para este año, mucho presupuesto sí, mucha taquilla, también, pero pocos españoles, o al menos, no los suficientes. Pero a Amenábar lo quieren mucho en la Academia de Cine, demasiado, y por eso nadie se resistió a darle el Goya al mejor guión original, aunque yo se lo hubiera entregado a Fernando Trueba por su despreciada "El baile de la victoria". Habría sido un reconocimiento merecido para un cineasta de primera que no siempre, y esto es lógico, da en el clavo de la taquilla.
Por lo demás, sorpresas las justas, más allá de la presencia del laureado Pedro Almodóvar. Se dice que Alex de la Iglesia lo intentó también con José Luis Garci y Quentin Tarantino. No se puede negar que el hombre apunta alto y eso es bueno. En lo que respecta a la gala, la verdad es que no deberíamos quejarnos demasiado; una retransmisión en directo sin publicidad debe de ser algo agotador, y con alguna que otra descompensación (un vídeo que no entró, una música que no dejaba de sonar...), el conjunto se dejo ver con ligereza. Buena culpa de esto la tuvo, claro está, Andreu Buenafuente que podrá caer mejor o peor a según quien se le pregunte, pero vale la pena reconocerlo, hizo un magnífico papel como maestro de ceremonias. También se agradeció la presencia de la insustituible Rosa María Sardá, y hasta estuvo simpático el montaje que Santiago Segura presentó de "Celda 211" y ese número musical del principio de la gala donde se pusieron algunos puntos sobre las íes, aunque eso si, con bueno humor y desparpajo, para que nadie se ofendiera demasiado.
Y poco más la verdad. A Luis Tosar había que darle ese Goya, aunque su papel estuviera hecho a la medida de un actor que parece haber nacido para interpretar personajes de villano (para cuando una comedia para Tosar, ahí sí que se vería lo gran actor que es). La BSO para Alberto Iglesias también tiene su punto de contradicción, la partitura de Roque Baños era mucho más compleja, pero la sensibilidad de Iglesias y el prestigio del compositor fuera de nuestras fronteras siempre ha jugado a su favor en los Goya, y todo aunque su director fetiche, Pedro Almodóvar, nunca haya terminado de encajar con la Academia.
En suma, una estimable fiesta de promoción del cine español. Dos películas de género y taquilleras coparon todos los premios y eso también es bueno. A ver si este año se repiten las cifras del pasado aunque sin estreno anual de Amenábar, Almodovar o un "Planet 51" el asunto va a estar dificilillo. A ver si nos sorprenden con algo...

"Avatar" de James Cameron (2009)

2010-02-05T14:34:00.006+01:00

Vaya por delante que fui a ver "Avatar" con la mejor de mis disposiciones. El impresionante éxito de la película de cuyo eco están dado buena cuenta los medios de comunicación, me hizo reflexionar un poco sobre el cine de James Cameron, sobre todo sobre "Titanic", la película que menos me interesa. Echando la mirada atrás y recordando algunas de esas frases que calan en nuestra vida, llegué a la conclusión de que "Titanic" sin personajes y todo, era un film muy cameroniano en tanto era un producto en esencia, profundamente simple, pero bien construido dentro de sus parámetros de simplicidad. Es decir, no hay que pedirle mucho a "Titanic", pero lo poco, lo muy poco que ofrece, lo ofrece muy bien. Todo hay que decirlo.

De modo que con esta guisa reconciliadora me fui a ver "Avatar" y lo que es más, en 3-D (del tema 3-D ya hablaremos un día de estos). Cómo de costumbre en el cine de James Cameron (lo que demuestra que pese a quien le pese, Cameron es un director con constantes, es decir, lo que muchos llaman un autor...), "Avatar" es un film que arranca con un entorno frío y fuertemente jerarquizado, lo que aplicado al ejército siempre encaja a las mil maravillas. Un diseño de producción apabullante y un cuidado técnico impecable. Me llamó mucho la atención, eso si, que el protagonista fuera un hombre paralítico de cintura para abajo, ¿un héroe minusválido pensé yo? No...., nada de eso...

Fuera de su impresionante logística técnica, "Avatar" es una de esas películas que desde prácticamente el primer plano y conforme se va desvelando por dónde van a ir los tiros, uno intuye con bastante seguridad por dónde van a ir los tiros. De hecho, lo mejor de "Avatar" son sus primeros minutos, cuando uno aún tiene esperanzas de que el asunto sea algo diferente. A Cameron siempre se le han dado bien lo preliminares, eso hay que reconocerlo. Pero cuando la película toma posiciones y desvela sus primeras y cartas y resulta evidente, que no hay muchas más cartas que desvelar "Avatar" cae en picado.

Por momentos, la última película de James Cameron recuerda a "Pocahontas", ese ficus fluorescente resulta bastante irrisorio y en conjunto la trama no tiene mucho de donde tirar. Como digo, técnicamente la película es impecable, pero su uso y abuso de la digitalización de las cosas, tengo la impresión de que le ha afectado a Cameron y ya no tiene ese toque tan particular que tenía cuando rodaba escenas de acción real en decorados reales. Lo que ahora hace con la cámara, el montaje y los movimientos, vienen a ser lo mismo que hemos visto otras veces en otras películas de técnica similar. Pero lo peor de todo es conforme la película va entrando en su mitad final y el aburrimiento es ya una sensación bastante perceptible. Sobre todo porque en "Avatar", por más que se empeñen los fans (que los hay y por montones), no hay emoción. Cameron es un hombre demasiado frío, demasiado tecnócrata (seguro que es uno de esos directores que como Peter Jackson rueda con un portatil en la mano...) como para hacer una película sobre una etérea energía que une a la Madre Naturaleza, tal es así, que como hiciera George Lucas en la desastrosa "La amenaza fantasma" con la Fuerza, Cameron le pone nombre y apellidos a esa energía natural, poniendo en boca de sus personajes que se han detectado corrientes químicas entre los árboles y plantas del planeta Pandora. Si hablamos de una cuestión casi espiritual (que parece ser la apuesta de Cameron), justificar su existencia extirpa todo el misterior.

Lo cual, me lleva a una reflexión. Si "Avatar" ha batido todos los récords habidos y por haber, algo, necesariamente algo, debe de tener la película de Cameron. Vista fríamente si, "Avatar" tiene efectos especiales, acción y unas gotitas de romance (¿quién le habrá dicho a James Cameron que es un tío romántico?. ¡Uy..., que le dieron once oscar por una historia de amor pasada por agua...!). Vale, es cierto, pero ¿cuantas películas con similares ingredientes y técnicamente también impecables se han quedado en la parrilla de salida? Me cuesta mucho trabajo entender cómo es posible que un film tan mediocre como "Avatar" pueda generar semejante cantidad de público y que conste, que no quiero tratar con desprecio al elemento más importante de la industria cinematográfica (sin público, no habría cine). No entiendo eso fans enganchados a la película que necesitan verla una y otra vez para regresar constantemente al imaginario mundo de Pandora, que tampoco es que ofrezca demasiadas novedades. No lo entiendo. Tal vez, forzando la maquina, todo venga del descontento existencial, de la generación "Ni-Ni", que no encuentra o no le quiere encontrar motivos para hacer nada palpable y que encuentran en una película como "Avatar" un objetivo y un motivo por el que vivir, sin molestarse en buscarlo y en identificarse con él. El cine incita a la empatía, se da por su puesta y muchos, da la impresión, acceden encantados. ¿Será eso?

Con la mirada en "Drácula"

2009-12-04T11:50:00.008+01:00

Como iba diciendo...

Fui sincero. Nada más empezar dije, "lo estuve pensando seriamente, no sabía si decirlo hoy aquí, pero voy a decirlo, a mi no me gusta Crepúsculo". La idea de mi buen amigo Antonio Rentero era la de animar el ambiente justo el día antes del estreno de "Luna Nueva", que en un principio se iba a estrenar el día después de la charla-coloquio (posteriormente se cambió la fecha de estreno de "Luna nueva"), pero la verdad es que yo soy de los que en todo caso, hubiera proyectado "Déjame entrar", que me parece la verdadera sorpresa de la temporada. Pese a todo, les dije a la escasa -y agradecida- decena y pico de asistentes (ya se sabe que a estas cosas nunca va nadie salvo que uno se llame Arturo Pérez Reverte y como no es mi caso...), "pero no se preocupen, aunque ahora vayamos a ver Crepúsculo verán como después le podemos sacar punta al asunto". "Crepúsculo" tiene una cuestión muy interesante y además un momento muy divertido, para mi, el mejor de la película, la escena en la que la familia de vampiros le prepara la cena a Bela, "nos has dado una excusa para estrenar la cocina" dice uno de los vampiros. Esto está muy bien, porque ejemplifica muy bien una cuestión que no siempre se ha reflejado del todo en la gran pantalla, la necesidad imperiosa de los vampiros de confundirse, de mezclarse con la sociedad. En "Drácula", la novela, en un pasaje de sus primeros capítulos, Harker le dice al vampiro, "habla usted muy bien inglés" y Drácula le contesta, "no lo suficiente, aún se percibe por mi acento que soy extranjero, no quiero que la gente en Londres perciba que no soy inglés". Drácula no quiere llamar la atención, muy al contrario, se quiere fusionar con la sociedad londinense, para corromperla desde dentro. Y si la primera cuestión (la necesidad del vampiro de querer confundirse con la sociedad contemporánea) se ha entendido a las malas, la de corromper la moral ha sido una cuestión todavía más peliaguda de entender y no digamos, de aplicar.

Mi buen amigo Antonio Rentero, haciendo de un oportuno cuestionario para la ocasión, me preguntó por qué en "Crepúsculo", se insiste en esa variante "romántica", "enamoradiza" del vampiro, cuando según lo expuesto antes, un vampiro no es así. Yo de entrada, tengo que admitirlo, le eché la culpa a "Drácula de Bram Stoker" de Francis Ford Coppola. Ese vampiro que atravesaba océanos de tiempo creo que le hizo mucho daño al personaje, sobre todo a aquellos que no ha leído la novela original (que son muchos) y que creen que la obra de Bram Stoker es una historia de amor... Llegados a este punto, retomé el concepto original del romanticismo, como esa corriente existencial que nada tiene que ver con una quinceañera mirando con cara de boba a la Luna y si mucho con un atávico miedo a lo desconocido. Y el Drácula de Stoker es precisamente eso, y mucho más que eso. Se ha escrito mucho sobre la novela y sus virtudes tanto, que hay quien pone en serias dudas que la escribiera Bram Stoker, cuyas otras obras no alcanzan los niveles de calidad de "Drácula" ni de lejos. "Drácula" no sólo era una personificación del miedo romántico del hombre a lo desconocido (por aquellos años del Londres victoriano, Rumanía era poco menos que el inframundo y si lo pensamos un poco, lo cierto es que aún lo sigue siendo) sino una evidencia de determinadas obsesiones muy propias del hombre. Porque, y esto es importante, "Drácula" es una obra profundamente machista y por extensión, sus mejores adaptaciones, también lo son. Estos nos condujo ha otra cuestión, ¿cual es la mejor adaptación que ha tenido la novela de Stoker? Yo lo tengo claro. Las de Terence Fisher para la Hammer (en la imagen). Aquellas películas fueron las primeras que destaparon el poso profundamente sexual que nadie quiso, supo, se atrevió o pudo ver en su día. De hecho, la imagen que tenemos del Drácula "sexualizado" (como esos ojos inyectados en sangre o la propia presencia de los colmillos) se lo debemos precisamente a las películas de la Hammer, puesto que antes, Murnau mostró al vampiro como un ser animalizado y la Universal como un gentelman demasiado exquisito para provenir del infierno.

En fin..., cómo digo, la cosa dio y daría para mucho. Después la charla se extendió con unas cervezas de por medio. Cosa fina.., un día memorable.

Vampiros, literatura y cine...

2009-11-30T18:20:00.004+01:00

Aunque no soy muy dado a publicitarme, ya que tengo un blog creo que es lo mínimo que debería hacer...

El próximo jueves, tres de diciembre, un servidor expondrá sus conocimientos sobre vampiros, literatura y cine en la Biblioteca Regional de la Región de Murcia, a eso de las siete, si no recuerdo mal. La charla entra dentro del ciclo Biblioteca de Cine que está coordinando mi buen amigo Antonio Rentero, de modo que todos los amigos, interesados y demás desocupados, os espero ahí...

Un saludo y a ver que sale.

"Miedo en la noche" de Jimmy Sangster. 1972

2009-11-26T20:14:00.003+01:00

La legendaria productora británica Hammer Films no se alimentó sólo de monstruos clásicos. A finales de los sesenta, y muy especialmente en la década de los setenta, cuando aparecieron películas como "Psicosis", "La noche de los muertos vivientes" o "El exorcista", la Hammer entendió que los monstruos habían dejado de dar miedo. El principal responsable de re-encauzar los derroteros de la productora británica fue Jimmy Sangster, un prodigio de ascensión en una empresa (empezó como botones) que terminó escribiendo los guiones de las películas que situaron a la Hammer en la cabeza del cine de terror de los 50 y buena parte de los 60.

A Sangster, particularmente, le desconcertó (para bien) "Psicosis", ese terror psicológico que impregnó todo el film de Hitchcock ya rondaba los guiones de Sangster, aunque fuera de forma solapada y maquillada por figuras como Drácula o Frankenstein. Pero el éxito de "Psicosis" dio la razón a Sangster, el público pedía un terror más cercano, más plausible, más posible de manifestarse en el salón de tu casa que en un castillo remoto de la lejana Transilvania. Jimmy Sangster ya había tratado de darle forma a las obsesiones del subconsciente pero no le terminaban de salir. No fue hasta el éxito de "Psicosis" cuando la Hammer dio carta blanca al guionista y también director ocasional.

"Miedo en la noche" nos cuenta la historia de Peggy, una joven casada con un prometedor profesor que una noche es atacada por un misterioso hombre manco. Nadie termina de creerla, pero Peggy insiste en su versión. Ella y su marido se trasladan a vivir a las afueras de Londres junto a un majestuoso colegio regentado por Michael Carmaichel, un portentoso Peter Cushing que se come con patatas cada escena en la que hace acto de presencia. Se da la circunstancia de que al habitual estremecimiento que provoca la sola presencia de Cushing, Carmichael es manco...

Lo cierto es que Jimmy Sangster se toma su tiempo para presentar a los personajes y situarlos en su escenario. Se agradece la templanza y el tempo con el que Sangster rueda las escenas, por más que se empeñe en introducir algún que otro molesto zoom. Sangster vuelve a demostrar que además de ser un estupendo guionista, en su director con ideas. En general "Miedo en la noche" se deja ver muy bien, no aburre y si que inquieta, lo que no es poco. Además Sangster tiene algunas ideas visuales ciertamente admirables, como ese plano de apertura del film, el mismo plano que cierra la película, o esas gafas agujereadas de Carmaichael... Es cierto que a la película le falta empaque, algo más de tensión, pero su trama resulta lo suficientemente inquietante como para disfrutar de un film de la Hammer alejado de Drácula y Frankenstein.

"Pagafantas" de Borja Cobeaba. 2009

2009-11-22T10:42:00.001+01:00

Aprovechando el tirón de la serie de televisión "Cuestión de sexo" y sobre todo de la simpatía de su personaje Gonzalo, el joven actor vasco Gorka Otxoa se lanza a la aventura del cine con su primera película como protagonista absoluto, "Pagafantas", un relato pensado, no por casualidad para explotar, precisamente, esa variante ingenua y un poco simplona de su personaje en "Cuestión de sexo". El autor del invento no es otro que Borja Cobeaba, un joven director, también vasco, hijo de la generación de los licenciados en Comunicación Audiovisual (ósea, de la mía), guionista y realizador de diferentes programas de televisión, director del corto "La primera vez" nominado al Goya y "Éramos pocos", nominado al Oscar, pero no al Goya esta vez...

Para Cobeaba "Paganfantas" también era su ópera primera y como tal, no me extraña que la abordara calculando los riesgos al máximo y maximizando en todo lo posible sus posibilidades comerciales. La intención está clara, y se nota. "Pagafantas" cuenta la eterna historia de amor no correspondido aunque desde una óptica muy particular que además, muchos de nosotros hemos experimentado en nuestras carnes, estar enamorado de una chica que nos considera su mejor amigo pero...., nada más. Un putada, créanme, se de lo que hablo... Como digo, la propuesta tiene su gracia, Gorka Otxoa sigue en su rol y resulta simpático porque la verdad es que tiene cara de ser el pringado que nos relata la película (que no digo que lo sea en absoluto). Por su parte, Sabrina Garciarena, muy guapa ella, eso si, poco puede hacer con un rol que le exige más bien poco, pues eso, ser guapa y simpática.

"Pagafantas" es un buen ejemplo del algunos de los mejores ejemplos que tenemos en el cine español, es decir, gente bien formada, que sabe lo que se hace, pero que por alguna razón no lo logra reflejar en la pantalla. Por ejemplo, no hace falta ser ningún lumbreras para advertir que el punto fuerte de "Pagafantas" está, dejando a un lado a Gorka Otxoa, en su guión, en sus ocurrencias. El texto no está mal escrito, pero dista mucho de ser brillante; tiene a sus personajes completamente descuidados (que estemos ante una comedia no significa que tenga que estar protagonizada por pasmarotes), su trama resulta previsible y sus diálogos no son ningún prodigio. La película, justo es decirlo, cumple sus objetivos, eso también es verdad (uno puede ver "Pagafantas" de un suspiro, lo que no es poco), pero con un nivel muy bajo. Prometedor no obstante, porque hay mala uva en la cabeza de Cobeaba y eso siempre es de agradecer en la comedia y se aprecia también un intento, moderado, pero intento al fin y al cabo, de evitar ciertos tópicos, aunque no todos, claro.

Y todo esto que suele implicar, pues que muchas de las películas que surgen de nuestra maltrecha cinematografía cuenten con un guión bueno, moderado o excelente, pero con un cuidado escénico muy, muy pobre. Da la sensación de que Borja Cobeaba y su co-guionista Diego San José es de esa generación e jóvenes guionistas a los que algún insensato a convencido de que el guión es lo más importante y como tal, debe de ser de hierro antes de rodar un sólo plano. Llama la atención que semejante discurso haya calado tanto en las universidades de este país y que dos personajes tan dispares entre sí como Luis García Berlanga y John Lasseter suelten una risotada cuando alguien les menciona el término "guión de hierro". No caballeros, el cine es arte y como tal, no se puede comprimir ni medir como al hierro. El cine es también, o sobre todo, imagen en movimiento, y eso es lo más descuidado de muchas películas de nuestro cine, una de ellas, "Pagafantas". Hay en la película de Cobeaba una pequeña persecución a una motocicleta; la escena está muy mal montada. Mucho. Pero es que además hay poca intención visual, escasa aproximación fílmica a los personajes, todo resulta demasiado plano, seco, sin alma, sin vida, como si la película hubiera dado igual quien la hubiera filmado. Una pena, porque como digo, yo creo que había material en "Paganfantas" para hacer una muy buena película.

"Diario de los muertos" George A. Romero. 2007

2009-11-17T13:06:00.006+01:00

Parece ser que George A. Romero no quedó del todo satisfecho con su anterior "La tierra de los muertos", según parece, la Universal, que financió el asunto, no dejó toda la libertad a Romero que el realizador hubiera querido. Cosas de Hollywood supongo, porque el film, con sus inconveniencias y todo, era de lo mejor que había filmado Romero desde lo tiempos de "Martin", allá por 1977. El caso es que Romero, ni corto ni perezoso, se fue a una productora independiente y ahora que los zombis, y por tanto su nombre, vuelven a estar en el candelero, el hombre se propuso empezar de cero con una película que fuera un nuevo comienzo de la consabida epidemia de zombis y no una secuela de "La noche de los muertos vivientes" como lo fue "La tierra de los muertos". Una novedad de entrada, interesante. Segunda novedad, ser una de esas películas filmadas con cámara en mano, es decir, desde el hipotético punto de vista subjetivo de uno de los personajes que no deja de grabar pase lo que pase. ¡Horror!, pensé yo. No es que no me gusten este tipo de películas, soy de los pocos que defienden con uñas y dientes "El proyecto de la bruja de Blair" y como supongo que a todo el mundo, me gustó mucho "[REC]", pero esto no quita que el recurso en si me produzca cierto escepticismo, así de entrada. La propuestas, formal y dramáticamente, se sostiene con hilos, nadie se cree que alguien esté grabando hasta la angustia en según que circunstancias. Además se está extendiendo la moda y eso nunca es del todo bueno (se harán por tanto películas buenas y otras no tanto) y de hecho, ya vi hace unos meses precisamente un film de zombis filmado cámara en mano que me dejó bastante frío. Por tanto, una cuestión fundamental, George A. Romero se suma a una moda que no conoce.

Sin embargo y contra todo pronóstico, "Diario de los muertos" termina resultando un film ciertamente solvente aunque esté muy lejos de los logros de "La noche de los muertos vivientes" (por infinidad de razones, contexto sociocultural, frescura de su realizador, circunstancias de producción...). Fundamentalmente por una cuestión, creo yo, y es que Romero se ajusta a las exigencias dramáticas de un tipo que se supone está rodando toda la película cámara en mano lo justo. Es decir, no vale la pena preguntarse por que se cambia de plano en determinados momentos o por qué un tipo se supone que graba esto o aquello, porque el personaje que se supone está grabando todo lo que acontece no tarda en ser asimilado por Romero, y es entonces cuando "Diario de los muertos" realmente funciona. Es entonces cuando la película consigue verdaderamente crear inquietud, atmósfera, suspense y todo aunque Romero juegue con fuego cuando filma una escena que uno de los personajes ha criticado nada más empezar la película, uno de esos tópicos infalibles de todo film de terror que aquí Romero reproduce y sobre el que parece vertir cierto tono reflexivo.

Es lo bueno que tiene esta película, porque por una vez George A. Romero, desde hace mucho tiempo, se permite ir más allá del mero juego del horror y plantear una aproximación al fenómeno zombi con cierta poso intelectual detrás, o mejor, reflexivo. No demasiado no crean, pero bueno, menos da una piedra. Algo que por otro lado tampoco me extraña, porque lo cierto es que Romero lleva filmando películas de zombis media vida (aún tiene pendiente de estreno en España de su siguiente película sobre el tema "Survival of the Dead" que se estrenó en Sitges) y parece lógico que de vez en cuando el director de "La mitad oscura" se detenga unos segundos y reflexione, aunque sólo sea un poco, sobre lo que está haciendo. Además, la excusa de estar grabando todo lo que ocurre a manos de uno de los personajes, le permite también que Romero ahorrarnos determinadas escenas a todas luces superfluas (el asalto de los soldados a los protagonistas) sin que esto afecte en absoluto al resultado final, muy al contrario, lo beneficia. Cosa rara viniendo del director de la aburridísima "El día de los muertos". Bueno, nunca es tarde para madurar...

"Los hombres que no amaban a las mujeres" de Neils Arden Opley (2009)

2009-11-06T11:22:00.007+01:00

Me debo estar haciendo viejo. No sólo no me entero de los últimos acontecimientos cinematográficos hasta que los tengo encima sino que además, cuando los tengo delante, no entiendo a que viene tanto revuelo. Esto es lo que me ha pasado con "Los hombres que no amaban a las mujeres". Empecé a leer la novela, alguien me dijo que me iba a gustar, pero tras cien páginas decidí que no iba a esperar más para ver la película, no por nada, sino porque aquel libro no me estaba terminando de enganchar. Vista la película, creo que voy a dejar a un lado la novela de Steig Larsson.

Y no es que "Los hombres que no amaban a las mujeres" sea un pestiño, el film se deja ver y se puede seguir con moderado interés, pero nada más. De hecho, la película de Arden Opley resulta un tanto mecánica, plana, cercana al telefilme. Da la sensación de que le falte pasión, personalidad, por lo que todo termina resultando demasiado lineal, sus actores, su guión, su trama, sus tópicos. De este modo, "Los hombres que no amaban a las mujeres" sospecho que es uno de esos fenómenos de aeropuerto, fruto de un libro que se debe beber con facilidad (generalmente en los aeropuertos, trenes o terrazas veraniegas), de un esquema calcado de los clásicos americanos y que por extensión ha entrado con suma facilidad en el resto de los países del globo.

En suma, nada nuevo sobre el horizonte, el cine sueco sigue de momento donde estaba. Algo más rico, eso si, pero donde estaba.

"Cinco tumbas al Cairo" de Billy Wilder. 1943

2009-11-03T08:11:00.005+01:00

Con esta película me pasaba algo muy curioso, que no sabía si hacía tanto tiempo que la había visto que la había olvidado o si es que realmente, era una de las escasas películas de Billy Wilder que no había visto aún. En cualquier caso, el otro día, no se todavía del todo, si la volví a ver o la vi por primera vez. En fin..., tampoco importa demasiado. "Cinco tumbas al Cairo" es una película que se sitúa entre dos obras importantes de Billy Wilder, "La mayor y la menor", su ópera primera y "Perdición", su primera Obra Maestra. Entre ambas, busca su espacio como buenamente "Cinco tumbas al Cairo" un film que ha sobrevivido al paso de los años como una obra menor del genial Wilder. El director de "Con faldas y a lo loco", que como casi todo director que se precie de trabajar en Hollywood, tocó casi todos los géneros (salvo el terror y la ciencia ficción), penetró de lleno en el cine bélico con su segunda película como director, empresa delicada donde las haya. Basada en una obra teatral, "Cinco tumbas al Cairo" fue fruto del primer gran colaborador con el que trabajo Wilder, Charles Brackett, con quien prolongaría su colaboración hasta "El crepúsculo de los dioses", a partir de cuyo momento Wilder comenzaría a trabajar con su otro gran aliado, I.A.L. Diamond.

En cualquier caso lo cierto es que "Cinco tumbas al Cairo" sea la obra de un consumado guionista y de un director novato (ambos en una misma persona), lo cierto es que el film ofrece con bastante precisión algunos apuntes ya, típicamente wilderianos. Y tal vez, su particularidad más patenta sea lo bien equilibrada que está la película que nunca se termina de tomar así misma en serio pero que en cambio, si que funciona muy bien como producto de suspense. Es decir, en "Cinco tumbas al Cairo" hay de todo lo necesario para que el film funcionara en las taquillas de la época, suspense, acción, héroes y villanos, secundario cómico y unas gotitas de romance, amén de un regusto propagandístico que imagino, vendría con los años que se atravesaban por aquel entonces. De hecho, en su día el film fue duramente criticado, por tomarse tan a la ligera un acontecimiento tan dramático por aquel entonces como la II Guerra Mundial. Pero lo cierto es que "Cinco tumbas al Cairo" no era más que un sanísimo entretenimiento que además, gozaba de una importante honestidad.

La presencia de Erich von Stroheim (en la imagen) no sólo la da al conjunto un empaque inusual para un film de novato, sino que además revela por parte de Wilder, un profundo respeto por el militar alemán, con ente abstracto, valiente y muy hábil alejada de ese tópico que presentaba a los militares germanos como ineptos y de paso, haciendo un significativo matiz, Wilder detestaba a los nazis pero no los alemanes y por extensión, tampoco a los militares alemanes en su conjunto, que en suma, sólo obedecía órdenes.

En cualquier caso "Cinco tumbas al Cairo" es un de esas película que cuando veo, o vuelvo a ver, no hace sino confirmarme la desconcertante infalibilidad de Billy Wilder. Me quito el sombrero, me asombra poderosamente comprobar como Wilder podía abordar casi cualquier tema y salir indemne (la foto de ahí arriba no es casual, claro...). Y todo, porque además, "Cinco tumbas al Cairo" es un film muy fácil de ver y apasionante de disfrutar con una intriga muy bien construida, un desarrollo interesante y un final sorprendente. Tal vez sea una muestra menor de lo que vendría a ser el genio de Billy Wilder años después, pero en cualquier caso, una muestra genial.

"Cleaner" de Renny Harlin. (2007)

2009-10-28T13:01:00.001+01:00

Ver una película de Renny Harling es, por definición, una temeridad. Aunque bien es verdad que al menos a mi, es un tipo que me resulta simpático. A mi modo de ver Renny Harling es el perfecto ejemplo de director malo, pero entretenido. Sus propuestas, de descabelladas e hilarantes, terminan por resultar divertidas. Es curioso. Michael Bay se cree demasiado su propia seriedad, pero es como si Harling fuera consciente de que no puede ir más allá. Según tengo entendido no esto lo que precisamente, pasa por la cabeza del director de origen finlandés, pero ahí están sus descacharrantes películas para comprobarlo. Luego, también es verdad una cuestión. Con todo lo malo que es Renny Harling, bien habría que romper una lanza en su favor a propósito de "El exorcista. El comienzo". No quiero decir que la versión de Harling sea mejor que la de Paul Schrader, media un abismo entre ambas, pero también es verdad que Harling se hizo con las riendas de un proyecto ya empezado, ido de presupuesto, con las prisas en los talones, que tenía que llevar a buen puerto. No hizo una gran película, es Renny Harling, pero si que salvó los muebles con moderada dignidad, lo que no es poco viniendo de un producto de encargo de las características de "El exorcista. El comienzo" y de un realizador como Harling, que si te despistas te hace un "Driven" y se queda tan pancho el hombre.

Dicho esto, "Cleaner" es una película de suspense filmada en 2007 por Renny Harling tras el desaguisado aquel que fue "La alianza del mal". Pues bien caballeros, contra todo pronóstico, "Cleaner" está bastante bien. Fundamentalmente porque pese a ser una película de Renny Harlin el guión no le brindaba al director finlandés una sola oportunidad para que pusiera en marcha toda su arrolladora maquinaria de efectismo fílmico. "Cleaner" es básicamente una película de diálogos, vagamente hitchckociana que nos cuenta la historia de un limpiador de escenas de crímenes que es utilizado por no se sabe quien, para limpiar la escena de un crimen encubierto.

Harling, contra todo pronóstico, insisto, lleva la historia con soltura y dotándola de cierta solidez interna, sobre todo por un guión (obra del hasta ahora desconocido Matthew Aldrich) que se preocupa, aunque sólo sea un poco por sus personajes, logrando crear la ilusión de que estos, son algo parecido a seres humanos. De este modo, "Cleaner" se deja ver con asombrosa fluidez viniendo de quien viene, no chirría y además, ofrece algún que otro hallazgo visual. Y es que el film de Harling es una película extrañamente contenida, en sus propuestas, en sus aspiraciones, hasta Samuel L. Jackson no pega un sólo grito y bueno, también es verdad, que ahí está Ed Harris, que este hombre siempre hace mucho allí donde interviene. Una agradable aunque contenida sorpresa. Lo digo porque nadie vaya verla con la botella de champagne en una mano y los cohetes en la otra...

Censura

2009-10-24T21:33:00.004+02:00

Resulta que "Saw VI" es tal apología de la violencia que únicamente se va a proyectar en salas X. Imagino que el asiduo a este tipo de salas se detenga un minuto antes de meterse a una proyección que según nuestro Gobierno podría traumatizar a cualquiera. Me he sentido muchas veces tentado a escribir sobre cuestiones políticas, pero me he mordido la lengua, hasta ahora... Clama al cielo que una ministra de cultura como la que tenemos sea quien es y que luego se diga que el cine español no está politizado. Clama al cielo y a todos los santos que una -hipotética- profesional del cine como Ángeles González-Sinde ose apoyar la censura de una película tan banal y vacía como "Saw VI" sin haberse parado a pensar ni por un momento, que semejante medida sólo va acrecentar la curiosidad por verla. Yo me quedé en "Saw III", y creía que ya había visto bastante, pero caballeros, yo veré "Saw VI". Necesito saber que es tan extraordinariamente dañino para la sociedad, que ha revuelto el alma de nuestro ministerio de Cultura, qué ha provocado que la creatividad de un cineasta se vea sesgada por una decisión tan desconcertante.

Pero todavía me llama más la atención si cabe, que semejante medida venga de un Gobierno que se jacta de su progresismo y que mira a la oposición como una pandilla de retrógrados anclados en el pasado. No voy a entrar en comparar qué películas eran o han sido explícitas apologías de la violencia ("Asesinos natos") y no ha pasado nada con ellas, porque lo verdaderamente preocupante del asunto es el mero y simple hecho en si.

Caballeros del ministerio, ustedes han decidido por toda España que esa película no debe consumirse de forma masiva. ¿Por qué? Pues porque deben pensar que si cualquiera puede salir de ver "Saw VI" con ganas de torturar al vecino de enfrente. Sin embargo, las tardes de todos los días continúan salpicadas de mierda televisiva, nociva hasta el asco para cualquier niño que se le ocurra poner el canal equivocado a horas tan descabelladas como las cinco de la tarde. Nadie objeta que el otro día viera una felación en plena calle en uno de esos programas, o que un personaje de dibujos animados dijera a las dos y media de la tarde "te voy a dejar el chichi en carne viva" ("Padre Made in USA"). No, es mucho más peligroso una idiotez sanguinolenta como "Saw VI". Me gustaría a mi saber qué piensa Ángeles González-Sinde de películas como "Posesión infernal" o "Briandead", si las ha visto, o eso es basura indigna de mancillar sus preciosos ojos al lado de las descomunales obras maestras que todos los años se hacen en España.

Es un gesto muy peligroso censurar una película, sea cual sea. Es un primer paso, un primer paso para volver atrás. Para acercarnos más a esas sociedades como la norteamericana que tanto criticamos, que clasifica X "Cowboy de medianoche" y nosotros nos escandalizamos. Que yo sepa "Saw VI" se ha estrenado en USA sin problemas, ¿no, o me equivoco? Ahora, eso si, ¿sexo?, todo el que quieran, eso si, con eso no hay ningún problema. Ahí está Bigas Luna, que seguramente a estas alturas ya esté filmando el culo de Elsa Pataki.

Estas cosas me dan vergüenza.

"Los sustitutos" de Jonathan Mostow. 2009

2009-10-23T10:31:00.001+02:00

A mi esta película me ha dejado un par de cosas muy claras. La primera, que Jonathan Mostow, que era un directo muy simpático, artífice de entretenimientos tan sanos como sencillos como "Breackdown" y "U-571", y que desde "Terminator 3" lleva un caída en picado que "Los sustitutos" no hace más que confirmar. Y se preguntarán ustedes, ¿cómo he llegado yo a esta conclusión? Pues en el fondo es muy sencillo. Primero, Mostow era un director que escribía sus propios guiones. "Breackdown" y "U-571" no eran un prodigio de escritura cinematográfica, pero eran películas apañadas, bien construidas, bien articuladas. Y segundo, Jonathan Mostow es, o era, un director que filmaba con cierta percepción sobre el montaje. Esto además, es algo que se suele ver muy bien en las denominadas set pieces, es decir, aquellos momentos álgidos de cada película. Mostow filmaba con apego, con conocimiento de causa. Para comprobar esto, sólo hace falta comparar cualquier escena de acción de "Breackdown" o "U-571", con cualquier escena de acción de "Terminator 3" o "Los sustitutos". ¿Qué ha pasado entonces? ¿Qué extraño virus ha afectado a Jonathan Mostow? Pues bien, sin ser pitoniso, yo se lo diré? Hollywood. El Hollywod más peligroso.

Visto lo visto, tengo la impresión de que a Mostow le dieron un telefonazo después de comprobar que tanto "Breackdown" y "U-571" fueron películas muy majas y que por definición, no lo serían otras películas de Mostow. Ahora bien... Primer problema, a Mostow le dieron unos guiones hechos con un nivel del intervención, sospecho, que bien escaso. Y segundo y más importante aún, Mostow fue, filmó sus escenas, y se volvió a casa. Esto se puede comprobar con asombrosa claridad en la planificación de las escenas de acción. Las escenas de acción de "Breackdown" y "U-571" estaban muy filmadas, pero las escenas de "Terminator 3" y "Los sustitutos" parece que las ha rodado Perico el de los Palotes. No hay ningún tipo de intención narrativo ni muchísimo narrativa. Es celuloide positivado, sin un ápice de pasión, de interés de nada... Esas escenas no las ha podido filmar el mismo director de "U-571" o mejor aún, no las ha podido montar el mismo director. O dicho de otro modo, que tanto "Terminator 3" como "Los sustitutos" fueron películas en las que el director fue contratado por uno estudios para que rodara el film para que después fuera montada bajo la supervision de los productores y ahí termina la autoría del director de una película en el Hollywood más perverso.

Esto implica varias cosas. Que a este paso, Jonathan Mostow terminará filmando series de televisión, que dando luz verde a este tipo de proyectos, no me extraña que lo estudios estén en números rojos porque a ver, ¿qué tenía "Los sustitutos" sobre el papel?; a Bruce Willis, efectos especiales y un punto de partida interesante. Todo lo demás, créanme, es pura basura.

"Señales del futuro" de Alex Proyas. 2009

2009-10-17T15:18:00.008+02:00

Tiene uno de esos puntos de partida absolutamente intrigantes. Un curioso ejercicio de clase provoca que llegue a manos de un astrofísico una sucesión numérica, aparentemente sin sentido, que una vez desentrañada, parece apuntar algunas de las catástrofes más importantes de la historia del hombre y lo que es más, señala tres catástrofes más cuando el astrofísico en cuestión da con el papelito de marras. Tela...

El asunto además gana puntos porque detrás está Alex Proyas, un director de tendencias peligrosas, responsable/culpable de la inefable "El cuervo", pero que expió todos sus pecados, fundamentalmente con "Dark City" y luego también, hay que admitirlo, con "Yo, robot", que con Will Smith y todo, la película estaba muy bien para lo que era, un producto de acción para el lucimiento de Smith.

A mi, visto lo visto, Alex Proyas me parece algo así como el hermano menor de Zack Snyder. Un director de tendencias modernillas, juguetón, aficionado a los fuegos artificiales, pero también, con un mínimo de inquietudes. Yo creo que Snyder tiene más inquietudes que Proyas, que es más arriesgado.

Dejando a un lado el generoso problema que implica la cada vez más molesta presencia de Nicolas Cage (¡por dios, que se cambie ese corte de pelo!), "Señales del futuro" es una película que se deja ver muy bien, intrigante, que conforme va avanzando va dejando al descubierto sus intenciones más cercanas a la ciencia ficción (el género que sospecho, más le interesa a Proyas) que a las paranoias existenciales tipo "23" (por cierto, ¡que estropicio de películas!). El film,

discurre con fluidez, no hay grandes hallazgos escénicos, ni grandes muestras de puesta en escena, en realidad, Proyas nunca ha destacado por esto. Lo que más interesa del cine de Alex Proyas son sus propuestas sobre el papel y como mucho, su conexión atmosférica, que es lo que tenía "Dark City". Tema y atmósfera visual estaban muy bien conexionadas. En "Señales del futuro" el asunto ya no está tan claro. En general es una película bastante convencional, lo único que llama la atención son, en todo caso, el principio y el final, que desvelan unas intenciones quizá, un pelín pretenciosas por parte de su director, algo así como pretender ser el Stanley Kubrick del siglo XXI. El hombre quiere, a veces surgen milagros como "Dark City", pero no le terminan de salir. Ese final de "Señales del futuro" suena a pretencioso y lo que es peor, no llega a calar.

Otro problema que tiene Proyas es que se deja seducir demasiado por las virtudes de la tecnología digital. Hay escenas, tan vistosas y a la vez, tan vacías, que ponen en evidencia las acartonadas intenciones del director. A veces parece, que sólo es eso lo que le interesa. Ese es el gran problema de esta película, que en ocasiones pone en evidencia lo mucho que le interesan los efectos visuales, poniendo a la altura del betún cualquier tipo de aspiración dramática. Ahora bien, no nos engañemos, "Señales del futuro" no es más que eso, distracción visual y poco más. Admite un disfrute adicional por que tiene un tema interesante, eso es lo que tiene Proyas, y porque hay cierta conexión entre su puesta en escena y su tema central.

En suma, película entretenida, cuyo final defraudará a algunos y quizá entusiasmará a otros, pero en cualquier caso un largometraje que no provoca la sensación de haber tirado por el retrete dos horas de nuestra vida.

Por cierto... Alex Proyas prepara otra aproximación al mito de Drácula. La idea es filmar un relato que combine la historia real de Vlad el Empalador histórico y las aventuras del Drácula literario. "Dracula. Year One". Tela...

"Mar adentro" de Alejandro Amenábar. 2004

2009-10-14T08:44:00.006+02:00

Cuando todo el mundo aplaude al unísono una misma película, es que algo huele a podrido, y no precisamente en Dinamarca. Yo siempre he dicho que la realización de una película como "Mar adentro" en un director como Alejandro Amenábar era como cuando Spielberg quiso ponerse serio y le salió "El color púrpura", después lo intentó de nuevo con "El imperio del sol", siguió erre que erre con "Always", hasta que llegó "La lista de Shindler" o "Inteligencia Artificial" sin antes, volver a tropezar con la misma piedra en "Amistad". O dicho de otro modo, si a Alejandro Amenábar le dan quince goyas y un Oscar por "Mar adentro", ¿cuando el hombre madure qué le van a dar? Porque, ¿alguien cree de verdad que Alejandor Amenabar a hecho su gran película? Yo no lo creo, en absoluto, aún es muy joven, aún le queda recorrido para llegar a su particular "Vértigo" o a su personal "Apolipsey Now" por más que aquí lo adoremos como maná caído del cielo.

En realidad, esta adoración generalizada en torno al cine de Amenábar viene, creo yo, de lo escasamente atractivo que le resulta al gran público el cine español en general. Y no es que lo diga yo, es que lo dicen las cifras todos los años. Cada vez menos gente ve cine español, el Gobierno sigue inflando las subvenciones, pero el público no ve cine español. Supongo que fundamentalmente, porque le aburre.

Entonces aparece Amenábar, un joven director que ha bebido cine de Hollywood desde que tuvo conciencia de su propia existencia y traslada sus modelos a España, "Tesis", "Abre los ojos", "Los otros" y desde luego, "Mar adentro". Por eso también, Hollywood le dio un Oscar, porque la película sigue al dictado las estructuras, las formas y los esquemas de la Tierra de los Sueños. Su planteamiento, sus pasajes intimistas en combinación con las ensoñaciones de Ramón Sanpedro, sus movimientos de cámara, su música (del propio Amenábar), todo, esta extraído de los modelos hollywoodienses. Y nosotros mientras, faltaría más, lo laureamos como nuestro tesoro más preciado sin reparar en el hecho de que el cine de Amenabar se alimenta de Hollywood, y no de España. Pero eso da igual, da dinero, y eso es lo que nos importa.

Y es una pena, que "Mar adentro" se articule en torno a modelos de Hollywood, porque a la película le hubiera venido mucho mejor una planificación más naturalista, menos cinematográfica, para un film con un elenco de actores insuperable (con la excepción de una moderada Belen Rueda) que le aporta a la película un tono costumbrista verdaderamente asombrosos y que hubiera podido calar mucho más hondo si Amenábar hubiera mantenido las distancias, hubiera calmado su cámara, hubiera filmado con una planificación más realista, planos más abiertos, más inestables, menos cuidadoso todo y algo más intuitivo, aunque hubiera sido en apariencia.

De este modo, a mi modo de ver las cosas, "Mar adentro" es un film hábil, muy hábil, como todo el cine de Amenábar, pero facilón. Su lágrima fácil se impone ante una historia tremenda que además aboga por cuestiones muy peliagudas con demasiada ligereza. O dicho de otro modo, que a Amenábar, como a "Mar adentro" le falta complejidad, densidad, lecturas, excitación, y no todo lo contrario.

"Watchmen" de Zack Snyder (2009)

2009-10-05T08:25:00.004+02:00

No había visto yo "Watchmen" de Zack Snyder, cacareada superproducción de Hollywood de más de 130 millones de dólares que recaudó en todo el mundo poco más de 185 millones, poco, muy poco, para un largometraje de este calibre. Y lo cierto es que no me extraña, una vez vista la película de Snyder, porque "Watchmen", más allá de la carnavalescas apariciones de sus superpersonajes, es una película muy inusual. Los que me conocen saben que no soy ningún erudito del mundo de los cómic, pero a juzgar por las versiones que han sido llevadas al cine de sus novelas gráficas ("Desde el infierno" y "La liga de los hombres extraordinarios"), "Watchmen" es de lejos la más atípica y arriesgada. Y arriesgada es también, muy arriesgada es el film de Zack Snyder.

La verdad es que mientras estaba viendo la película por momentos tuve la sensación de estar viendo una obra maestra, una sensación de estar ante una producción casi vanguardista en su género pero entonces pasó algo, esencialmente pasaron dos horas y tres cuartos de metraje. Mucho. Pese a todo, me dejó un buen sabor de boca, de esos regustos que aguardan en el paladar hasta un segundo visionado, y esto es algo que no suele pasar todos los días.

Tengo la sensación de que "Watchmen" es en última instancia una película desequilibrada por sus aspiraciones, por su constante intento de configurarse como una obra cumbre por derecho propio, un pelín excesiva, sobre todo en sus formas, que a veces sobrepasa su discurso, tan trasgresor en ocasiones como convencional en según que momento. Lo que lleva a mi particular preocupación sobre el film en particular y su director Zack Snyder. Me preocupa Snyder, me preocupa que me esté tomando el pelo, si señor. No se si el director de "300" es un visionario realizador de formas exquisitas o un simple vendedor de fuegos de artificio. Sus películas, incluida "Watchmen" resultan visualmente muy seductoras para el ojo actual pero a la vez no se alejan demasiado de determinados -y muy criticados- estereotipos. Pero a la vez, las películas de Snyder suelen ser también propuestas parcialmente inusuales, con cierto riesgo, con ciertas complejidades y hasta ambigüedades dramáticas, lo que enriquecen el producto. Salvo "Amanecer de los muertos", que no pretendía ser más que un adrenalítico film de terror, muy bien rodado y a efectos prácticos, redondo, mejor incluso que el original de Romero. Por su parte "300" ya poseía cierta extrañeza en su propuesta, tanto formal como dramática, con apuntes tan interesantes como maneras sospechosas de estar dando gato por liebre. Pues bien, algo así pasa también con "Watchmen", sus cuidadas imágenes, sus constantes cámaras lentas y sus espectaculares efectos especiales me hacen sospechar que la película en el fondo, no es más que un puñado de palomitas para degustar una tarde de domingo, pero a la vez, su riesgo dramático y su perfecta comunión entre forma y contenido, su osadía a la hora de retratar a unos héroes muy poco heroicos, me hacen querer ver que "Watchmen" es algo más que un mero blockbuster.

Estoy seguro de que antes o después Zack Snyder bajará la guardia y se mostrara tal cual es, como un simple mago con chistera o como un cineasta con inquietudes, de momento, creo que hay pocas dudas de que al menos, Snyder es un director interesante, al que conviene no perderle la pista y algo que me dice que con la capacidad suficiente para que dentro de unos años, nos pueda ofrecer una obra maestra.

"El malvado Zaroff" de Irving Pichel y Ernest B. Schoedsack (1932)

2009-09-30T08:35:00.005+02:00

Es uno de esos clásicos engullidos por la poderosa sombra de la Universal, que durante los años 30 y 40 monopolizó el cine de terror. Parecía que nada se hacía más allá de las paredes de los estudios de la familia Laemmle. Nada más lejos de la realidad. Hay unas cuantas obras maestras que poblaron la cinematografía del horror de aquellos, pero si hay un estudio que más y mejor supo ver en el cine de terror un interesante potencial económico y también, subversivo, esa fue sin duda la RKO. Y no es raro, puesto que tras la decadencia de los estudios Universal y de sus revisitaciones de los mitos clásicos del horror, sería precisamente la RKO quien tomaría el relevo como el estimulante del cine de terror más importante en Hollywood. Pero antes de aquellos años de vino y rosas de la RKO fueron los años 30. La Universal estrenó "Drácula" con un éxito que nadie se esperaba y algo parecido ocurrió con "El doctor Frankenstein" y con "La momia". En el cine de terror había una mina y había quedarse tiempo para explotarla si la RKO también quería su pedazo de pastel.

De este modo, más o menos, debió de alimentarse la idea de hacer un film de terror en los estudios RKO. De hecho, la majors no se tomó el asunto a broma y puso a trabajar en su película a algunos de los nombres más importantes que por aquel momento tenía en nómina, los productores David O. Selznick y Merian C. Cooper, el director Ernest B. Schoesdack, el compositor Max Steiner y los actores Joel McRea y Fay Wray. Estaba toda la carne en el asador y así nació "El mlavado Zaroff", una interesante adaptación del relato de Richard Conell "El juego más peligroso".

Lo primero y más curioso de esta película es que en muchos sentidos, "El malvado Zaroff" es un aperitivo de lo que vendría a ser un par de años más tarde "King Kong", y ya no sólo por determinadas similitudes dramáticas (un barco zozobra y el único superviviente va a parar a una misteriosa isla) sino porque entre sus créditos ya se encontraban algunos de los responsables del mítico film, Cooper, Schoesdack, Wray... También se nota el interés de los responsables de "El malvado Zaroff" por la jungla y sus accidentadas circunstancias y se advierte también un afán técnico verdaderamente importante para la época. Algunas de las escenas de acción están rodadas con asombrosa virtuosismo y con una cámara asombrosamente autónoma para aquellos años, recordemos, 1932.

La película nos propone un interesante cambio de roles ante un cazador que de pronto se verá situado en el lugar del cazado. Resulta que el malvado Zaroff que da título a la cinta es un curtido cazador que ha perdido el interés por la caza, digamos, convencional y ha encontrado en la caza de seres humanos su particular pasión. "El malvado Zaroff" nos propone por tanto retroceder hasta los orígenes más animales del hombre ante una implacable caza por una frondosa jungla que no puede sino recordar al futuro paisaje donde habitará el rey Kong. El film además, en una etapa como la de principios de los años 30 plantea también la abisma diferencia que los norteamericanos encontraban en los europeos, situando a Zaroff como un emigrado ruso huido de la revolución de Octubre. Lo curioso del caso es que 70 años los americanos siguen mirando al viejo continente con cierto recelo, como si en Europa se dieran las mayores atrocidades de una sociedad aún con sus raíces ancestrales todavía muy presentes. Ahí está si ir más lejos, "Hostel", donde unos jóvenes americanos penetran en las profundidades de una Europa anquilosada, casi en la Edad Media.

El film dura unos escasos 68 minutos y no le falta nada. Es más, la película está llena de significativos matices, como esa aldaba con la que se abre el largometraje en donde un demonizado centauro herido de una flecha y una mujer entre los brazos surge victorioso, una imagen muy similar de lo que en suma, nos va a proponer "El malvado Zaroff", un encarnizada lucha en definitiva, por la posesión de una mujer, lo que además, le añade al conjunto unas interesantes pulsiones sexuales que si cabe, enrarece todavía más una película impecable.

"Malditos bastardos" de Quentin Tarantino (2009)

2009-09-28T10:10:00.004+02:00

Ya saben los que me conocen que a mi Quentin Tarantino es un tipo que me cae regular. Desde luego, el hombre sabe de cine y eso se nota. Planifica sus películas con envidiable sobriedad y escribe guiones repletos de frescura y ocurrencias, pero creo, sinceramente, que no hay nadie detrás que le indique hasta donde llegar, cómo domesticar su ingenio, que sin duda, lo tiene. Esta incapacidad para moderar sus estallidos de genialidad, en ocasiones lo conducen a una exposición de su genio excesiva, desmedida, de modo que alcanzados ciertos extremos, pueden llegar a perjudicar un film esencialmente brillante.

Algo así, creo yo, es lo que le ocurre a "Malditos bastardos". Una historia bien planteada, desarrollada y resuelta se ve inevitablemente lastrada por esos momentos tan del gusto del cine de Tarantino, en el que las escenas se alargan mucho más allá de lo aconsejable a base de diálogos virtuosos, interpretaciones soberbias, situaciones disparatadas o atmósferas asfixiantes. El arranque de "Malditos bastardos" es un ejemplo perfecto de esto. Un coronel nazi, interroga a un pobre granjero de la Francia ocupada. En la conversación, lo que al fin y al cabo se viene a decir es que el oficial nazi anda buscando a una familia judía que vivía por los alrededores y de los que no se sabe nada. Entre una cosa y otra, el coronel le termina diciendo que haga lo que quiera pero que si está ocultando a judíos en su casa lo mejor será que se lo diga si no quiere sufrir las consecuencias.

Pues bien..., lo cierto es que no tenía un cronómetro a mano pero la escena, fácil, fácil, puede llegar a los quince minutos, sino veinte, tranquilamente, y todo, sin que haya nada mal hecho en conjunto, al contrario. Magnífica planificación, extraordinaria interpretación de Crhistoph Waltz y un suspense que se va incrementando cada minuto que pasa. ¿Problemas? que cuando un se percata el tiempo que le ha dedicado Tarantino a semejante planteamiento resulta imposible no preguntarse por qué no lo habrá hecho de una forma más directa, más concreta. Habrá quien asegure que en ese tempo reside buena parte del alma de Tarantino, pero una cosa es el tempo y otra la más absoluta de las detenciones. Durante minutos enteros la narración no avanza, es verdad que uno se puede regodear con los múltiples matices que Waltz imprime en su personaje, pero no deja de resulta demasiado paralítico todo, como para no terminar resintiendo al espectador.

Este mismo ejemplo, se puede aplicar a otras -memorables- escenas, como el encuentro con una espía en una taberna que termina con un formidable tiroteo, pero resulta inevitable que escena tras escena, pese a la virtud de Tarantino con su pluma y su cámara, al final uno termine por preguntarse por qué tanto tiempo para tantos matices que en el fondo sólo son eso, matices, nada particularmente esclarecedor ni para la trama ni para el drama.

Quizá por esto, cuando "Malditos Bastardos" se anima del todo es en su tercio final. Cuando se nota que a Tarantino le entran las prisas (como saben, el director recortó la película una vez se hubo estrenado en Cannes) y las cosas son más directas, más concretas. Lo bueno de esto, es que esa concreción dramática y formal no afecta en absoluta al conjunto, razón por la que sospecho, todo se podría haber reducido un poco más, sobre todo, en su primera mitad.

A mi, que no me gustó nada en absoluto "Kill Bill" (hasta el extremo, de que no he visto ni pienso ver, de momento, "Kill Bill 2") ni muchísimo menos "Death Proof" tengo que admitir que "Malditos bastardos" me ha resultado un entretenimiento bastante digno. Por qué, y esto es importante recordarlo, el cine de Quentin Tarantino, más allá de sus referencias culturales a la subcultura de movimientos pasados que el director actualiza para venderlas como vanguardia, su cine es mero y puro entretenimiento, tanto como una película de Indiana Jones. Y uno, con "Malditos bastardos" puede pasar un buen rato. Brad Pitt está casi grotesco de lo caricaturesco que resulta, hay momentos desternillantes y la acción, aunque siempre muy contenida, resulta brutal en cada momento. De modo que nada que objetas, excepto sus veinte o treinta minutos que sin duda, le sobran...

Master of Horror. Temporada II. Peter Medak

2009-09-24T20:28:00.003+02:00

Agradable sorpresa la que nos ofrece el penúltimo episodio de la segunda temporada de la serie de televisión "Master of Horror". Por partida doble porque primero, los capítulos habían empezado a decaer alarmantemente y segundo, porque hacía tiempo que no veíamos a un director como Peter Medak haciendo cosas interesantes, al menos, que se hayan podido ver por estas latitudes. La historia de "Los washingtonianos" es la siguiente, una agradable familia media americana se traslada a un pequeño pueblecito de Virginia. Allí, apacibles ellos, escarbando entre las posesiones de su abuela encuentran un retrato del ex presidente George Washington que, sorpresa, descubre en su reverso un manuscrito, al parecer, del propio Washington, en el que reconoce su pasión por cocer niños y comérselos...

Dicho esto, y hecho público el descubrimiento entre los simpáticos lugareños del lugar, la apacible familia de pronto, comienza a verse acosada por unos extraños personajes. Ataviados con ropajes del siglo XVIII, acosan a la familia exigiéndole que le devuelvan el dichoso manuscrito. Hasta aquí, "Los washingtonianos" no ofrece nada nuevo, familia apacible acosada por extraño descubrimiento..., nada nuevo sobre el horizonte, pero se agradece la puesta en escena de Medak que sabe como empañar de inquietud momentos, en principio, no particularmente terroríficos.

Pero cuando el asunto se pone de verdad interesante viene después. No voy a desvelar mucho del resto porque le quitaría la gracia al asunto, digamos sólo que "Los washingtonianos" resulta un saludable ejemplo de autocrítica hacía los Estados Unidos, la divinización que su pueblo tiene sobre el presidente de los Estados Unidos, y un dardo envenenado final especialmente dedicado a George Bush que no tiene ningún desperdicio.

El resultado final es una película saludable, con sus momentos de vísceras y sangre por doquier, inquietud y unas notas de intriga y suspense muy bien dosificadas, para que nos vamos a engañar. Lo bueno de todo quizá sea que al final, "Los washingtonianos" demuestra ser un chiste y nada más, un chiste con mala uva si, un chiste ácido, pero un chiste, y eso es algo que no se suele ver en el cine de terror. La última vez, tal vez, en la propia "Master of Horror" con el episodio de Joe Dante "El regreso" o "El ejército de los muertos" creo que se tituló por aquí.

"Superhero Movie" de Graig Mazin

2009-09-22T14:47:00.005+02:00

Mi buen migo Pedro solía decir que como más cine se aprende es viendo malas películas. Porque según esa teoría, de ese modo veías lo que nunca se debía hacer... Dejando a un lado afirmaciones tan radicales como esta, lo cierto es que de vez en cuando, el cuerpo pide un encefalograma plano. Y nada mejor para semejante empresa que un film de humor de la calaña de "Superhero Movie". De todos modos, es películas de esta naturaleza, también existen sus matices, sus aciertos y sus defectos. Y la verdad sea dicha, asumiendo que clase de película es "Superhero Movie", el largometraje de Graig Mazin tiene más virtudes que defectos, algo que ateniéndonos a sus créditos podemos deducir por qué. Primero porque David Zucker, director de "Aterriza como puedas", "Top Secret!" y "Agárralo como puedas", verdaderos clásicos modernos del humor absurdo, es su productor. Y por qué aún más por encima de él, están detrás de Zucker los hermanos Harvey y Bob Weinstein, unos hombres coléricos pero que saben como moderar el humor zafío tan habitual en este tipo de producciones y que se procuran un guión con un mínimo de planteamiento, nudo y desenlace, tan escaso habitualmente en películas similares.

"Superhero Movie" es por tanto, una parodia, fundamentalmente de "Spider-Man", aunque también deja caer alguna que otra mención hacía producciones de éxito como "X-Men" o "Los cuatro fantásticos". Pero mientras largometrajes como "Skary Movie" o "Epic Movie" se fundamentan sobre inconsistentes referencias a los más recientes éxitos del momento, al menos "Superhero Movie" enlaza las referencias con un mínimo de sentido, de coherencia narrativa. Además, "Superhero Movie" también contiene sus chistes de trazo grueso -que no significa que no los tenga- y esos chistes protagonizados por afroamaericanos y su cultura que francamente, nunca he entendido que gracia pueden llegar a tener. Es más, "Superhero Movie" tiene algunas caídas francamente buenas en sus diálogos y hasta en determinados momentos visuales, como ese travellíng circular que se detiene ante el mareo de los actores...

En fin, una tontería donde uno puede pasar el rato echando unas cuantas risas sinceras, lo que no es poco, y una película con un mínimo de dignidad y sobre todo de respeto por la inteligencia del espectador. De todos modos, bien lejos quedan todavía aquellas maravillas esperpénticas del trío Zucker-Abraham-Zucker, y yo me preguntó por qué. ¿Por qué el humor es cada vez más disparatado e hilarante (lo que no tiene nada de malo) pero a la vez, resulta menos coherente, menos y peor hilado todo? ¿Por qué no se hacen ya comedias absurdas con un trama, y no se confecciona una parodia a partir de su historia, y no del hecho simple y directo de ridiculizar éxitos recientes? ¿Por qué? ¿Porque da más dinero? No lo tengo yo muy claro...

"Doomsday" de Neil Marshall (2008)

2009-09-16T18:15:00.004+02:00

Tengo que admitir que mi opinión sobre Neil Marshall es contradictoria. No me gusta como filma, tengo la impresión de que coloca diecisiete cámaras para rodar cualquier escena y que después ya veremos cómo le da forma. Para mi eso no es cine. Para mi eso cachondeo, arbitrariedad, suerte, no se..., cualquier cosa, menos cine. Pero por otro lado tengo que admitir que abordó un tema tan trillado como el de los hombres lobo en "Dog Soldier" y lo hizo bastante bien. Con pulso, tensión y sobre todo abordando un tema que ya para muchos suena a broma con seriedad. No se crean, eso no es fácil. Y luego también tengo que admitir que también me gusto, si cabe más aún, "The Descent". Algo mejor rodada, Marshall se atrevió con uno de esos rodajes complejos por necesidad (ente grutas, cuevas y claro, estudio) al relatar la claustrofóbica historia de un grupo de espeleólogas que se pierden en el interior de una cueva laberíntica minada de extrañas criaturas.

Quizá mi moderada antipatía por Marshall venga de la rabia que me da que él, haya logrado destacar dentro de la cinematográfica británica con un cine, en cierto modo, fácil, y que un hombre como Rob Green, director de la fantástica "El bunker" (una película más difícil con sabor a cine de terror clásico), que no ha logrado filmar otra película desde entonces -hace ya siete años-, que apunto estuvo de alimentarse de los éxitos de Marshall al coger las riendas de "Dog Soldier 2" (al final abandonó el proyecto) y que ahora se ha metido en el rodaje de una cosa que se titula "Gladiadores Vs. Hombres lobo" que no me pregunten qué es que no lo tengo muy claro.

El caso es que, tenía yo cierta expectación por ver "Doomsday" aunque tengo que admitir, que de entrada, no me llamaba demasiado la atención. Tenía una pinta regular, y en efecto, es una película regular. Primero porque la historia de la sociedad al borde de la extinción aunque interesante, es un tema un pelín manido y además "Doomsday" sólo lo toca de pasada, porque lo que al film le interesa son otras cosas. Segundo porque "Doomsday" es antes que nada y sobre todas las cosas una película de acción, salpicada de bastante sangre, pero una película de acción que conforme avanza el metraje desvela que había más interés por rodas escenas de acción que por terminar diciendo algo. Tercero porque la idea de sociedades nacidas de los desechos de una civilización aparentemente extinta, recuerda demasiado a "Mad Max" y "Doomsday" no disimula esto en absoluto. Y cuarto porque cuando uno llega al ecuador del film empiezan a pasar ciertas cosas que hacen que el espectador empieza a preguntarse si no estará ante una de esas películas vestidas de cine adulto pero en el fondo, una aparatosa broma.

En este último sentido, creo que radica buena parte del desencanto de "Doomsday", en que Neil Marshall no define el sentido último de la película. El final es un completo disparate que es imposible, nadie se pueda tomar en serio y en cambio, el tono general de la película es presuntamente adulto, presumiblemente trascendental. A esto hay que sumarle que Marshall, que había demostrado tener muy buena mano para crear ambientes claustrofóbicos y generar suspense, se pierda en una película con demasiados escenarios, mucho espacio abierto teóricamente opresor y una trama que a partir de la segunda parte del metraje se pierde por completo, divaga en exceso, pierde el norte y nada de lo tocado, resulta lo suficientemente consistente.

A todo esto habría que añadirle cierto aire heredado del cine de John Carpenter (de hecho, uno de los personajes se apellida como el director), una agradable y simpática sorpresa que no dura demasiado. "Doomsday" me recuerda bastante a "1997. Rescate en Nueva York", esos estrafalarios uniformes de los soldados y alguna que otra pincelada acerca del honor, la amistad y a fuerza de los personajes femeninos, pero nada deja huella. Si, si uno se empeña, de "Doomsday" se pueden sacar determinadas lecturas acerca la naturaleza violenta del hombre, de la monstruosa naturaleza del ser humano, de lo fácil que es corromper a la sociedad, de lo frágil que resulta desmoronar la sociedad, pero todo dicho de manera muy superficial, muy trillada, nada nuevo en suma. O dicho de otro modo, bastante aburrida.

"Crepúsculo" de Catherine Hardwicke (2008)

2009-09-14T12:33:00.003+02:00

No había visto yo "Crepúsculo". Si, ya se, que dicen por ahí, es el acontecimiento cinematográfico-literario del momento, pero me debo de estar haciendo mayor, de eso no cabe duda. Hace unos años sabría más de la saga de "Crepúsculo" que sus propios creadores antes incluso que el día de su estreno. Pero ahora, me enteré de que la película en cuestión estaba basada en un libro superventas cuando vi la noticia en un informativo. La verdad sea dicha, no me llamaba demasiado la atención ver la película en cuestión, pero un amigo me ha invitado a dar una charla en la Biblioteca Regional de Murcia justo el día antes que se estrena "Luna nueva" para que hable de vampiros, cine y literatura. Como no podía ser de otro modo, acepté encantado, aunque en lo que llevo de vida habrá dado cinco charlas y en cuatro de ellas ha sido para hablar de vampiros, por lo que empieza a preocuparme que un día me salgan colmillos...

Así que me pongo a verla, tengo que admitir, que con cierto recelo. De entrada, una historia de amor adolescente con vampiros de por medio, por mucho que me gusten los no-muertos, no es mi propuesta ideal para un domingo por la tarde, pero en fin... Tengo que admitir que receloso y todo, "Crepúsculo" no me disgustó. Hice desde luego un esfuerzo por obviar todos y cada uno de los tópicos que aparecen en la película así como esa sensación de estar viendo "Sensación de vivir" en su versión vampírica, pero debajo de todo esto, había al menos un film entretenido. Sobre todo, creo yo, por una cuestión, a mi parecer, fundamental. Y es que en "Crepúsculo", al contrario que en muchas otras películas el vampiro no es un ser marginado que se esconde de la sociedad, sino un personaje que se confunde con los humanos, fundamentalmente para corromperlo.

El acierto de "Crepúsculo" es verdad, llega hasta aquí. Los vampiros del film de Hardwicke (por qué aparece su título al final de la película, porque resulta tan impersonal que podría haberla dirigido casi cualquiera), los buenos y los malos, no aspiran a corromper nada, aquí los vampiros se limitan, unos, a pasar lo más desapercibidos posibles, otros, a cazar humanos. Aquí habita uno de los mejores momentos de “Crepúsculo”, ver a los vampiros cocinar, jugar al baseball, en suma, hacer cosas mundanas... Pero el enfrentamiento entre buenos y malos es sólo cuestión de tiempo y la excusa perfecta para ofrecer un digno espectáculo de acción y efectos especiales aunque eso si, todo pasado por el filtro "Matrix".

Pero el problema de base de "Crepúsculo", creo yo, es la actual tendencia que tenemos todos de humanizar a los mitos y leyendas, de forma que los desprendemos de su misterio y se quedan en vulgares monigotes. O dicho de otro modo, aunque "Drácula de Bram Stoker" articulara tosa su trama en torno al romance entre el popular vampiro y Mina Harker, un vampiro, por esencia, por definición, no puede, ni debe sentir piedad, y muchísimo menos amor. Si, podemos pasar por el aro porque no nos queda más remedio, pero siempre siendo conscientes de que eso ya no es un vampiro. Un vampiro es malo, y hace el mal porque esa es su forma de vida, su naturaleza. No es que haga el mal por hacerlo, sino porque no entiende otra forma de vivir. Pero más allá, su mal, no se queda en matar y comer a seres humanos, sino a corromper el alma humana, forzando al hombre a mirarse ante un espejo para descubrir que él, no es en su raíz, menos malo que la bestia que está tratando de destruir.

Nada de esto hay en "Crepúsculo", entre otras cosas porque no era esa su intención, eso está claro, y por supuesto, es una decisión legítima, pero lo que a mi me preocupa es que las próximas generaciones, las que no se han leído y ni piensan leerse "Drácula" y crean que la novela tiene algo que ver con el film de Coppola, y se queden con cosas como "Crepúsculo", asumiendo que un vampiro es un lastimero que puede decidir entre beber sangre humana o sangre de animal y al final, el legendario mito del no muerto, que lleva acompañando al hombre desde la cueva de Altamira, se convierta en una vulgar marioneta.

"Despedidas" de Joe Hisaishi (2008)

2009-09-11T09:19:00.002+02:00

A mi novia, ahora mi mujer, no le gusta en absoluto la música de cine, lo cual complica un poco, no crean, mis momentos para podes escuchar música, sin embargo, si le gusta Joe Hisaishi. El asunto tiene su gracia, porque Joe Hisaishi es uno de los compositores más melódicos y sensibles que habitan el actual panorama mundial. Su verano de Kikujiro es simple y llanamente genial, una melodía a piano tan sencilla como pegadiza, habita una banda sonora impecable. Sus colaboraciones con el cine de Takeshi Kitano, no suelen tener desperdicio alguno. Y sus trabajos para el cine de animación de Hayao Miyazaki son absolutamente arrebatadores, quizá, con "La princesa Mononoke" a la cabeza.

El compositor, que el próximo mes de diciembre cumplirá los 49 años, en plena madurez creativa, es probablemente el músico más solicitado de Japón. Uno de sus últimos trabajos ha sido para la película nipona "Okuribito", traducida en nuestro país como "Despedidas", del director japonés Yojiro Takita, responsable de la que fue la auténtica sorpresa de los últimas Oscar al hacerse con la estatuilla al mejor de film de habla no inglesa. La película, que yo sepa, aún no se ha estrenado en nuestras salas, y si lo llega a hacer, sabe Dios si legará a las santas salas de esta, mi reverenciada Región, en fin...

El caso, es que aún sin haber visto la película, y sabiendo que el film trata sobre un joven que encuentra trabajo en una funeraria amortajando cadáveres, la música compuesta por Hisaishi desvela, que además de una honda sensibilidad, el largometraje de Takita debe de estar empapado de optimismo. Y todo, amortajando muertos, si. Desde luego, "Despedidas" no es "El verano de Kikujiro", en el sentido de que no tiene esa melodía tan pegadiza y de una forma tan insistente, pero probablemente eso no fuera lo que se estaba buscando para el film de Takita. "Despedidas" es otra cosa bien distinta, pero también bellísima. Su leit motiv es total y absolutamente arrebatador, menos fácil que el de Kikujro, pero igualmente bello.

De este modo, lo cierto es que Hisaishi no ha hecho más que demostrar que está en pleno momento álgido y que es ahora cuando todavía, puede llegar a superarse, en cuyo momento, francamente, no se va que va a pasar, porque se me hace imposible imaginar melodías más emotivas y sensibles que las que ya ha compuesto el músico japonés. Pero son precisamente partituras como la de "Despedidas", las que mejor ponen en evidencia el talento de un músico que todavía sigue creciendo y que lo demuestra con cada nuevo trabajo. Que no tiene miedo a experimentar y que además sabe como ofrecer un trabajo aparentemente sencillo pero esencialmente complejo y siempre, bello.

Para los que no se hayan convencido, aquí os dejo el leit motiv y ya os adelanto en cualquier caso que si bien, se trata del tema principal de la BSO, no es la variación más arrebatadora, para eso, hay que esperar al penúltimo tema. En todo caso, lo que si está claro es que la película, habrá que verla si o si.

"El niño con el pijama a rayas" de Mark Herman (2008)

2009-09-10T10:00:00.001+02:00

Vaya por delante que no he leído la novela original de John Boyne, lo cual, también vaya por delante, he lamentado profundamente una vez he visto "El niño con el pijama a rayas" de Mark Herman, por qué me siento incapaz de definir a partir de qué punto empiezan y termina los logros del libro original y a partir de que punto arrancan las virtudes y los defectos del film de Herman. Lo que por otro lado, sitúa sobre un castillo de naipes una de mis teorías más cacareadas y defendidas por un servidor; que no haber leído el libro en el que se basa una película siempre nos permitiría analizar con mayor objetividad las virtudes y los defectos del film. Lo que ocurre con "El niño del pijama a rayas" es que se trata de un film tan correcto como falto de garra, de igual modo que se trata de una película sorprendente como sospecho, es el libro de Boyne.

Yo, por si acaso, recomendaría a todos aquellos que no hayan visto la película y que no hayan leído el libro, que lo lean, por qué al fin y al cabo, independientemente de lo sano que es leer, "El niño del pijama a rayas" de John Boyne es un volumen, por lo que recuerdo al verlo en las tiendas, bastante finito, de esos que se puede leer en dos o tres tardes y, visto lo visto en el film, creo que merece la pena.

De todos modos, hay algo que sí que resulta evidente en "El niño del pijama a rayas", una producción de Miramax, es que detrás de los populares estudios ya no está Harvey Weinstein. Se ha dicho un millón de veces que sólo apreciamos lo que realmente queremos cuando carecemos de ello y en Miramax, por colérico, tirano y peligroso que resultara Harveyu Weinstein lo cierto es que sólo alguien como él era capaz de sacar un éxito de propuestas, sobre el papel tan arriesgadas como "Shakespeare in Love", "Chicago" o hasta "Gangs of New York", que pese a su irregular resultado, dejó un buen resultado en las taquillas de todo el mundo. Harvey, desde luego, como todo el mundo, cometió errores ("Kate & Leopold", una comedia romántica de 40 millones de dólares que fue un fracaso absoluto, o "Todos los caballos son bellos") pero salvo imprevistas contrariedades de producción y/o creativas, "El niño con el pijama a rayas" era la propuesta perfecta para que Weinstein hubiera amasado miles de millones de dólares y que además hubiera ganado algún que otro Oscar. En cambio, la película de Herman, como digo, no tiene garra propia, tal vez porque su director no tiene intuición, su reparto siendo correcto, no trasciende, o porque su guión, siendo impecable, no se arriesga más allá de lo que, sospecho, propone el libro.

Una pena, porque como digo, el film está llevado con suma corrección. Además se nota que tenía la mirada puesta en los Oscar, factura impecable, reconstrucción histórica al dedillo (el niño del pijama de marras está clavado), preciosa melodía de James Horner, trágico y sorprendente final... Si es que la película tenía todos los ingredientes, pero insisto, hay algo en el conjunto que no llega. Desde luego, resulta muy complicado permanecer impasible ante el largometraje y muy especialmente a su cuarto de hora final, pero hay algo en el largometraje de Herman que no funciona, como si no pretendiera ir más allá, como si su única pretensión fuera reflejar lo mejor posible el relato de Boyne, sin añadir nada más de su propia cosecha. La decisión es desde luego legítima y a veces, es mejor esto que irse por las ramas y hacer un "Drácula de Bram Stoker" o algo parecido, pero resulta inevitable que se eche de menos algo de personalidad, algún apunte personal.

Insisto, esa es la impresión que me ha dado el film de Mark Herman, porque como he dicho, no he leído de Boyne. Ahora bien, prometo que lo leeré y entonces, volveremos a retomar la cuestión.

"The Wicker Man" de Neil LaBute (2006)

2009-09-09T09:20:00.004+02:00

En su día, "The Wiker Man" (literalmente, "El hombre de mimbre", un ritual asociado al ámbito céltico donde al parecer, se llevaban a cabo sacrificios humanos) fue recibida con moderado entusiasmo, pero de una forma mucho más calurosa que cualquier thriler de suspense al uso manufacturado en Hollywood. Y lo cierto es que el film de Neil LaBute está por encima de la media. El cineasta norteamericano se atrevió con un inquietante relato de Anthony Shaffer que ya fue objeto de una adaptación en 1973 a manos de Robin Hardy en una película del mismo título que tengo que admitir, no he visto.

En cualquier caso, hay que admitirle a "The Wicker Man" una inquietante atmósfera conseguida no a partir de los resortes habituales del terror (oscuridad, sombras amenazantes, rayos y truenos...) y muy al contrario, la película se situa en un entorno abierto a plena luz del día. Tal vez por esto, y porque la trama recuerda inevitablemente a una película como "El bosque", se dijo en su día que "The Wicker Man" era una de las primeras respuestas a la senda estilística de M. Night Shyamalan. Al menos con "The Wicker Man", LaBute pareció exponer unos intereses cinematográficos muy similares a los de Shyamalan, aunque con una finalidad muy distinta, unos recursos narrativos que mantienen cierta distancia y en suma con resultados bastante dispares.

Y es que, mientras el cine de M. Night Shyamalan, guste o no, siempre se ha situado en un extraño lugar dentro del cine de Hollywood, lo cierto es que "The Wicker Man", más allá de su inquietante propuesta dramática, no termina de encontrar un lugar en el universo de Hollywood, quedándose a medio camino entre la propuesta convencional y la radical. Esto es así, creo yo, porque el film de LaBute primero, está planificado con bastante desgana, es decir, con escasa o poca inventiva visual, con poca o ninguna sensación de que el director estuviera rodando con la mente puesta en el montaje, salvo en momentos muy concretos y si pensaba en el montaje, estaba pensando en un montaje muy insustancial, poco revelador. Por si fuera, el film juega además a una falsa espectacularidad dentro de la trama que propone, que da muy poco juego en este sentido. Un ejemplo, si el protagonista, Nicolas Cage, se queda colgando a través de una plantilla, la música sube y LaBute filma el momento con cinco o seis cámaras que se superponen en una sucesión de planos poco estimulante y si muy banal, convencional.

Pese a todo, insisto, "The Wicker Man" está por encima de la media. A mi modo de ver, a años luz del cine de M. Night Shyamalan, o a otras propuestas recientes de cine de género como "Los extraños", para mi, de lo mejor del año pasado y está si, marcando las distancias con el cine de Hollywood, por más que contará con intérpretes del tirón comercial de Liv Tyler. En cierto modo, y en ese sentido, a "The Wicker Man" le pasa algo muy similar porque aunque cuente con la presencia de Nicolas Cage, la película es un film independiente de 40 millones de dólares (poco para el rasero de Hollyood y hasta para algunas producciones supuestamente independientes aunque "Los extraños" sólo rondara los 10 millones si bien es cierto, la complejidad de "The Wicker Man" debió de resultar bastante más costosa que la de "Los extraños" que al fin y al cabo se desarrollaba íntegramente en un único escenario, una casa) que salió adelante gracias a la apuesta personal de Cage que produjo el film a través de su productora y además garantizo su presencia al frente del reparto, lo que siempre es bien visto en Hollyood. Eso si, hasta nuevo aviso..

"Encantada" de Kevin Lima (2007)

2009-09-08T11:06:00.005+02:00

Como decía en la anterior entrada me encanta el cine musical y además, también el cine de animación. Por esta razón, cuando Walt Dsney anunció que dejaría de producir películas de animación tradicional sentí una profunda tristeza. Recuerdo que fui a ver su última película de animación tradicional casi como si de una ceremonia se tratase. Fui solo. Había niños, pero muy pocos al lado de cualquier producción Pixar. "Zafarrancho en el rancho" costó algo más de cien millones de dólares y en Estados Unidos recaudó sólo la mitad. Era un fracaso. Aquella película había sido la última oportunidad que Disney se dio a si misma para seguir adelante con el cine de animación tradicional o no.

Tal vez por está razón me causó una singular simpatía el estreno de "Encantada", especialmente por ese arranque en animación tradicional que recordaba a los mejores tiempos de la casa del tío Walt. Pero obviamente, la película iba por otro camino. La propuesta tenía si gracia, recurrir a todos los tópicos del cine de animación de Disney y para convertir la película en parodia. Tenía su gracia y su habilidad la idea, y más aún en unos tiempos en que esos mismos tópicos habían pesado a provocar cierta distancia entre el respetable que se había empezado a inclinar por otros tópicos, los del cine Pixar, que también los tiene.

De este modo, en "Encantada" ocurre lo impensable, una joven princesa de cuento de hadas recibe la maldición de rigor de la imprescindible bruja, sólo que en esta ocasión la maldición de marras no consiste en sumirla en un sueño eterno, sino en enviarla al Nueva York real del siglo XXI. El contraste ya se lo pueden imaginar. Giselle (Amy Adams), vive literalmente en un cuento de hadas, de modo que no tiene inconveniente en ponerse a cantar en mitad de Central Park ante la atónita mirada de los transeúntes o de pedir ayuda a los pajaritos para que le ayuden a hacer las labores del hogar...

Por esto digo que en el fondo "Encantada" es un film prototípico del Disney más clásico, porque bajo todas estas caídas que ponen en evidencia la ingenuidad de su recursos más habituales, habitan sin problema alguno todos y cada uno de sus tópicos, aunque estén situados en el mundo real bajo una cuidada tecnología en tres dimensiones, como ocurre al final del film con el espectacular dragón que casi destruye un edificio de la Gran Manzana. Hay baile, historia de amor con un inesperado príncipe azul, un ridículo caballero andante, una bruja (Susan Sarandon, nada menos), en fin, todo está ahí.

Y no es de extrañar, su director, Kevin Lima, era un formado alumno de los estudios Disney. Director del que tal vez fue el último éxito de Disney en el terreno de la animación tradicional, "Tarzan", Lima también había dirigido la simpática "Goofy e hijo" y la innecesaria y desesperada secuela "102 dálmatas". Lima por tanto conocía los resortes que dieron un nombre a Disney que para la ocasión, iban a ser trasteados a golpe de parodia. por contar, Lima contó con el ya legendario Alan Menken (una vez más soberbio, Menken es un tipo que no falla), antaño, imprescindible compositor de toda producción Disney autor de las BSO de los últimos grandes éxitos de la productora, "La sirenita", "La bella y la bestia", "Aladdin", "Pocahontas", "El jorobado de Notre Damme", "Hércules" y hasta "Zafarrancho en el rancho".

"Encantada" por tanto es, además de un perfecto film para los más pequeños también un agradecido vistazo para los más adultos a ese mundo Disney que tantas ilusiones creo y que hoy no puede o no sabe como mantener el tipo. Y además "Encantada" permite un disfrute adicional para los mayores, contemplar una suerte de parodia de ese mismo mundo que dio fama y éxito a Disney. No es ninguna obra maestra, pero es un film muy agradecido de contemplar que va algo más allá de su mera apariencia infantil que es seguro, habrá echado para atrás a más de uno.

"Mamma Mia!" de Pyllida Lloyd (2008)

2009-09-07T11:12:00.004+02:00

Qué le voy a hacer, me encantan los musicales. Me gusta cuando un personaje, sin venir aparentemente a cuento se pone a cantar y a bailar y súbitamente, un coro anónimo se une al baile al unísono. No se, me parece un acto de confraternidad y optimismo generalizado muy raro de vez en la vida real. Tal vez por eso, un musical sea un género eminentemente fantástico, irreal. De hecho, habida cuenta de las complejidades añadidas que implica filmar un musical resulta casi un milagro que hoy día se sigan rodando musicales. Una película musical conlleva un esfuerzo extra y un importante gasto adicional que no siempre se ve recompensado. Quizá por esto, he procurado no perderme un sólo musical en los últimos años, y probablemente por mi admiración por el género, casi todos me han gustado mucho, dejando a un lado sus carencias y obviando el único título musical que consiguió que me rasgara las vestiduras y que de hecho me negué a terminar de ver, "Moulin Rouge" (si, ya se que está película tiene una legión de fans pero es que yo no la soporto).

Recuerdo que en su día, cuando se estrenó "Mamma Mia!", leí una crítica en un periódico nacional que decía algo así como que resultaba bastante complicado sacarle una sola pega a la película aún admitiendo que era un film cinematográficamente muy deficiente, porque la película conseguía de cabo a rabo que el espectador, y hasta algunos críticos, pasaran un rato de lo más entretenido. Y algo de verdad hay en esto. "Mamma Mia!" como película, como narración cinematográfica es una propuesta bastante endeble, sus personajes no es que sean endebles, es que son raquíticos. Sus motivaciones resultaba bastante irrisorias y en conjunto, dramáticamente, la película de Lloyd no tiene nada digno de mención que aportar. Ahora bien...

Es también cierto que "Mamma Mia!" supone uno de esos dignos de ejemplos que de vez en cuando nos ofrece Hollywood en favor del puro entretenimiento sin más ambiciones que esas, algo por otro lado, nada malo. No hay una intención digamos, intelectual, pero tampoco la necesitaba para lo que buscaba una película como "Mamma Mia!". Pyllida Lloyd consigue los mínimos, pasar un buen rato, esbozar una perpetua mueca de sonrisa en el espectador y que termine por creerse que esa idílica vida en una remota isla de Grecia puede ocurrir de verdad. Al fin y al cabo, como decíamos al principio, el musical es un género eminentemente irreal, por esto los decorados, sean reales o no, tienen un tono de falsos, de artificiales. Y eso es bueno, a la vista del conjunto de la película.

Además, en esencia, "Mamma Mia!" respeta determinados postulados clásicos del cine musical, optimismo contagioso, cierto aire folletinesco e inesperadas actuaciones de un público aparentemente ajeno a los números musicales que de pronto se suma a una canción. Es cierto que ya no hay grúas que trasmitan grandes cosas, en su lugar hay mucho montaje. Las cosas cambian y no siempre para bien. También cambia su contenido, o su mensaje. Si en el cine clásico el musical era un canto a la vida provocado generalmente por un amor verdadero o por un éxito profesional -o por ambas cosas-, "Mamma Mia!" es un canto a la lozanía, a la lujuriosa juventud, a la expectativas vitales de la juventud que con todo parece poder y cuyas estupidez propias de la edad del pavo, se tornan sólidos justificantes existenciales. Aquí habrá opiniones para todos los gustos. De hecho, "Mamma Mia!" tiene algo de ese "Mucho ruido y pocas nueces" de Kenneth Branagh, con esa villa de tintes europeos que parece erigirse como una burbuja existencial donde los deberes y obligaciones desaparecen y donde todo el mundo se entrega a la vida, el amor y la diversión. No es lo mismo Shakespeare que Abba estamos de acuerdo, pero hay poso común, eso está claro.

En cualquier caso "Mamma Mia!" se deja ver con agrado y además la película ofrece algunas agradecidas sorpresas. Julie Walters y Christine Baranski está verdaderamente espectaculares en su rol de hilarante amigas de Donna, una Meryl Streep por otro lado, que sigue destilando una madura lozanía ciertamente agradable de contemplar. Hay muchas canciones, algunos dirán que demasiadas, bueno, es un musical de lo que estamos hablando (de hecho es la adaptación de un musical propiamente dicho, que no es exactamente lo mismo que una película musical al estilo de "Cantando bajo la lluvia") y se nota eso si, que todos se lo pasaron de fábula rodando la película. Al menos consiguen, que el público también disfrute, que no es poco.

"Valkiria" de Bryan Singer (2008)

2009-09-06T11:20:00.003+02:00

"Valkiria" está muy bien. Vaya por delante. Si, ya se que ahora Tom Cruise cae mal y que por tanto hay que ponerlo a parir siempre que se tiene oportunidad, pero atacar un film como "Valkiria" por la sola presencia del actor norteamericano me parece un ejercicio de hipocresía bastante importante. La película de Bryan Singer funciona a la perfección, desde el primer al último plano, y lo hace -y esto es lo más difícil- con una historia cuya final conocemos, el fracaso de la operación Valkiria y el fusilamiento de sus principales responsables. De hecho, y por está razón, "Valkiria" es la prueba más reciente que nada como Hollywood para hacer trepidante y entretenido un relato real y complejo como fue aquel intento de golpe de estado contra el régimen nazi. O dicho de otro modo, "Valkiria" es una película de Hollywood, con todos sus tics pero sin que ello implique que estemos ante una mala película. "Valkiria", que nadie se vaya por las ramas, es lo que es, un film de suspense, y por esto funciona.

Singer, que sabe muy bien como crear tensión y suspense, aunque tengo la sensación de que filma con demasiadas cámaras y con la cabeza ocasionalmente puesta en el montaje, logra además que el último tercio del film sea un arrebatador cresccendo que concluye, como hemos dicho, con la muerte de su protagonista. "Valkiria", más que un drama histórico es a todas luces un thriller político de conspiraciones para destronar al diabólico Hitler del poder. De hecho, las escenas en las que interviene el Führer están rodadas con especial detenimiento, con un patente espíritu ceremonial, que combinado con los lentos movimientos de Hitler (David Bamber), dotan a esas escenas de una particular atmósfera de inquietud, como si tuviéramos delante al mismísimo Satanás.

Como digo, película con el pulso de acero y in una sola pega formal. Hay alguna que otra concesión si, como digo, había que simplificar y acercar al gran público un acontecimiento muy complicado que además se llevó a cabo en secreto, entre susurros dentro de los muros del Tercer Reich. De hecho, si algo flojea con mayor clarividencia esto sin duda, la relación familiar de Stauffemberg (Cruise), hay un intento por situar a la mujer y los hijos del protagonista como verdadero pilar emocional del personaje, pero lo que manda en "Valkiria" es la conspiración, la colaboración, y como el engranaje nazi a punto estuvo de darle la vuelta a la tortilla aún estando Hitler vivito y coleando.

"Valkiria" es por tanto un afortunado regreso del mejor Bryan Singer, porque creo yo, los fracasos y los tirones de orejas, tanto del público como de la crítica, siempre vienen muy bien. Suele ser un jarro de agua fría que, de vez en cuando, hace que algunos directores bajen de las nubes y se centren en lo que mejor saben hacer. Singer, que teniendo fantásticas películas a sus espaladas, había perdido últimamente el norte con largometrajes tan malos o simplemente, carentes de todo interés como "X-Men 2" y "Superman Returns". El director de "Verano de corrupción" se estaba volviendo cada vez más ceremonioso y también, más caro, pero sus objetivos, el peso específico de sus propuestas habían caído en picado.

Por esto creo que cuando "Superman Returns" no funcionó como nadie esperaba (y no me extraña porque la película es un tostón de dos horas y pico complicado de digerir), Singer se bajo de su particular pedestal y ahora en "Valkiria" se ha limitado a hacer lo que mejor saber hacer, narrar suspense.

"Indiana Jones y la tumba del emperador" de Clint Bajakian

2009-09-05T13:40:00.004+02:00

Bueno, pues ya estoy de vuelta. Como algunos sabrán, estos días no se me ha ocurrido mejor cosa que casarme. Si señores, como lo leen. Ya soy un hombre casado. Y como es bien sabido, a la habitual parafernalia social y festiva que suele acompañar a estos momentos, he tenido la suerte además de pegarme un generoso viajes a Praga y Berlín. La capital checa ya la conocía para ha sido en esta ocasión cuando he averiguado por qué me gusta tanto esa ciudad, porque es un perfecto escenario natural de una película de la Hammer. Qué callejuelas, qué edificios, qué estatuas...

Berlín, por su parte es una cosa bien distinta. Afortunadamente menos cargada de turistas (Praga tenía algo de Disneyworld), la capital alemana es una megalópolis tan o más grande que un Londres, pero también más fría, demasiado expandida, como si hubiera demasiada ciudad como para que todas sus calles estuviera constantemente transitadas por viandantes. Y además, también un poco sucia, un poco inquietante en según qué callejones, y mucha gente de todas las culturas, edades y además, mucho pinta, mucho vagabundo, mucho estrafalario, mucho punky, mucho tipo raro... Cuando llegué a la estación central de seis plantas rodeado de carteles en alemán que no entendía ni por asomo, cargado con dos maletones de veinte kilos cada una y me recibió un vagabundo orinando en pleno andén, me sentí como Paco Martínez Soria en "La ciudad no es para mi".

Y se preguntarán ustedes, que qué tiene que ver todo esto con el videojuego que titula esta entrada, pues les cuento. Andaba yo por Berlín, ya algo más situado y menos acomplejado por no entender un carao de alemán, y como hice en Praga, no hubo tienda de discos, DVD o similares que se me resistiera al menos, a una cordial visita de cortesía. Estaba yo por tanto, en pleno centro de Berlín y no se me ocurre mejor cosa que meterme a una tienda de discos que de entrada, casi parecía más un sex shop, con carteles amarillos anunciado lo que vendían en su interior, en un entresuelo desde fuera, un poco siniestro. Pero el caso es que cuando entro...

Yo creo, sinceramente, que no recuerdo haberme topado con una sección de música de cine más grande. Cuando fui consciente de lo que tenía delante, os juro por Dios que me puse a temblar, me flojearon las piernas, y mi tarjeta de crédito se temió lo peor...

Afortunadamente, o no, aún no lo se, la verdad, hice de tripas corazón y me retuve hasta extremos que yo mismo me sorprendo. Y fue allí, escarbando entre miles de bandas sonoras cuando me topé con esto, la banda sonora del videojuego "Indiana Jones y la tumba del emperador". Así, de entrada, entiendo que uno debe de pensar que se tiene que ser muy freak para comprarse la BSO de un videojuego y hombre, razón no le falta a quien sospeche eso, pero no es menos que cierto que en más de una ocasión, las consolas han servido de nutritivo campo de formación para algunos de los compositores modernos más representativos. El caso, sin duda, más claro en este sentido es el de Michael Giacchino, curtido entre videojuegos y posteriormente formidable compositores de BSO´s como "Los increíbles", "Ratatouille", "Up", "Mission: Impossible III" o "Star Treck".

El caso es que aún arriesgándome a que el CD en cuestión sonora a huevos fritos (no es la primera vez que Perico, el de los palotes, coge una marca registrada tipo Indiana Jones o Star Wars e con un órgano Sony en ristre se pone a tararear determinados temas por más que se anuncien como Orquestas Sinfónicas de sabe Dios que condición y calaña...), me lo compré. Y no era precisamente barato. Pero ahí estaba yo, en mi plena condición de freak y más aún, si es de Indiana Jones de quien hablamos.

Como digo, el CD de marras, presidido, eso sí, por el nombre de John Williams, como irrefutable autor de determinados temas (los clásicos de Indiana), la BSO venía también acompañada por el nombre de Clint Bajakian (en aquel momento y para mi humilde conocimiento, un Perico el de los palotes) y una de esas temidas orquestas de las que uno no ha oído hablar en su vida, la Northwest Sinfonia Orchesta. Insisto, yo, no sin cierto temor, me lo compré.

Luego, para tranquilidad mía me fijé que en los créditos del CD aparecía George Lucas como productor ejecutivo. Eso significa, como bien saben ustedes que a efectos prácticas Lucas autorizó la música y que dio el visto bueno a explotar tanto su creación (Indiana) como su nombre a la BSO. No será una total castaña, pensé yo... Y bueno, la verdad, no me equivoqué del todo...

Hombre, se nota que detrás no está la Orquesta Sinfónica de Londres, y también que el señor Bajakian, con toda su buena intención, no es Williams, y también se nota que "Indiana Jones y la tumba del emperador", es la BSO de un videojuego (algunos temas duran escasamente veinte o treinta segundos), pero el compacto, como curiosidad, está bastante bien. Conserva, desde luego la "Raiders March", aunque sea en estos momentos, cuando la Northwest Sinfonia Orchesta más pone de relieve sus deficiencias. Lo mejor de "La tumba del emperador" es cuando se aventura con nuevos temas y nuevas propuestas musicales. El resultado es una BSO entretenida, fácil de oír y que sobre todo, hace soñar con una nueva BSO del Williams de los buenos, y no con ese prestigioso imitador del compositor de "Star Wars" que compuso "Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal", aunque claro con una película así, era difícil encontrar la inspiración, eso también...

Por si fuera poco, la BSO de "Indiana Jones y la tumba del emperador" contiene un par de suites de otros dos videojuego sde Bajakian de Indiana, "Indiana Jones and de Fate of Atlantis" e "Indiana Jones and the Infernal Machine" y además, un jugosa selección de nada menos que veinte cortes de la música de "The Young Indiana Jones Cronichles", osea, tela... y además, todo muy cuiroso. Si señor.

"La ola" de Dennis Gansel (2008)

2009-08-17T23:59:00.004+02:00

Una película como "La ola" me viene a confirmar algo que ya sospeché muy seriamente con el estreno de "El hundimiento" de Oliver Hirchbiegel, que los alemanes a estas alturas son mucho más críticos, analíticos y reflexivos con su trágico pasado que nosotros. O dicho de otro modo, que ellos, han sido capaces de aproximarse al nazismo desde ópticas absolutamente impensables a día de hoy en un cineasta epañol con respecto al franquismo. "La ola", si cabe, va todavía un poco más allá de "El hundimiento". Si el film de Hirschibiegel proponía humanizar la figura de Hitler aún sin quitarle un ápice de maldad, la película de Gansel nos sumerge en la propia naturaleza del fascismo y lo que es más, no invita a participar de él para demostrarnos que no resultaría tan extraño que semejante barbarie volvería a repetirse. En este sentido, si cabe, "La ola" es un film más necesario incluso que "La lista de chindler". Hay muchos documentales sobre el holocausto judío pero muy pocas aproximaciones como las que nos propone "La ola".

La idea es la siguiente. Un profesor imparte un seminario en un instituto sobre autocracia. Como base de sus clases utiliza el fascismo nazi. Al empezar las clases el profesor pregunta a los alumnos si creen posible que una situación como la Alemania nazi volviera a repetirse y -casi- todos responden sin pensárselo demasiado que no, que algo así sería impensable. Entonces el profesor se propone hacerles ver su propio error mostrándole la seducción del fascismo, que le de unidad, de bloque, de cohesión interna tiene una comunidad unidad bajo una ideología. Lo que el profesor no se puede imaginar es que aquel experimento rebasará los muros de ese instituto alemán.

¿Ustedes se imaginan un film que retratara a Franco desde una optica humana sin despojarlo de su crueldad? ¿Ustedes se imaginan una película que nos propusiera penetrar en el franquismo desde su vertiente más seductora? No, ¿Verdad? Pues los alemanes si.

Pero es que además "La ola" está muy bien filmada. Arranca de forma preocupante, música estridente, muchos planos, mucho movimiento, pero raudo el film, se postra ante las evidencias de la historia. Con una tonalidad premeditadamente estándar, igualada, el film de Gansel nos invita a penetrar en el infierno mientras nos lo pinta como un mundo apacible y lo que es más, seguro, apetecible. La verdad es que a la película no le sobra un solo plano y puede que ni una sola escena. En suma, un largometraje esencial y además, ejemplar.

"G.I.Joe" de Stephen Sommers (2009)

2009-08-13T09:56:00.001+02:00

¡Agárrense a los machos!

Yo soy de la opinión de que un verano, no es digno de llamarse así, sin la degustación anual del blockbuster de rigor mandado por correo Express desde Estados Unidos para su ingestión masiva y su olvido aún más generalizado. Este año lo tenía decidido desde el principio. No me iban a tomar el pelo dos veces con "Transformer 2" y Stephen Sommers, tengo que admitirlo, me calló simpático con "Deep Rising" y "La momia", aunque con "El regreso de la momia" mi simpatía por Sommers se vió gravemente dañada, me entretuvo bien hasta la persecución por autobús en Londres, pero a partir de ahí... "Van Helsing" no me gustó en absoluto, pero bueno..., todos cometemos errores. Yo, a Stephen Sommers lo veo un poco a Roland Emmerich, un director simplón hasta decir basta, pero divertido y hasta con cierto clasicismo en su puesta en escena, no suelen imitar a Michael Bay y uno, generalmente se entera de lo que ocurre en pantalla.

Trágicamente, "G.I.Joe" se parece más a "Van Helsing" que a La momia". La película, que tiene el interés justo, no propone nada absolutamente diferente de lo que uno espera una vez arranca el primer fotograma. Su diversión, se limita a los cometarios del típico alivio cómico que cae gordo a los dos segundos y sus escenas de acción son las habituales aunque eso si, con mucho, mucho, mucho ordenador. Debido a esto último, yo suelo decir que el cine de Sommers es, fundamentalmente un cine plastificado, hueco, no ya porque no tenga fondo, sino porque no tiene sustancia, no tiene gracia, no tiene sentido.

Como en "El regreso de la momia", el único momento digno de mención de "G.I.Joe" es una disparatada persecución por Paris que pone la ciudad patas arriba que concluye con la torre Eiffel tirada por los suelos. Por lo demás, un cocido referencial de producciones de acción de los 80 y 90 con "La guerra de las galaxias" a la cabeza (ese villano sospechosamente parecido a Darth Vader, ese ataque a la base de los malos calcada del ataque a la Estrella de la Muerte y esa sucesión de acciones paralelas que aquí aburren poderosamente) y muchos tiros, explosiones y saltos por los aires. Vamos, lo que se viene conociendo como un pastel.

"Arrástrame al infierno" de Sam Raimi (2009)

2009-08-11T20:09:00.007+02:00

Hace años que llevo diciendo por ahí que Sam Raimi es un director que una vez abandonada su particular saga de "Evil Dead", no tenía un lugar realmente cómodo en el que dejarse caer, porque a mi modo de ver, Raimi tenía un serio problema con un concepto tan sencillo como a veces complejo de aplicar como el "equilibrio". El regreso de Raimi a una película más pequeña que una superproducción tipo "Spider-Man" había disparado las expectativas acerca de qué haría Raimi tras un resacón como el del hombre araña, ¿habría perdido Raimi el pedigrí que le dio la fama y la gloría?

Bueno, de entrada, uno puede ni debe esperar que Sam Raimi vuelva a filmar, matiz arriba, matiz abajo, la misma película que a principios de los 80. Raimi ha evolucionado, y eso es bueno, es verdad que hace mucho tiempo que no vemos un "Evil Dead 4", pero tal vez sea algo que a Raimi ya no le interesa. Porque de entrada, lo que "Arrástrame al infierno" pone de manifiesto es que Sam Raimi todavía conserva algunos de esos conceptos que le dieron a conocer a todo el mundo, pero que a la vez, ha sabido combinar mejor sus ideas de forma que puedan llegar al gran público. O dicho de otro modo, "Arrástrame al infierno" es una película perfectamente comercial, a años luz de bazofias como "La semilla del mal", pero con determinados "tics" muy propios del grotesco universo Raimi que, afortunadamente se van acrecentando conforme avanza el metraje.

Viendo "Arrástrame al infierno" me di cuenta que cuando yo solía decir que Raimi tenía un problema con el concepto "equilibrio", en realidad me estaba equivocando. Sus películas son vocacionalmente desequilibradas, visual y narrativamente desmesuradas y dramáticamente simplonas. Esto no tiene que ser una pega necesariamente, sobre todo si como en "Arrástrame al infierno" todo está bien cocinado. Si las salidas de tono no se cargan el drama, o mejor, la atmósfera, y si la simplicidad dramática no nos saca del relato hasta el extremo de que nos importe un carajo los personajes, En este punto, bien es verdad, que el armamento de Raimi se descarga en lo primero.

"Arrástrame el infierno" nos cuenta la historia de una anodina empleada de banca (Raimi tiene la capacidad de extirpar cualquier ápice de carisma de los actores y dejarlos en meros maniquís a sus diabólicos servicios, ahí está su mayor y mejor creación, Bruce Campbell) que ansiosa por lograr un ascenso decide negarle un crédito a una extraña anciana. Error. La anciana en cuestión resulta ser una bruja, y de las malas. A partir de ese momento, la película (hasta este punto convencional y de escaso interés, más bien expectación a lo que está por venir) se convierte en una concanetación de golpes de efectos, muy bien filmados, eso si, con algún que otro toque raminiano como esa mosca que penetra en una fosa nasal para salir por la otra, pero que llegado cierto momento y un vez, percibido el esquema, se hacen peligrosamente reiterativos. Ahora bien...

Lo realmente bueno de "Arrástrame al infierno" comienza en su tercio final, cuando la chica protagonista cree tener ante si la fórmula para acabar con la maldición. La escena de invocación al espíritu del mal en cuestión (un lamia para la ocasión), no tiene desperdicio, hasta el punto de hacernos disfrutar de un cuerpo poseído flotante más que parecido a los posesos protagonistas de "Evil Dead", baile grotesco incluido sobre una hoguera. Aún así, Raimi, y su hermano Ivan, ambos autores del guión, nos proponen un difícil lema moral, la maldición de marras, se puede traspasar a otra persona, regalando el objeto maldito. Pero..., ¿quien se merece semejante martirio?. Así y todo les adelante que el final, sorprende y todo, con lo cual, poco más se puede pedir a un film vocacionalmente divertido.

Raimi además demuestra que sigue tomando muy bien el pulso a las escenas de terror (atención a las escena en el garaje), que sus excesos no implican desenmascarar al monstruo en cuestión (la escena de la "sombra" del lamia en casa de la protagonista es impecable) y que aún así, Raimi no ha perdido su mala uva, que aún tiene ganas de lanzar globos oculares disparados a la cara de sus personajes ("Terroríficamente muertos") y que todavía sabe filmar como lo hizo el primer día, con guasa, pero también con pulso.

En suma un Raimi perfecto. Menos disparatado, es verdad, más maduro, más asentado, también, pero bueno..., así es la vida, ¿no? ¿Mejorable? Si, siempre, pero muy digna. A mi parecer, mejor de lo esperado...

"Déjame entrar" de Tomas Alfredson (2008)

2009-08-06T20:36:00.001+02:00

Rara, rarísima vez se suele uno topar con una película de la naturaleza, la templaza y el nivel de inquietud que "Déjame entrar" verdadera sorpresa de la temporada filmada por el sueco Tomas Alfredson, un nutrido realizador forjado en la televisión. ¡Quien lo diría! Si la caja tonta suele formar a cineastas con más nervio que pulso, con Alfredson el asunto le ha salido al revés y el director sueco ha demostrado con "Déjame entrar" que más vale calma que prisa. Quizá desde "Los extraños" (un film tal vez más convencional pero no menos perturbador) no se veía asomar por las pantallas de todo el mundo un largometraje tan sólido y perturbador como el filmado por Alfredson.

Lo cual, de entrada demuestra una cosa, aunque el tema de los vampiros sea uno de los más recurridos de la historia del cine, aún se pueden decir cosas nuevas, y se pueden decir, de forma también nueva. "Déjame entrar" nos cuenta la extraña historia entre un niño, Oscar, y una niña, una vampira de, se supone, doce años. La idea, no podía ser más truculenta pues la infancia, supone una interesante y acertada aproximación a la temática vampírica debido a que los vampiros (y esto es algo que no siempre se ha entendido bien), son una personificación de un montón de cosas, sobre todo relacionadas con la moral. Bien es ciero que la novela original en la que se basa la película, abordaba cuestiones más bien espinosas acerca de la pedofília que "Déjame entrar" omite veladamente como si no fuera con ella aunque se deje oler cierta... atmósfera. cierto... aire..., no se... cierta... perversión...

En suma..., es cierto eso que dicen por ahí, "Déjame entrar" es una gran película, es un film complejo, con inquietudes, con propuestas, con ideas, con..., cosas que decir...y eso..., aunque parezca mentira, es raro de encontrar. No se la pierdan...

"Serpico" de Sidney Lumet (1973)

2009-08-04T11:05:00.001+02:00

Film antológico de uno de los grandes de la denominada generación de la televisión, básicamente, ese grupo de directores que se hizo cargo de Hollywood entre la lenta retirada de la viaja guardia y la inminente llegada de la nueva generación de Spielberg, Lucas, Coppola, Scorsese y compañía. La generación de la televisión, como su nombre indica, está formada por un grupo de directores que se formaron en el medio televisivo que dieron el salto al cine y que dejaron impreso en una generosa galería de películas un sello muy particular que deambulaba entre el clasicismo clásico y las nuevas tendencias del cine europeo.

Cuando uno ve, por ejemplo, "Serpico" se da cuenta de que en el fondo, no hay, en esencia, tanta diferencia con el cine clásico, al fin y al cabo la película tiene planteamiento, nudo y desenlace, pero lo que tal vez sea más interesante, la cámara de Lumet sigue las andanzas de un policía de Nueva York con aspiraciones casi documentales (aquí reside la novedad de la generación tv) pero que en el fondo, como ocurría en los grandes clásicos, logra desaparecer de la narración casi como un personaje más. Quiero decir, llega un momento en "Serpico", sino ocurre desde el primer fotograma, en el que la cámara, el hecho cinematográfico parece desaparecer. Está ahí, pero Lumet lo diluye con una narración impecable, sin grandes muestras de formalismo de auteur y sin con mucha devoción por la historia y eso, es cine clásico.

Por tanto, lo que más destaca de un film como "Serpico" es, creo yo, la perfecta fusión entre nuevas tendencias (esa imagen premeditadamente sucia, aparentemente intuitiva y realista) junto con esa asunción de los parámetros maestros del cine clásico (una cámara/narrador que desaparece del relato, principio intrigante -con Serpico (Al Pacino) malherido-, interés creciente (una investigación por libre sobre la corrupción policía en Nueva York) y final sorprendente (el resultado final de la investigación) que va más allá de ese comienzo con Serpico con un tiro en la cara).

Lumet demostró aquí de lo que era capaz con un guión aparentemente sencillo y un elenco de actores de primera con un Pacino a la cabeza recien salido de "El padrino" y a un paso de meterse en "El padrino II". Lumet, que con el paso de los años ha demostrado ser uno de esos raros casos de cineasta incombustible que a sus 84 años sigue haciendo cine a unos niveles ciertamente envidiables y a una velocidad sólo igualada por Clint Eastwood y tal vez en su día, también por Robert Altman.

Película obligada para todo amante del cine y ejemplo impecable del cine que se hizo en los 70, mientras las viejas vacas sagradas daban sus últimos coletazos y los nuevos tiburones de la industria comenzaban a dar su primeros chapoteos cinematográficos. Un film bisagra.

"La madre del mal" de Dario Argento. 2007

2009-08-03T15:40:00.001+02:00

Trágico regreso el de Dario Argento. Trágico porque "La madre del mal" (que ha ido directamente al DVD, al menos en lo que respecta a este humilde rincón del mundo) no sólo es mala, sino que además es aburrida y por si fuera poco, parece haber borrado del mapa todos los magníficos apuntes de los que Argento hizo gala en su buena época. "La madre del mal" es una de esas películas que cuando la estas viendo es inevitable preguntarse en qué diablos estaban pensando cuando alguien le dio luz verde a ese guión, como es posible que entre el propio Argento y sus ¡¡cuatro!! coguionistas, nadie se detuviera un momento y dijera algo así como un momento, un momento, un momento..., ¿soy el único que no le ve ni pies ni cabeza a lo que estamos haciendo?

"La madre del mal" supone el -lamentable- colofón de la personal trilogía de Dario Argento "Las tres madres", compuesta por "Suspira", "Infierno" y ésta última. Flaco favor el que hace el propio director italiano a su propio universo plagado de una malsana poesía de lo macabro. A cambio, aquí en "La madre del mal", Argento cambia suspense por sangre, por escenas mal planteadas, peor desarrolladas y espantosamente mal resueltas. No hay un ápice de suspense, ya no hay rastro de esa inquietante cámara de Argento que sugería además de empapar en sangre sus películas, de esas imágenes extrañamente inquietantes fijas en un objeto, un muñeco, o un cadáver...

A cambio, insisto, Dario Argento nos obsequia con una rocambolesca historia de brujería que se remonta a no se que siglo en donde una temida bruja todavía anda viva por Roma matando gente. El inicio del film, con el asesinato de una joven en un museo romano ya hace temer lo peor, sin gracia, sin encanto, sin pulso, sin mano, sin montaje... inexplicable, porque Argento ha demostrado que cuando quiere es un maestro de la planificación y del montaje. Hay en "La madre del mal", antes de ese vergonzoso final uno o dos planos, una o dos ideas, pero nada más. Una pena...

"Asalto al tren Pelham 123" de Tony Scott (2009)

2009-07-31T19:05:00.005+02:00

Puesto que los comentarios anteriores iban más que por Denzel Washington por la propia película que acaba de estrenar y ya que los siempre inescrutables caminos del señor son a todas luces imprevisibles y resulta que la he visto, me viene como anillo al dedo dejar aquí algún que otro comentario sobre el film en cuestión. Aunque para hablar de "Asalto al tren" habría que hablar antes de Tony Scott, ya sabe, el hermano bueno según el alborotador de Tarantino de los Scott. Yo, que debo de discurrir por senderos absolutamente opuestos a los del señor Tarantino (lo que explicaría muchas cosas) soy de los que veo en un tipo como Tony Scott uno de los peores y más inexplicables virus del actual cine moderno. Las películas de Tony Scott son rematadamente malas, en el mejor de los casos, entretenidas, pero sin dejar de ser malas, y sin embargo tiene una importante legión de fans, es considerado por algunos como un auteur y el listo de Tarantino dice que es mejor que su, por otro lado, también discutible hermano Ridley.

Todo esto me lleva a algo que suelo repetir cada vez que tengo ocasión. Que en esto del cine hay dos tipos de directores malos, los malos y además, aburridos. Y lo malos, pero al menos, entretenidos. Tony Scott creo que es el maestro de los directores malos pero entretenidos, quiero decir. "Superdetective en Hollywood II", "Amor a quemarropa", "Días de trueno", "Marea roja" (quizá su mejor película), "Enemigo público", "Deja Vu" son película en la mayoría de los casos hechas como hamburguesas, para comer y tirar, pero se dejan comer muy bien, todo hay que decirlo. De hecho, Tony Scott es el padre de esa estética patentada por el maegaproductor Jerry Bruckheimer que hoy a infectado buena parte del cine de Hollywood contemporáneo así como el noventa por ciento de la producción televisiva de Estados Unidos. Es decir, planos cortos, elementos en primer plano desenfocados, mucho movimiento, montaje frenético... ¿El sentido de todo esto? ¡Y eso que importa, si queda bien! Pues esa es la filosofía de Scott y eso en suma es "Asalto al tren Pelham 123". Se deja ver, se olvida sin trauma alguno, todo está rodado con muchas cámara no sea que se pierda una mueca de Travolta y Scott no le haya hecho un plano detalle, y la cámara se mueve mucho, no sea que se cuele algún plano estático y el personal se nos aburra.

En cuanto a nuestro queridísimo Denzel Washington, pues eso, un santo. Un humilde funcionario de control del tráfico del metro de Nueva York sospechoso de haber aceptado un soborno pero que será perdonado por la santísima trinidad de la policía neoyorquina por sus buenas maneras al frente de la crisis del secuestro de un tren. Todo anodino es verdad, con escasísimo interés, también es verdad, con pocas o ninguna sorpresa, no es menos cierto, pero el mayor logro de Tony Scott es que consigue que un Donut se pueda degustar de principio a fin sin que casi, nos demos cuenta y además, se lo logra colar a algunos como si fuera caviar ruso. Cosas del cine...

Denzel Washington

2009-07-22T19:02:00.005+02:00

El otro día, escuchando a uno de esos monologuistas que sueltan chistes más o menos ingeniosos sobre todo lo que se les pasa (le han escrito) por la cabeza, el hombre dejó caer un chiste sobre Denzel Washington que veía a decir algo así como Denzel Washignton es un buen actor pero está encasillado, siempre hace de negro... Más o menos graciosa, la verdad es que la ocurrencia tiene su parte de verdad. Denzel Washington parece ser algo así como un Tom Hanks pero en negro, una especia de talismán para la taquilla que rara vez falla y que siempre ofrece un perfil muy similar. Denzel Washington es un actor que siempre, matiz arriba, matiz abajo, siempre hace lo mismo, al menos, en su esencia. De bueno. No, de bueno, no, de santo, casi. A mi, la verdad sea dicha, Washington era un actor que me caía moderadamente bien hasta que lo vi en "John Q", un film, no sólo mediocre, sino que moralmente extremadamente discutible. Pero el caso es que Washignton aguantaba el tipo más allá de lo tolerable en un papel de hombre a un paso de la canonización según la óptica de Hollywood que al final, terminó por irritarme. Tanto bondad y tan discutible... Nueva prueba de lo que extremos se atraen.

Por tanto, Denzel Washington siempre hace de bueno y cuando se le ocurre hacer de malo, le dan un Oscar ("Training Day"). Ahora acaba de estrenar "Asalto al tren Pelham 123" que no he visto ni me preocupa ver, sabiendo que está detrás otro que también merecería capítulo aparte, Tony Scott, pero ya en el trailer se deja ver quien es el bueno (Washington) y quien el malo (Travolta). Más de lo mismo por el horizonte pues... Y todo, aún asegurando que ha tenido que engordar hasta legar a lo cien kilos.. Insisto, no he visto la película, pero como haya engordado para hacer lo mismo que es lo que me temo... Pero ya se sabe, en Hollywood queda muy bien eso de decir que un actor ha engordado o adelgazado para interpretar un papel desde que Robert De Niro lo pusierda de modo fundamentalmente a partir de "Toro salvaje".

Washington resulta por tanto un adorno que queda muy bien allí donde lo ponen pero que en el fondo, ha terminado por aportar muy poco al conjunto. El problema tal vez haya venido del hecho de haber frecuentado malas compañías, como Tony Scott, que lo ha convertido en su actor fetiche y de paso en una estrella -sensible- del cine de acción adrenalítico. Visto así, la verdad es que a Denzel Washington es como si lo hubiesen vaciado de contenido y lo hubieran convertido en un monigote cargado de tics y en última instancia bastante insufrible. Una pena.

"Ovejas asesinas" de Jonathan King (2006)

2009-07-22T10:38:00.003+02:00

No hace mucho vi una simpática película ciertamente sanguinolenta titula "Desmembrados" que también hace más o menos el mismo tiempo comenté en este, mi humilde blog. "Desmembrados" era una suerte de programa doble al estilo del "Grindhouse" de Tarantino y Rodriguez que iba acompañada del título que hoy nos ocupa, "Ovejas asesinas" puesto que aquella película me resultó simpática, era cuestión de tiempo ver la citada "Ovejas asesinas".

Lo cierto es que la película de Jonathan King, ya de entrada, se distancia considerablemente de "Desmembrados" en su mero y simple punto de partida. Su título lo dice todo, unas ovejas que son asesinas. Tela... Era lógica matemática que si "Desmembrados" era un título divertido (con sangre pero divertido), "Ovejas asesinas" fuera un completo disparate, ¿no?. Bueno pues si, y no. El principal problema de la cinta de King radica, creo yo, precisamente en la desigual seriedad con el que su director se toma semejante empresa y el fallido sentido del humor con el que trata de salpicar un relato que sin humor, es imposible que llegue a buen puerto. "Ovejas asesinas" resulta en su punto de partida demasiado solemne, demasiado seria, casi trascendental, y sus golpes de humor no llegan a cuadrar, no funcionan. El resultado es por tanto un film muy desigual y no por su tosquedad en los actores, su propuesta descabellada o su guión sujeto con hilos, porque con eso casi que contábamos. Su problema es su "tono".

Con mucho, lo peor, lo peor de lo peor que le puede pasar a una película como "Ovejas asesinas" es que termine resultando aburrida. Eso es algo imperdonable. De hecho, quien tenga curiosidad por un título como este entiendo que puedan pensar que es imposible que una película sobre unas ovejas que se comen a la gente y convierten a sus víctimas en monstruosas ovejas gigantes, pueda resultar aburrido. Pues si caballeros. De entrada, lógicamente, el film despierta cierto interés, pero conforme avanza y vamos viendo como su director transforma hilarantes situaciones en grotescos conatos de cine presumiblemente serio la película naufraga estrepitosamente. De hecho, "Ovejas asesinas" recuerda por momentos al Peter Jackson de los inicios (no en vano, Jackson y "Ovejas asesinas" con neozelandeses), pero sin ese punto de hilaridad del director de "Briandead". También resuenan levemente los ecos del Sam Raimi de "Posesión infernal", sobre todo en el personaje de Angus Oldfield, interpretado por Peter Feeney y que parece una curiosa actualización del particular rostro de Bruce Campbell, pero ni King ni Feeney tienen la frescura y la compenetración de Raimi y Campbell.

En suma, una película ciertamente mediocre, no es la mayor basura de la historia, pero si que resulta a todas luces un film olvidable y como decía un amigo mío, apta para pirómanos..., para que quemen el celuloide del largometraje, se entiende...

"La última casa a la izquierda" de Denis Iliadi (2009)

2009-07-15T11:47:00.003+02:00

Partamos de la premisa de que hacer un remake del dudoso film de Wes Craven "La última casa a la izquierda" es una decisión tan o más dudosa que la propia película. Dicho esto, la actualización de un film de la naturaleza de "La última casa a la izquierda" tiene su sentido en el actual contexto cinematográfico de Hollywood en el que no se hace más que recuperar películas de éxito o de moderado culto de los 80 y finales de los 70 y visto que dichas aproximaciones están siendo muy bien recibidas por el público contemporáneo. Además, si tenemos presente el remake que Alexandre Aja hizo de otra película de Wes Craven, "Las colinas tiene ojos" o incluso la revisión de Zack Snyder de "Zombie" de George A. Romero, en ocasiones, un remake, viene muy bien.

El caso concreto de "La última casa a la izquierda" parte de un origen casi calcado al de "Las colinas tienen ojos", es decir, largometraje filmado con mínimos recursos, una violencia que roza el mal gusto y una tosca textura que dota a la película, como ocurrió con "La matanza de Texas" y "La noche de los muertos vivientes" de una inesperada crudeza y un inquietante sentido del horror. Además, como todos los títulos citados antes, "La última casa a la izquierda" surgió en un momento de depresión post-bélica en unos Estados Unidos marchitados y traumatizados por la barbarie de Vietnam. El pesimismo por la raza humana se deja sentir en cada una de estas películas.

Trasladar estos discursos y estas formas al año 2009 son una empresa siempre delicada, que en función de los intereses del realizador al frente, podrán retomar su nivel de repulsión aunque con discursos sensiblemente alterados. "La última casa a la izquierda" versión 2009, no llega a revitalizar estos miedos, si bien es cierto que se queda, al menos, a medio camino, exponiendo uno de los terrores más generalizados en estos días como es la violación de nuestra intimidad. Pero aún así, el film de Iliadi tampoco termina por aporta nada particularmente novedoso más allá de una colección de escenas bastante crudas pero con escaso nivel de aversión moral, salvo quizá, una violación a una adolescente que en cierto modo recupera el extremo horror del film original con un momento filmado con crudeza y buen pulso.

Pese a todo, insisto, "La última casa a la izquierda" de Denis Iliadi, se queda a medio camino. Resulta inevitable, si es de violación de la intimidad de lo que estamos hablando, recordar ese excelente film que se estrenó hace poco titulado "Los extraños", mucho más arriesgados, valiente y revulsivo narrativa y moralmente. De igual modo, la película de Iliadi tampoco llega a consumar la fuerza narrativa del otro remake de un film de Craven, "Las colinas tienen ojos" y al contrario que el largometraje de Aja, tampoco llega a concretar un nuevo demoledor discurso moral.

"La última casa a la izquierda" no llega a los nefastos extremos de "La morada del miedo" (otro remake, este de "Terror en Amytiville") pero no llega tampoco mucho más lejos. Película entretenida en el mejor de los casos con una galería de escenas considerablemente sangrientas que quizá, salvo la mencionada violación, tampoco llegan mucho más allá de otras memorables escenas de violencia como, sin ir más lejos, el "Amanecer de los muertos" de Snyder o "Las colinas tiene ojos" de Aja. En suma, una vez más, a medio camino de ninguna parte...

"El demonio de las armas" de Joseph H. Lewis (1950)

2009-07-07T11:46:00.004+02:00

Hablar hace unos días de Joseph H. Lewis me recordó que hacía milenios que no volvía a ver la descomunal "El demonio de las armas", con diferencia la película más popular de Lewis. El film, ha gozado de un particular reconocimiento de público y sobre todo, de crítica, gracias a los revoltosillos señores de la "Nouvelle Vauge", empecinados en reinventar el cine que terminaron dándose cuenta de que la semilla de todo lo que ellos alardeaban se encontraba en el vapuleado sistema de estudios de Hollywood, un sistema que dicho sea de paso, terminó por ser redescubierto por ellos mismos, que años atrás, lo habían masacrado sin piedad.

Esto me recuerda una cuestión fundamental que lleva madurando en mi cabeza desde hace tiempo, que el germen del noventa por ciento de las genialidades que hoy día vemos, ya sea a través de movimientos vanguardistas, ya sea gracias a virguerías de modernillos de segunda, se encuentra en el cine clásico americano. Yo por esta razón, suelo ser muy prudente cuando la crítica se une y aplaude al unísono al movimiento Dogma o a Quentin Tarantino, porque en muchos de los casos, lo que estos hacen no es más que actualizar, de forma muy hábil, eso si, los hallazgos de cineastas del pasado.

Hay una única escena en "El demonio de las armas" que ya vale su peso en oro y que justifica por si sola, las garantías artísticas de este film de Lewis. Annie y Bart (dos bocetos de lo que años después serían Bonnie & Clyde según Arthur Penn y Warren Beatty) se disponen a robar un banco. La cámara de Lewis está situada en el asiento de atrás del coche, entre ambos personajes, y no se moverá de allí en todo el atraco. Bart sale del coche, desde ahí podemos ver como Annie contempla la llegada de un policía, entonces ella sale del coche para entretenerlo y la cámara de Lewis, en un movimiento asombroso para la época, se desplaza unos pasos aún dentro del coche, para encuadrar a Annie hablando con el policía y la puerta del banco, por la que saldrá Bart bolsa de dinero en mano. Ambos vuelven al coche, la cámara retoma su posición inicial y salen del pueblo. Un plano secuencia. Ni un corte. No hacía falta. Todo lo que había que decir está dicho, y lo que es más, lo que no se ha dicho se ha deducido. Sobresaliente (Aquí teneís el momento del robo).

Lo que más llama la atención de una escena como esta y que se extiende a todo el film y que es algo que también pudimos ver en "El fantasma invisible" es el dominio que Lewis tiene de la cámara, de la puesta en escena y del montaje en una época como los años 30, 40 y 50, años de bonanza del cine de Lewis. Algo menos vistoso que Alfred Hitchcock y también, con menos vista comercial, Lewis en realidad aportó tanto al cine como le permitió el encorsetado sistema de estudios de Hollywood. Su cine, hoy escondido en Dios sabe qué filmotecas a la espera de ser reeditado en DVD, revela sin género de dudas algo muy importante, la mente de un cineasta preocupado por contar una historia con una cámara sin menospreciar la psicología de sus personajes, como ocurre en "El demonio de las armas", fascinante película de acción y a la vez una apasionante digresión de un amor fatal encabezado por una femme fatal de altura que nada tiene que envidiar a la Barbara Stanwyck de "Perdición".

Una obra maestra absoluta.

"El mundo desconocido" de Terry O. Morse (1951)

2009-07-01T10:35:00.005+02:00

El film viene firmado por Terry O. Morse, un consumado montador de películas, también hilarantes, que se pasó ocasionalmente a la dirección para rodar no menos descabelladas. Detrás de todo esta la productora Lipper Pictures, una pequeña empresa norteamericana nacida a finales de los años 20 y que empezó fijando su atención en producciones de aventuras y que logró distribuir la notable película de Rowland V. Lee "El capitán Kidd". Pero fue a principios de los 50 cuando la Lipper Pictures hizo su agosto con películas que se alimentaban de la paranoia nuclear y el temor al comunismo en forma de invasión extraterrestre produciendo una considerable cantidad de títulos, de cierta popularidad en su momento dentro de las fronteras de Estados Unidos pero escasamente conocidas fuera de sus fronteras. De hecho, la edición española en DVD de "El mundo desconocido" no tiene desperdicio. Englobada bajo el recurrido rótulo de Colección Séptimo Arte, la portada de entrada, parece más un documental sobre el cosmos que una actualización de Viaje al centro de la Tierra que es lo que es en realidad.

Con una insólita banda sonora de Ernest Gold (que años después compondría la monumental "Éxodo"), "El mundo desconocido" es una simpática aproximación con las pretensiones a ras del suelo para saborear un producto de serie B en estado puro fuera de los círculos más laureados de la obra de Jack Arnold, Edgar G. Ulmer o Ed Wood. La muestra viviente de que fuera de los "ilustres" círculos del cine cutre norteamericano, existen otras "joyas", no menos disparatadas, con tantas o más peculiaridades como para ser tenidas en consideración a la hora de hablar de ese particular, infravalorado a veces, sobrevalorado otras, que es el cine de serie B.

"Gran Torino" de Clint Eastwood

2009-06-28T10:36:00.005+02:00

Hace ya unos años que algunas voces han comenzado a preguntarse si en realidad Clint Eastwood es el maestro incontestable que según parece es. Desde que en 1992 dirigiera "Sin perdón", Eastwood parece haberse convertido en el divino salvador del séptimo arte. No hace mucho, Tomás Fernández Valentí en un jugoso estudio sobre Eastwood en "Dirigido por..." apuntaba que algunos sectores de la crítica, últimamente andaba rozando la hipocresía cuando ahora, todo el mundo laureaba a Eastwood mientras años atrás se habían despreciado injustamente películas tan notables como "Escalofrío en la noche", "Bird" o "Cazador blanco, corazón negro" por el simple hecho de ser películas dirigidas por el protagonista de "Harry el sucio", película hoy revalorizada pero que en su día fue vista como una producción fascistoide muy poco estimable.

Ahora, las cosas han cambiado y Clint Eastwood es, como he dicho antes, algo así como la Santísima Trinidad del cine americano, el último clásico, el maestro de los maestros. Dentro de esta actual tendencia, algunas voces ha comenzado a hacerse ciertas preguntas muy interesantes sobre si en realidad, Eastwood es tan, tan rematadamente bueno como parece. Un director que no parece fallar nunca y que hasta una película tan mediocre como "Space Cowboys" es rescatada con cierto disimulo subrayando sus escasos aciertos y obviando sus numerosos errores.

Yo, tengo que admitir, que más o menos desde "Mystic River", Eastwood es un tipo que, tengo que admitirlo, me gusta, pero que me da cierta pereza. Pereza porque conozco ya demasiado bien su perímetro de actuación, sus herramientas y sus resultados, por más que rara vez falle. Es curioso, se que voy a ver, como mínimo, una buena película, sin embargo, no me entusiasma demasiada la idea de ir a verla. Ahora bien, lo cierto y verdad es que cuando las veo...

Algo así me ha pasado con "Gran Torino" (no he visto aún "El intercambio"). Conocía más o menos cuales eran sus directrices de partida, pero no percibía yo ninguna novedad sobre el horizonte. Pues bien, así y todo, tengo que admitir que "Gran Torino" es un película de una rotunda solidez muy extraña de ver en estos días. "Gran Torino" es, como casi todo el cine de Eastwood, un film de acero inoxidable. Robusto, redondo, sin una sola pega, más allá de lo que he mencionado antes, reconocer todas y cada una de las herramientas, los clichés y los ticks de Eastwood. En "Gran Torino", Clint Eastwood es, como no podía ser menos (aquí uno de sus ticks), un otoñal ex soldado que luchó en la guerra de Corea. Casi llega a rugir cuando contempla a sus incómodos vecinos orientales, en cambio, de forma muy sutil y cercana, Eastwood entabla amistad con un joven coreano.

Dicen que Eastwood aseguró que "Gran Torino" iba a ser su última película delante de una cámara. Una verdadera pena, porque la presencia de Eastwood en la pantalla llena cada plano, por reconocible, limitada y hasta previsible que sea su actuación. El rostro marcado, arrugado y cincelado por una existencia ruda y cruel no evita supurar una insólita sensibilidad que viniendo de un rostro como el de Eastwood, resulta más enternecedora que nunca, o no, mejor, más humana. Más real, tal vez. Esto no implica, ni de lejos, que "Gran Torino" sea una película sensiblera, en absoluto, al contrario, es un film sensible, que es muy distinto y mucho más difícil.

Hasta en esa afirmación de Clint Eastwood de que "Gran Torino" iba a ser su último film como actor, tiene su reflejo dramático en el film. No voy a contar más pero es cierto que "Gran Torino", vale la pena verla. Es una lección de cine, pero de cine como el de antes, donde casi no se percibe la presencia de una cámara, donde no parece existir un "creador", un "constructor" que al fin y al cabo esta confeccionando un drama, que por natural y bien hecho que esté, no deja de ser una creación, una manipulación. Pues bien, Eastwood consigue que eso se evaporice, es decir, Eastwood, hay que admitirlo, consigue algo muy difícil. Magia.

. Trato de ser todo lo crítico que puedo con Clint Eastwood, pero de verdad, que me resulta muy difícil.

"El fantasma invisible" de Joseph H. Lewis

2009-06-26T13:00:00.004+02:00

Joseph H. Lewis está considerado uno de los maestros del cine clásico de serie B, pero de una serie B seria, alejada de la parodia y lo conceptualmente extravagante. Las películas de Lewis simplemente eran de bajo presupuesto, porque las intenciones del cineasta norteamericano nunca fue otra que la de contar buenas historias a través de su calculada cámara. Se trata además de un realizador miserablemente maltratado por las recientes ediciones en DVD (y no digamos en Blu Ray) que hasta la fecha sólo ha sacado a la luz seis de su extensa filmografía compuesta por casi medio centenar de títulos, entre ellos la laureada "El demonio de las armas" por eso de haber sido encumbrada por la Nouvelle Vauge.

Cuando Joseph H. Lewis dirigió en 1941 "El fantasma invisible", el realizador neoyorquino ya había filmado quince películas, dos de ellas, las primeras ("Navy Spy", 1937 y "The Gold Racket", 1937), de forma no acreditada. Lewis, que como muchos otros directores encorsetados en el férreo sistema del Hollywood clásico, contaba con tan sólo 34 años y ya se había forjado un recorrido lo suficientemente sólido como para afrontar casi cualquier proyecto. En esta ocasión le tocó el turno al terror bajo la poderosa presencia de Bela Lugosi (ya desde el primer fotograma, perseguido por la pesada sombra de Drácula), protagonista de una historia sencilla hasta el extremo pero que Lewis rescata de un previsible aburrimiento gracias a formidable uso de la puesta en escena.

De hecho, películas como "El fantasma invisible" son las que dejan en piel viva la frágil estructura que compone un film, depositando casi todo su interés en la labor de su director. La historia de un hombre obsesionado con su esposa presumiblemente muerte que cada vez que la ve, supuestamente un fantasma, despierta en él instintos homicidas y liquida al primero que se le pone por delante, le basta a Lewis para disponer toda su artillería narrativa y filmar un largometraje inesperadamente sólido. Con sumo cuidado, Lewis planifica su película en torno a muy pocos personajes y a unas relaciones dramáticamente escuálidas, pero que su cámara logra rescatar del desazón gracias a una asombrosa autonomía narrativa articulada en torno a cuidados movimientos de cámara y a un montaje preciso y nunca maniqueo.

"El fantasma invisible" es una de esas películas en la que sus cuidados movimientos de cámara, vale cada uno de ellos, su peso en oro. Una película además que contiene un dominio del espacio narrativo asombroso para la época con momentos como la primera aparición del fantasma de la esposa de Lugosi, planificado con un único plano compuesto de un complejo uso de la profundidad de campo a través de una ventana.

Llama también la atención su delicado sentido del humor, que pese a todo no hace perder la atmósfera gótica que envuelve el film, que por más que cuente con la presencia de Bela Lugosi, se aleja notablemente de las habituales producciones de la Universal, descartando el expresionismo domesticado por Estados Unidos y abogando por un tenebrismo más visual, más narrativo que formal.

Se trata en suma de un largometraje ejemplar, de esos que merece la pena ver, sobre todas las cosas por la presencia detrás de la cámara de Joseph H. Lewis. Un hombre encorsetado en el cine clásico de serie B que pese a todo, logró perfilar un entorno repleto de fantásticas inquietudes y un legado fílmico formidable, por más que ahora, se encuentre en el límite del olvido.

"Ellos robaron la picha de Hitler" de Pedro Toumbory

2009-06-21T21:02:00.003+02:00

De vez en cuando, uno no sabe ni cómo ni por qué termina viendo películas que en circunstancias normales no habría visto. Luego, una vez vistas, independientemente del estado anímico, moral y existencial al que dejan a uno, yo siempre me alegro de haber visto casi cualquier película, incluida una como "Ellos robaron la picha de Hitler". No había visto "Kárate a muerte en Torremolinos", la ópera prima de Pedro Toumboury, de modo que sentía cierta curiosidad por ver por donde tiraba este director malagueño, dicen por ahí, que muy divertido.

De entrada, hay que decir que yo, cuando escuché este título pensaba que el asunto iría por un chiste, una gracia escatológica final que diera sentido al título, pero nunca, que la película de Toumboury girara en torno a precisamente eso, el robo del pene de Hitler. Pues si caballeros, de eso precisamente va el asunto. En unas excavaciones en Berlin un grupo de obreros da con lo que parece ser un bunker nazi en el que encuentran embalsamado el miembro del dictador alemán. Cuando un grupo de nazis de pacotilla afincados en Málaga se entera de la noticia, ni cortos ni perezosos se lanzan a robar el pene, para implantárselo a un alemán previamente secuestrado y de ese modo resucitar de nuevo a Führer... Como verán, propuesta cogida con hilos. No, ni eso...

Pero el caso es que en cuanto empieza la película y vemos aparecer en lo título de crédito el nombre de Jess Franco como intervención estelar, no resulta difícil averiguar los derroteros de una película que sólo aspira a seguir las enseñanzas del prolífico y casposo director español.

A mi, Jesús Franco nunca me ha interesado particularmente más allá de ver una de sus películas entre un grupo de amigos dispuestos a reírse mandíbula batiente o en todo caso por su ópera primera, "Necronomicon", un largometraje que para nada hacía presagiar el futuro trabajo del realizador. De ese modo, Toumboury imita a Franco en su escuálido presupuesto, en su escatológica propuesta, en lo casposas de sus herramientas, en el gore de serie Z y en las constantes referencias al sexo.

El resultado es desde luego una película insólita. No hay personaje, ni casi historia, sólo una anécdota estirada tal vez más de la cuenta con constantes chistes, algunos de un gusto sumamente discutible y siempre apostando por la escatología, por ir más allá de lo políticamente correcto sin reparar en lo coherente de esto o aquello. Hay continuas referencias a los clásicos del terror (Frankenstein, incluyendo "El jovencito Frankenstein"), al propio cine de Jess Franco y hasta a la obra de Ed Wood, algo por otro lado lógico. Puede que algunos vean en películas como "Ellos robaron la picha de Hitler" el último grito del vanguardismo cinematográfico, como muchos se empeñan en revalorizar la obra de Wood o Franco, pero siendo un poco serios, "Ellos robaron la picha de Hitler" no pasa de ser una broma, por momentos un poco pesada, pero en cualquier caso sin un ápice de seriedad. Una de esas películas donde se nota, los que la hicieron se lo pasaron pipa pero que, y esto ya es otra cosa, no está tan claro que quien la vea se lo pase tan bien como ellos. Un cine bajo bandera española que pese a su naturaleza extravía y sus aspiraciones -aparentemente- rupturitas no va a servir para abrir fronteras y venderla fuera de España. Por tanto una broma, un chiste de dudosa consistencia y de discutible visionado. En cualquier caso, insisto, de vez en cuando, vale la pena ver cosas como "Ellos robaron la picha de Hitler", aunque eso si, siempre y cuando uno esté curado de espanto y tenga el estómago listo para productos de un alto nivel de indigestión. Sólo para muy, muy incondicionales del tío Jess.

"Terminator Salvation" de McG

2009-06-18T21:35:00.005+02:00

Pues si, la he visto ya. Por otro lado, era lógico. Por una cuestión meramente generacional (tengo 32 años), "Terminator" marcó mi adolescencia y por extensión, buena parte de mi, todavía, precaria madurez. A mi, "Terminator", como todo hijo de vecino de mi generación, me entusiasmó. Con el paso de los años la película no ha perdido puntos, tampoco los ha ganado, y supongo que eso es bueno. Lo mismo se puede decir de "Terminator 2", aunque sea por razones bien distintas, lo que en cierto modo es todo un logro, puesto que la segunda entrega del film de James Cameron no es más que un caro remake del film original. "Terminator 3", es verdad, ya es otra cosa. Alejado Cameron del proyecto (por lo visto a esto estuvo de liarse a hostias con los productores de la segunda entrega), se contrató a otros guionistas, a otro director y se tiró para adelante pensando probablemente que con el nombre de "Terminator" en el título y con Arnold Schwarzenegger (que hace un simpático cameo digital que seguramente habrá hecho rugir a más de una sala) al frente, todo estaba ganado. Posiblemente, pero una vez han pasado los años, "Terminator 3" ha perdido y a la vez ha ganado con los años, quedándose en un film en conjunto irregular (en cualquier caso una película sumamente injusta para un director tan endiabladamente entretenido como Johnathan Mostow, como lo demuestran la hitchockiana "Breakdown" y la entretenidísima "U-571").

En cualquier caso, los responsables de "Terminator Salvation" sabían que "Terminator 3" no terminó de convencer y por tanto eran conscientes de que tenían en su poder la oportunidad (porque seguía habiendo expectación, pero..., ¿hasta cuando?) de resucitar en toda su expresión la saga de Terminator. Para ello, y siguiendo la cronología donde la dejó "Terminator 3", "Terminator Salvation" arranca con la humanidad ya metida en plena guerra con las máquinas, el mismo momento que James Cameron retrató brevemente en "Terminator 2" y sugirió a través de diálogos en "Terminator". ¿Problemas? Bueno..., en esencia, ninguno, pero bien es verdad que cuando escuchábamos en "Terminator" que los hombres eran como cucarachas en un futuro dominado por las máquinas, yo por lo menos, esperaba un futuro algo más desolador, menos esperanzador y una resistencia menos organizada sin casi vehículos y no digamos cazas y hasta un submarino. Pero bueno, como digo, estas son apreciaciones muy personales que no pasan de ser las propias de una persona que se crió con la dos primeras entregas.

Algo más preocupante es el hecho de que "Terminator Salvation" rompe con el simple pero eficaz modelo de las tres películas anteriores, es decir, un único y poderoso Terminator contra unos humanos, en cualquier caso en desventaja aun cuando disponían de otro Terminator (generalmente de modelo inferior, el famoso T-800) y los viajes en el tiempo. Y es que "Terminator Salvation" es, en esencia una película bélica en un contexto directamente extraído de "Mad Max" con unos asombrosos efectos especiales que arranca a un ritmo frenético que no decae hasta pasado el ecuador del film. Porque en realidad, "Terminator Salvation" mantiene un esquema básico de todo largometraje de acción trepidante que se precie, es decir, tres cuartas partes de tiros y persecuciones, un acto cerca del final en el que la narración suele decaer para reconducir la trama y en definitiva contar algo y un clímax que una vez más, como en las dos primeras películas, se desarrolla en una fábrica. De hecho, el enfrentamiento final es casi un calco del de "Terminator 2" con hierro fundido cayendo sobre uno de los robots y congelándolo posteriormente en un momento muy similar al celebrado clímax de "T2" cuando el T-1000 de metal líquido quedaba petrificado con hidrógeno líquido.

En cualquier caso "Terminator Salvation" es un film de acción correcto. Por debajo de las dos primeras, pero superior en algunos aspectos a la tercera aunque esta le gane por goleada en otras cuestiones menos aparatosas más allá de las meras escenas de acción. En todo caso, no es poco y más aún estando detrás de la cámara un tipo como McG. El disparatado director de "Los ángeles de Charlie" y su secuela paso a toda la legión de fans de Terminator firme cuando se anunció que él iba a ser el director de esta cuarta entrega. Tal fue la alarma generalizada, que el propio McG tuvo que salir al escenario publico a amainar los ánimos de los fans asegurando que era muy consciente que "Terminator 4" era una cosa muy distinta a "Los ángeles de Charlie". Y es verdad. Porque si McG tiene alguna particularidad favorable esa es que es muy capaz de no tomarse muy en serio a si mismo, eso fue lo que salvó de la quema total a las dos entregas de "Los ángeles de Charlie", pero en "Terminator Salvation" es cierto, McG se pone serio y sale airoso. Y todo pese a sus endiabladas escenas de acción y pese a la escuálida coherencia dramática y narrativa de los momentos más frenéticos, al contrario que suele hacer James Cameron que es un tipo que tendrá todos los defectos que se quieran pero que sabe muy bien como plantear, desarrollar y resolver complicadísimas escenas de acción. McG no rueda tan bien la acción como Cameron también es verdad, pero no llega a los extremos de absoluta confusión de, pongamos por caso Christopher Nolan en "Batman Begins" (que no "El caballero oscuro" donde Nolan estuvo mucho más comedido).

Se trata por tanto de un film de consumo rápido, que no hunde la saga y que mantiene viva la esencia, aunque no vaya a tener las trascendencia social y cinematográfica de las dos películas de Cameron. Ahora, lo que muchos piensan ya es en un "Terminator 5", complicada empresa sin duda debido a que la película de McG dejaba la acción en un momento en el que una continuación sólo podría ser una repetición del esquema de "Terminator Slvation", es decir, nuevo episodio bélico entre resistencia y máquinas.